Storia del graphic design

Copertina dell'articolo

Fonte: Executive Woman

Il graphic design come lo conosciamo fa parte di noi dai tempi antichi fino ad oggi. Siamo consapevoli di ciò che ci circonda quando diciamo "design grafico" perché vengono subito in mente aspetti della comunicazione grafica: scritte, simboli, dipinti ecc. La sua storia non ha una data fissa ma è determinata da una serie di eventi che ne hanno reso possibile l'evoluzione.

Per metterti in una situazione, ti trasferiremo in XIX secolo, un secolo ricco di avvenimenti che diedero inizio ai primi movimenti e quindi furono i primi pilastri su cui iniziò ad essere costruito il progetto come lo vediamo oggi.

Prepara tutto il necessario perché inizia il viaggio temporaneo.

L'origine: Primi movimenti e artisti

Immagine che rappresenta i primi movimenti

Fonte: Twitter

Eventi importanti si verificano nel XIX secolo, uno di questi è iniziato alla fine di questo secolo. La cultura occidentale è condizionata dalla rivoluzione industriale e dallo sviluppo della tecnologia. Ciò influenza la crescita della popolazione e consente un progresso nella comunicazione. Le grandi industrie consentono una produzione rapida che, di conseguenza, il valore artigianale dei prodotti cade completamente.

Quale soluzione può esserci dopo questo conflitto? Ebbene, nel Regno Unito quello che oggi conosciamo come il movimento Arti e Mestieri capitanato da William Morris. Questo movimento nasce con l'obiettivo di riportare il valore artigianale. Purtroppo l'obiettivo non fu raggiunto ma questo movimento ebbe molto risalto poiché la società dell'epoca li riconobbe per il proprio stile e per aver rappresentato i conflitti del momento nelle loro opere. Ed è così che modernismo.

Di seguito spieghiamo cos'è il modernismo e cosa lo caratterizza così tanto.

Modernismo

Prima corrente artistica

Fonte: cultura geniale

Modernismo chiamato anche Art Nouveau, emerse tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo. Era considerato uno dei movimenti artistici più importanti dell'epoca e il suo passaggio è noto anche come la Belle Epoque che durò fino all'inizio della prima guerra mondiale.

I modernisti, vivevano con l'arte e la vita e furono fortemente influenzati dalle correnti filosofiche di Jonh Ruskin e il famoso William Morris, predecessore di movimenti come il realismo o l'impressionismo. I modernisti soddisfano una serie di caratteristiche:

  • Usano elementi della natura per migliorare le loro opere
  • Usano nuovi materiali nelle loro opere dopo il progresso tecnologico
  • Esplorano l'asimmetria e la rappresentano nelle loro opere

Nel modernismo emerse una serie di artisti molto importanti per il mondo del design e dell'arte.

Charles Rennie Mackintosh

Charles Rennie era un famoso architetto e designer nato in Scozia nel 1868. Ciò che usa maggiormente nelle sue opere sono figure geometriche e linee rette o ascendenti. Tra le sue opere più famose: Peonie, Il forte e Poltrona.

Alfons Mucha

È stato un pittore e artista ceco ed è considerato uno degli artisti più rappresentativi dell'Art Nouveau. Usa molto lo stile fiorito ed è caratterizzato dal lodare le donne nelle sue opere. Spiccano opere come: Zodiac, Chocolat Ideal e Job Cigars.

Peter Behren

Peter era uno dei grafici dell'epoca, noto per la progettazione di identità aziendali, poster e caratteri tipografici. Il suo stile è molto particolare poiché era alla ricerca di design più funzionali e puliti. Le sue opere includono: Electric Tea e The forest.

La scuola Bauhaus

Secondo movimento

Fonte: molto interessante

Dopo il diciannovesimo secolo, il secolo XX fu condizionata dalla prima guerra mondiale nel 1914. In quell'anno fu fondata la scuola Bauhaus a Weimar (Germania). Questa scuola ha avuto molta influenza nel mondo del design, dell'arte e dell'architettura. Molti degli artisti che hanno formato questa scuola, sono usciti dal movimento costruttivista e hanno iniziato a studiare la forma, i materiali, la composizione, lo spazio e soprattutto l'importanza del colore nel design.

Il Bauhaus ha sviluppato quella che conosciamo come la gerarchia tipografica, in cui sono state utilizzate linee, barre, punti o quadrati per dividere lo spazio e mantenere l'attenzione dello spettatore. Alcune delle sue caratteristiche erano:

  • Interesse per l'uso di materiali moderni (vetro)
  • Tendenza cubista e asimmetrica nei suoi edifici
  • Hanno usato la semplicità nelle forme (meno è meglio)
  • Tendenza al minimalismo organico

Gli artisti che fanno parte di questa scuola sono:

Paul Klee

È considerato uno degli artisti più influenti del XX secolo, si distingue per aver lavorato sui fenomeni dell'astrazione e tra le sue opere spiccano: Gatto e uccello e Castello e Sole.

Kandinsky

Era un espressionista, pittore astratto e un grande maestro del colore e del design. Spiccano la Composizione Otto e il Cavaliere Azzurro.

Herbert Bayer

Artista e dominante di composizioni dinamiche dove ha lavorato con linee orizzontali e verticali. Tra le sue opere ricordiamo: Muro Articolato e Doppia Ascensione.

Moholy nagy

Moholy si è concentrato maggiormente sulla fotografia e sulla tipografia e si distingue per lavori come Space Modulator.

Art Déco (Francia)

Terza tappa che segue la storia del graphic design

Fonte: cultura geniale

Anche nel resto dei paesi europei si sono creati movimenti. è venuto il Art deco, in una fase in cui le caratteristiche del modernismo sono state sostituite, da linee semplici e dritte. 

L'Art Deco è stato ampiamente riconosciuto all'Exposition Internacionale des Artes Decoratifs Et Industriels Modernes di Parigi nel 1925. Questo stile deriva dal Modernismo e dalla scuola Bauhaus. È anche influenzato dal costruttivismo russo che ha contribuito molto di solidità e durezza nelle linee e nelle forme.

Ciò che caratterizza l'Art Déco è l'importanza che davano alle innovazioni tecnologiche dell'epoca, in alcune opere compaiono elementi come: grattacieli, illuminazione elettrica, radio, aviazione ecc. Il colore viene da Fauvismo ed è mostrato nelle riviste e nei manifesti che molti artisti hanno disegnato.

In artisti Art Deco come:

Jean carlu

Usa la retorica nelle sue opere e mantiene la sua personalità artistica. Le sue opere includono Le Gosse e Cuisine Electrique.

Cassandra

Cassandre è stato un poster artist e designer francese. Le sue opere sono influenzate dalle avanguardie artistiche del periodo tra le due guerre del XX secolo. Ho usato per combinare elementi come arte, testo e immagine. Le sue opere includono: Normandie e Dubonnet.

Gli anni di 30

Gli anni '30 nella grafica

Fonte: L'occhio nel cielo

In precedenza abbiamo parlato di elementi che fanno parte della nostra quotidianità quando progettiamo, ma vi siete mai chiesti quando il design dei font ha iniziato ad essere importante? Nel post precedente abbiamo menzionato un uomo di nome Gutemberg Ma tutto non resta lì. Anche la tipografia ha avuto la sua evoluzione e precisamente, ha cominciato ad averla nel secolo XX, in particolare negli anni '30.

Durante quest'anno sono stati vissuti eventi storici ed è stato un periodo pieno di diverse ideologie sociali e politiche. Per questo sono emersi movimenti come il Futurismo, il Dadaismo e il Surrealismo. Quest'anno caratteri come Futura o Gill Sans. 

Tipografi come Lester Bell o Herbert Mater.

I famosi manifesti di guerra

guerre

Fonte: Aggiungi

Un conflitto di guerra è definito come un tipo di guerra in cui più individui si affrontano, in questo caso il conflitto di guerra di cui parleremo, ha affrontato due paesi, Germania e Polonia. Questa guerra ebbe origine nel 1939 e innescò quella che conosciamo come la seconda guerra mondiale. Non era solo una lotta tra due paesi, ma era uno scontro tra occidentali e comunisti.

E cosa hanno fatto questa volta i designer? Ebbene, molti di loro hanno scelto di andare in esilio mentre altri più coraggiosi sono stati rinforzati per unirsi al loro paese. E cosa c'entra il manifesto di guerra con tutto questo?In tempo di guerra, soprattutto nella prima guerra mondiale, veniva realizzato il manifesto di guerra, detto anche politico o propagandistico. Questo poster è stato creato con l'obiettivo di convincere e allo stesso tempo manipolare la società per farle unificare il governo.

I manifesti rispondevano a molti temi e tipologie ma tra questi si distinguevano per:

  • I disegnatori di questi manifesti hanno fatto ricorso a quella che chiamiamo retorica e hanno usato un tono comunicativo connotativo, appellandosi così al emozioni e sentimenti
  • Hanno usato la psicologia dell'immagine per creare un'immagine dura e difficile da dimenticare
  • Hanno messo il testo prima dell'immagine, cioè il testo ha assunto molto più risalto a causa dei suoi titoli peculiari
  • Hanno usato colori audaci per persuadere l'attenzione del pubblico
  • La loro risorsa principale era la linea grafica, era al centro degli altri elementi
  • I russi usavano il costruttivismo nei loro manifesti, creando così elementi statici

I manifesti, appartenenti alla seconda guerra mondiale, hanno mantenuto esteticamente la stessa linea grafica e le stesse caratteristiche. Tra i cartellonisti che ebbero la maggiore influenza all'epoca, spiccano i seguenti:

Alexander Rodchenko

Alexander era l'artista di poster più rappresentativo, si caratterizzava per l'uso di figure geometriche accompagnate da colori chiari. Molte delle sue opere creano movimenti nella sua composizione a causa del modo in cui ha sovrapposto gli elementi (testo - immagine).

Alcune sue opere ricevono da: L'uomo del fuoco e Rechevik.

Gli anni '50 in Europa

Gli anni '50 nella storia del design

Fonte: Fondazione Juan March

In Europa, soprattutto in Svizzera, furono creati diversi movimenti ma il più noto fu senza dubbio in Stile internazionale svizzero. Questo stile è nato negli anni '50 ed è durato fino agli anni '70.

Ogni movimento che è stato creato nel corso della storia, ha avuto molto più boom in alcuni aspetti che in altri, in questo caso, questo stile ha rappresentato l'inizio della rivoluzione del progettazione editoriale. E cosa caratterizza così tanto questo stile?Una delle caratteristiche principali è che sono riusciti a unificare l'asimmetria nelle composizioni, questo è stato ottenuto con l'uso di griglie e griglie tipografiche.

Ciò che ha anche caratterizzato è l'uso di caratteri tipografici sans-serif e l'uso di immagini e il rifiuto delle illustrazioni. Gli aspetti che meglio si combinano con questo stile sono:

  • Certa chiarezza, leggibilità e obiettività nelle opere in cui vengono utilizzati i caratteri sans serif
  • Rappresentazione della tipografia come elemento principale

Nel tempo, si sono formate scuole svizzere in città come Ginevra, Losanna o Zurigo.

Tra gli artisti che meglio rappresentano questo movimento ci sono: Theo Balmer, Emil Ruder e Max Bill.

Gli anni '50 in America

Gli anni '50 in America nella storia del design

Fonte: BetaArchive

Finora abbiamo concluso che l'Europa è stata una delle culle più importanti nel mondo dell'arte e del design. Ma la storia non finisce qui, l'America era considerata una grande potenza mondiale nel periodo interbellico e politico. Questo processo inizia a metà del secolo XX.

I designer americani miravano a staccarsi dallo stile europeo/svizzero e creavano uno stile personale molto più creativo e informale. È così che intendiamo come è nato Scuola americana di espressionismo grafico. 

Questa scuola era una sintesi dell'influenza artistica che gli americani rappresentavano nel design. Un design molto più rappresentativo, con linee grafiche liberate e lontane dalla staticità e dal morale. I colori che hanno usato sono stati sorprendenti e hanno invaso lo spettatore e lo hanno introdotto al messaggio. I caratteri erano meno geometrici e si giocava con la figura.

Nascono così le prime tecniche artistiche:

Pop Art

La pop art iniziò ad essere introdotta alla fine degli anni '50 e il suo rappresentante era un artista di nome Andy Warhol, anche se artisti come Roy Fox e Jasper Johns. L'obiettivo principale di questo stile era quello di rappresentare attraverso concetti grafici la società dei consumi dell'epoca, gli sviluppi e i progressi tecnologici e la rivendicazione di una cultura superficiale piena di celebrità.

Troviamo caratteristiche come:

  • Colori audaci e immagini popolari
  • Risorse grafiche rappresentate sotto forma di fumetti
  • Schemi ripetuti

Psichedelia

La psichedelia era una tecnica artistica che iniziò a dare i suoi frutti a metà degli anni 'XNUMX. 60 In America. È stato molto influenzato dal modernismo e dall'Art Nouveau. E da dove nasce questo movimento?Dopo tante guerre e conflitti sociali, economici e politici, molti artisti hanno sentito il bisogno di creare uno stile che esprimesse l'interiorità dell'essere umano.

È caratterizzato da:

  • Uso di figure astratte e caratteri totalmente deformati
  • Effetti tridimensionali che evocano gli effetti allucinogeni delle droghe
  • Colori accattivanti che provengono dai movimenti sociali (hippy)

Durante gli anni '50/'60 artisti come Saul Bass e Paul Rand. 

Il design negli anni '60 e '70 in Europa

Gli anni '60 e '70 nel design europeo

Fonte: consiglio per lo sfondo

Gli anni '60 e '70 in Europa furono condizionati dal famoso Guerra fredda. La guerra fredda ha innescato scontri tra paesi come gli Stati Uniti e l'URSS. Ciò ha portato molti paesi, inclusa la Polonia, a diventare indipendenti.

L'indipendenza non solo ha portato problemi sociali e politici ma, inoltre, molti artisti hanno iniziato a creare i propri stili. Questo stile deriva dal surrealismo e dal concetto artistico di «collage». Ma veniamo al punto, il paese che ha avuto più risalto durante il decennio è stato l'Inghilterra, dove nasce il sentimento di liberazione personale e gruppi come il punk.

Per questo motivo lo stile inglese è venuto dalla mano dei manifesti disegnati da Jamie Reid. I suoi poster sono mossi dal movimento punk, creando così elementi grafici pieni di colori sorprendenti ed energici ed era un partecipante della band Sex Pistols per disegnare molte delle copertine dei suoi album.

Il design in America (anni '60 e '70)

Stile americano negli anni '60 e '70

Fonte: il paese

Nel decennio degli anni '60 e '70 in America emergono nuovi artisti dove viene data grande importanza all'espressionismo e si sceglie come utilizzare altre risorse come fotografia o infografica. Uno degli artisti più rappresentativi è stato Milton Glaser.

Milton Glaser

Questo artista è nato a New York nel 1929. Ha toccato aree come il branding, il design editoriale, il design di poster, l'interior design e le illustrazioni.

Nel 1966 realizza una delle opere più rappresentative per la grafica dell'epoca: un manifesto tratto da uno degli album del cantante Bob Dylan. Anni dopo, ha disegnato la rivista The New York insieme a uno dei suoi progetti più famosi: Io amo New York.

Gli anni '80 nella grafica

Graphic design negli anni '80

Fonte: Behance

Il decennio degli anni '80 è stato segnato dalla progresso tecnologico. Questo ha permesso a molti artisti e designer di avere a disposizione una serie di programmi che hanno facilitato il loro lavoro in campo grafico. Quella che conosciamo come l'era digitale si è caricata di studi sulle composizioni e sono emerse nuove tecniche fotografiche e tipografiche.

Uno degli artisti più rappresentativi è stato Wolfgang Weingart.

Wolfgang Weingart

È stato uno degli artisti tipografici per eccellenza degli anni 80. I suoi disegni sono influenzati dallo stile svizzero ed è stato fonte di ispirazione per molti artisti. Tra le sue opere più note c'è: Tipografia 2.

La grafica nella società di oggi

Ora che sai qualcosa in più sulla storia del design grafico. Dovresti sapere che tutta l'evoluzione continua nei nostri progetti ogni giorno. Quando progettiamo un'identità aziendale, un poster, una copertina per una rivista o anche quando fotografiamo e disegniamo, Abbiamo bisogno di ispirarci a quegli artisti che hanno già scritto la propria storia e lasciato il segno. 

Non conosciamo ancora l'evoluzione che avrà il design nel XNUMX° secolo, ma siamo sicuri che sarà composto da tutte le tecniche e i movimenti artistici di cui vi abbiamo parlato e sicuramente grazie a loro nasceranno nuove idee e creazioni emergere.

Conclusione

Tutti ad un certo punto della nostra vita, quando progettiamo, creiamo anche un concetto da zero e quel concetto è la nostra origine e la nostra evoluzione.

Per questo la storia non viene definita solo come una serie di eventi ma anche come evoluzione e crescita personale. Ti invitiamo a continuare ad approfondire e ad approfondire la storia del graphic design.

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