Historia del diseño gráfico

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Fuente: Mujer Ejecutiva

El diseño gráfico tal y como lo conocemos, ha formado parte de nosotros desde la antigüedad hasta ahora. Somos conscientes de lo que nos rodea cuando decimos «diseño gráfico» porque enseguida nos viene a la cabeza aspectos de la comunicación gráfica: escrituras, simbología, pinturas etc. Su historia no tiene una fecha establecida sino que se encuentra determinada por una serie de sucesos que han hecho posible su evolución.

Para ponerte en situación, te vamos a trasladar al siglo XIX, un siglo lleno de acontecimientos que dieron comienzo a los primeros movimientos y por ello, fueron los primeros pilares donde se empezó a construir el diseño tal y como lo vemos actualmente.

Prepara todo lo necesario porque el viaje temporal empieza.

El origen: Primeros movimientos y artistas

Imagen que representa los primeros movimientos

Fuente: Twitter

En el siglo XIX ocurren acontecimientos importantes, uno de ellos comenzó a finales de este siglo. La cultura occidental se ve condicionada por la revolución industrial y el desarrollo de la tecnología. Esto influye en el crecimiento demográfico y permite un avance en la comunicación. Las grandes industrias permiten una producción rápida que a consecuencia de esto, el valor artesanal de los productos cae por completo.

¿Qué solución puede haber después de este conflicto?, pues, en Reino Unido surgió lo que actualmente conocemos como el movimiento Arts and Crafts capitaneado por William Morris. Este movimiento surgió con el objetivo de traer de vuelta el valor artesanal. Por desgracia, el objetivo no se llegó a alcanzar pero este movimiento tuvo mucho protagonismo ya que la sociedad de la época, los reconocieron por su estilo propio y por representar en sus obras los conflictos del momento. Y así fue como surgió el modernismo.

A continuación te explicamos qué es el modernismo y que es lo que lo caracteriza tanto.

El Modernismo

Primera Corriente artística

Fuente: Cultura Genial

El modernismo también llamado Art Noveau, surgió a finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Se consideró uno de los movimientos artísticos más importantes de la época y su transición se conoce también como la Belle Epoque que duró hasta el inicio de la Primera Guerra Mundial.

Los modernistas, convivieron con el arte y la vida y se influenciaron mucho por las corrientes filosóficas de Jonh Ruskin y el famoso William Morris, antecesor de movimientos como el realismo o impresionismo. Los modernistas cumplen con una serie de características:

  • Emplean elementos propios de la naturaleza para ensalzar sus obras
  • Emplean materiales nuevos en sus obras tras el avance tecnológico
  • Exploran la asimetría y la representan en sus obras

En el modernismo surgieron una serie de artistas que tuvieron mucha importancia para el mundo del diseño y el arte.

Charles Rennie Mackintosh

Charles Rennie fue un famoso arquitecto y diseñador que nació en Escocia en 1868. Lo que más emplea en sus obras son figuras geométricas y líneas rectas o ascendentes. Entre sus obras más famosas se destaca: Peonies, The fort y Armchair.

Alfons Mucha

Fue un pintor y artista checo y se considera uno de los artistas más representativos del Art Nouveau. Emplea mucho el estilo florido y se caracteriza por ensalzar a la mujer en sus obras. Se destacan obras como: Zodiac, Chocolat Ideal y Cigarros Job.

Peter Behrens

Peter fue uno de los diseñadores gráficos de la época, conocido por diseñar identidades corporativas, carteles y tipografías. Su estilo es muy peculiar ya que buscaba diseños más funcionales y limpios. Entre sus obras destaca: Electric Tea y The forest.

La escuela Bauhaus

Segundo movimiento

Fuente: Muy Interesante

Una vez transcurrido el siglo XIX, el siglo XX se vio condicionado por la Primer Guerra Mundial en 1914. En ese año se fundó en Weimar (Alemania) la escuela Bauhaus. Esta escuela tuvo mucha influencia en el mundo del diseño, el arte y la arquitectura. Muchos de los artistas que formaron esta escuela, ascendieron del movimiento constructivista y comenzaron a estudiar la forma, los materiales, la composición, el espacio y sobre todo la importancia del color en el diseño.

La bauhaus desarrolló lo que conocemos como jerarquía tipográfica, donde se empleaban líneas, barras, puntos o cuadrados para dividir el espacio y mantener la atención del espectador. Algunas de sus características fueron:

  • Interés por el empleo de materiales modernos (cristal)
  • Tendencia cubista y asimétrica en sus edificios
  • Empleaban la simplicidad en las formas (menos es mas)
  • Tendencia por el minimalismo orgánico

Los artistas que forman parte de esta escuela son:

Paul Klee

Se considera uno de los artistas más influyentes del siglo XX, destaca por trabajar en el fenómenos de la abstracción y entre sus obras destaca: Gato y pájaro y Castillo y sol.

Kandinsky

Fue un pintor expresionista, abstracto y un gran maestro del color y el diseño. Destaca Composición Ocho y el Jinete Azul.

Herbert Bayer

Artista y dominante de las composiciones dinámicas donde trabajaba con líneas horizontales y verticales. Entre sus obras se presenta: Articulated Wall y Double Ascension.

Moholy Nagy

Moholy se centró más en la fotografía y la tipografía y destaca por obras como Space Modulator.

Art Decó (Francia)

Tercera etapa que le sigue a la historia del diseño gráfico

Fuente: Cultura Genial

En el resto de los países europeos también se crearon movimientos. Surgió el Art Decó, en una etapa en la que se sustituyeron las características del modernismo, por trazos simples y rectilíneos. 

El Art Decó tuvo un gran reconocimiento en la Exposition Internacionale des Artes Decoratifs Et Industriels Modernes de París en 1925. Este estilo proviene del modernismo y de la escuela de la Bauhaus. También se encuentra influenciado por el constructivismo ruso que aportó gran parte de solidez y dureza en las líneas y formas.

Lo que caracteriza al Art Decó es la importancia que le dieron a las innovaciones tecnológicas de la época, en algunas obras aparecen elementos como: rascacielos, iluminaciones eléctricas, radios, aviación etc. El color proviene del fauvismo y se demuestra en las revistas y posters que muchos artistas han diseñado.

En el Art Decó surgieron artistas como:

Jean Carlu

Emplea la retórica en sus obras y mantiene su personalidad artística. Entre sus obras destaca Le Gosse y Cuisine Electrique.

Cassandre

Cassandre fue un cartelista y diseñador francés. Sus obras están influenciadas por las vanguardias artísticas de entreguerras del siglo XX. Solía combinar elementos como el arte, el texto y la imagen. Entre sus obras destaca: Normandie y Dubonnet.

Los años 30

Los años 30 en el diseño gráfico

Fuente: El ojo en el cielo

Anteriormente hemos hablado de elementos que forman parte de nuestro día a día cuando diseñamos, pero ¿te has preguntado cuando empezó a tener importancia el diseño de las tipografías? En el anterior post, mencionamos a un señor llamado Gutemberg pero no todo queda ahí. La tipografía también ha tenido su evolución y precisamente, comenzó a tenerla en en siglo XX, específicamente en los años 30.

Durante este año, se vivieron acontecimientos históricos y fue una época repleta de distintas ideologías sociales y política. Por ello, surgieron movimientos como el futurismo, dadaísmo y surrealismo. En este año se diseñaron también tipografías como Futura o Gill Sans. 

Destacaron tipógrafos como Lester Bell o Herbert Mater.

Los famosos carteles bélicos

Conflictos bélicos

Fuente: Agrega

Un conflicto bélico se define como una especie de guerra en la que se enfrentan varios individuos, en este caso el conflicto bélico del que vamos a hablar, enfrentó a dos países, Alemania y Polonia. Esta guerra se originó en 1939 y desencadena lo que conocemos como Segunda Guerra Mundial. No solo fue una lucha entre dos países sino que fue un enfrentamiento entre occidentales y comunistas.

¿Y que es lo que hicieron esta vez los diseñadores? Pues, muchos de ellos optaron por exiliarse mientras que otros más valientes se reforzaron para unirse con su país. ¿Y que tiene que ver el cartel bélico en todo esto?, en tiempos de guerra, sobre todo en la Primera Guerra Mundial, se creó el cartel bélico, también llamado político o propaganda. Este cartel se creó con el objetivo de convencer y a la vez manipular a la sociedad para conseguir que se unificaran al gobierno.

Los carteles cumplían muchas temáticas y tipologías pero entre ellas, destacaban por:

  • Los diseñadores de estos carteles recurrían a lo que llamamos retórica y empleaban un tono comunicacional connotativo, apelando de esta forma a las emociones y sentimientos
  • Empleaban la psicología de la imagen para crear una imagen dura y difícil de olvidar
  • Anteponían el texto sobre la imagen, es decir, el texto cobraba mucho más protagonismo por sus peculiares titulares
  • Empleaban colores llamativos para persuadir la atención del público
  • Tenían como principal recurso la línea gráfica, tomaba protagonismo sobre los demás elementos
  • Los rusos emplearon el constructivismo en sus carteles, creando de esta forma elementos estáticos

Los carteles pertenecientes a la Segunda Guerra Mundial, estéticamente continuaron la misma línea gráfica y características. Entre los cartelistas que tuvieron una mayor influencia en la época destacan:

Alexander Rodchenko

Alexander fue el cartelista más representativo, se caracterizaba por emplear figuras geométricas que iban acompañadas de colores claros. Muchas de sus obras crean movimientos en su composición debido a la forma en la que superponía los elementos (texto – imagen) .

Algunas de sus obras reciben de: The Fire´s Man y Rechevik.

Los años 50 en Europa

Los años 50 en la historia del diseño

Fuente: Fundación Juan March

En Europa, especialmente en Suiza, se crearon varios movimientos pero el mas conocido fue sin duda en estilo internacional suizo. Este estilo se originó en los años 50 y se alargó hasta los años 70.

Cada movimiento que se fue creando a lo largo de la historia, tuvo mucho más auge en algunos aspectos que en otros, en este caso, este estilo representó el inicio de la revolución del diseño editorial. ¿ Y que es lo que caracteriza tanto a este estilo?, una de las principales características es que consiguieron unificar la asimetría en las composiciones, esto se consiguió con el empleo de retículas tipográficas y cuadrículas.

Lo que también caracterizaba es el uso de tipografías de palo seco y el empleo de imágenes y el rechazo a las ilustraciones. Los aspectos que mejor combinan con es estilo son:

  • Cierta claridad, legibilidad y objetividad en las obras donde se emplean tipografías sin serif
  • Representación de la tipografía como el principal elemento

Con el tiempo, se fueron formando escuelas suizas en ciudades como Ginebra, Lausana o Zúrich.

Entre los artistas que mejor representan este movimiento se encuentran: Theo Balmer, Emil Ruder y Max Bill.

Los años 50 en América

Años 50 en América en la historia del diseño

Fuente: BetaArchive

Hasta ahora, hemos concluido que Europa fue una de las cunas mas importantes en el mundo del arte y el diseño. Pero la historia no acaba aquí, América fue considerada una gran potencia mundial en tiempos de entreguerras y política. Este proceso comienza a mediados del siglo XX.

Los diseñadores americanos tenían como objetivo evadirse del estilo europeo / suizo, y crearon un estilo propio mucho más creativo e informal. Así es como nació lo que entendemos como Escuela Estadounidense del Expresionismo gráfico. 

Esta escuela fue un resumen de la influencia artística que los americanos representaban en el diseño. Un diseño mucho más representativo, con líneas gráficas liberadas y alejadas de lo estático y lo moral. Los colores que empleaban eran llamativos e invadían al espectador y lo introducía en el mensaje. Las tipografías eran menos geométricas y se jugaba con la figura.

Así fue como empezaron las primeras técnicas artísticas:

Arte pop

El arte pop comenzó a introducirse a finales de los año 50 y su representante fue un artista llamado Andy Warhol, aunque también se conocen artistas como Roy Fox y Jasper Johns. El principal objetivo de este estilo, fue representar mediante conceptos gráficos la sociedad consumista de la época, los desarrollos y avances tecnológicos y la reivindicación por una cultura superficial repleta de celebridades.

Encontramos características como:

  • Colores llamativos y imágenes populares
  • Recursos gráficos representados en forma de cómics
  • Patrones repetitivos

La psicodelia

La psicodelia fue una técnica artística que comenzó a dar sus frutos a mediados de los 60 en América. Estuvo muy influenciada por el modernismo y el Art Nouveau. ¿ Y de donde surgió este movimiento?, tras muchas guerras y conflictos sociales, económicos y políticos, muchos artistas sintieron la necesidad de crear un estilo que permitiera expresar el interior del ser humano.

Se caracteriza por:

  • Empleo de figuras abstractas y tipografías totalmente deformes
  • Efectos tridimensionales que evocan a los efectos alucinógenos de las drogas
  • Colores llamativos que provienen de movimiento sociales (hippies)

Durante los años 50 / 60 surgieron artistas como Saúl Bass y Paul Rand. 

El diseño en los años 60 y 70 en Europa

Los años 60 y 70 en el diseño europeo

Fuente: Wallpaper Tip

Los años 60 y 70 en Europa se vieron condicionados por la famosa Guerra fría. La guerra fría desencadenó enfrentamientos entre países como Estados Unidos y la URSS. Esto conllevó a que muchos países, entre ellos Polonia comenzaran a ser independientes.

La independencia no solo trajo problemas sociales y políticos sino que, además, muchos artistas comenzaron a crear estilos propios. Este estilo derivó del surrealismo y del concepto artístico «collage».  Pero vamos a ir al grano, el país que más protagonismo tuvo durante la década fue Inglaterra, que surge el sentimiento de liberación personal y nacen grupos como el Punk.

Por ello, el estilo inglés vino de la mano de los carteles diseñados por Jamie Reid. Sus carteles se mueven por el  movimiento punk, creando de esta forma elementos gráficos llenos de colores llamativos y energéticos y fue partícipe de la banda Sex Pistols para diseñar muchas de las portadas de sus álbumes.

El diseño en América (años 60 y 70)

Estilo americano en los años 60 y 70

Fuente: El país

En la década de los años 60 y 70 en América, surgen nuevos artistas donde se le da mucha importancia al expresionismo y se opta como emplear otros recursos como la fotografía o infografía. Uno de los artistas más representativos fue Milton Glaser.

Milton Glaser

Este artista nació en Nueva York en 1929.  Ha tocado áreas como el branding, diseño editorial, diseño de carteles, diseño de interiores y ilustraciones.

En 1966 crea una de las obras más representativas para el diseño gráfico de la época: un cartel que derivó de uno de los álbumes del cantante Bob Dylan. Años después, diseña la revista The New York magazine junto con uno de sus proyectos más famosos: I Love New York.

Los años 80 en el diseño gráfico

El diseño gráfico en la década de los 80

Fuente: Behance

La década de los años 80, estuvo marcada por el avance tecnológico. Esto permitió que muchos artistas y diseñadores tuvieran a su alcance una serie de programas que facilitaron su trabajo en el ámbito gráfico. Lo que conocemos como era digital, vino cargada de estudios sobre las composiciones y surgieron nuevas técnicas fotográficas y tipográficas.

Uno de los artistas más representativos fue Wolfgang Weingart.

Wolfgang Weingart

Fue uno de los artistas tipográficos por excelencia de la década de los 80. Sus diseños están influenciados por el estilo Suizo y ha sido una fuente de inspiración para muchos artistas. Entre sus obras más conocidas se encuentra: Typography 2.

El diseño gráfico en la sociedad actual

Ahora que conoces un poco más la historia del diseño gráfico. Debes saber que toda la evolución sigue en nuestros diseños cada día. Cuando diseñados una identidad corporativa, un cartel, una portada para una revista o incluso cuando fotografiamos y dibujamos, necesitamos inspirarnos en aquellos artistas que ya han escrito su propia historia y han dejado su huella. 

Todavía no sabemos la evolución que tendrá el diseño en el siglo XXI, pero estamos seguros que estará compuesto de todas las técnicas artísticas y movimientos que te hemos contado y seguramente gracias a ellos, surgirán nuevas ideas y creaciones.

Conclusión

Todos en algún momento de nuestra vida cuando diseñamos, también creamos desde cero un concepto y ese concepto es nuestro origen y nuestra evolución.

Por ello, la historia no solo se define como una serie de acontecimientos sino también de evolución y crecimiento personal. Te invitamos a que continúes adentrándote y aprendiendo más sobre la historia del diseño gráfico.

Por cierto, ¿has escrito ya la tuya?


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