15 libros para diseñadores que deberías leer y releer

Una de las herramientas más importantes para los diseñadores son los libros. Estos pueden ayudarte a formarte, pero también a conocer los puntos de vista de otros diseñadores. Pero, ¿cuáles son los mejores libros para diseñadores?

A continuación te damos algunos algunos de los libros para diseñadores que deberías leer y conocer para mejorar en tu trabajo y en general si te gusta el diseño.

Industrial Design A–Z

«Si tienes incluso el más mínimo interés en el diseño de tu cepillo de dientes, la historia detrás de tu lavadora o la evolución del teléfono, tendrás un interés aún mayor en este nuevo libro. Este volumen completo rastrea a más de trescientos diseñadores y empresas dirigidas por el diseño, con más de setecientas ilustraciones de sus diseños más importantes.
Los diseñadores individuales y las firmas de diseño se pueden consultar directamente a través de la sección A-Z de Diseño Industrial, que abarca más de 550 páginas; aquí encontrarás a personalidades como Enzo Ferrari, Philippe Starck, Zanussi y Apple Computer, entre muchos otros. La sección de Estudios de Caso sigue la historia de los electrodomésticos cotidianos desde sus inicios hasta el día de hoy, ilustrando cómo, por ejemplo, tu lavadora hizo el fascinante viaje desde una tina de madera con engranajes y manivelas hasta el elegante cubo blanco que es hoy en día. Para aquellos interesados en el lado más técnico del diseño industrial, está la sección «Temas y Materiales», que hace referencia a desarrollos tecnológicos y procesos como contrachapado, energía de vapor y plásticos, e introduce temas que van desde el empaque y la marca hasta CAD.
Lleno de color, estética y estilo, el Diseño Industrial es a la vez informativo y divertido; te costará trabajo dejarlo».

Mismatch, Cómo la inclusión da forma al diseño, la tecnología y la sociedad

En ocasiones, los objetos diseñados rechazan a sus usuarios: un Mouse de computadora que no funciona para zurdos, por ejemplo; o un sistema de pago con pantalla táctil que solo funciona para personas que leen frases en inglés, que tienen visión 20/20 y usan una tarjeta de crédito. Algo tan simple como las opciones de color puede hacer que un producto sea inutilizable para millones.

Diagramando la modernidad

«En este libro se ofrece por vez primera un panorama amplio sobre el libro ilustrado en América Latina en el periodo 1920-1940, etapa caracterizada por el desarrollo y consolidación de modernidades propias.
Se reproducen y analizan, dentro de narrativas nacionales y continentales, más de un millar de primeras ediciones ilustradas, ampliándose las referencias a libros intervenidos gráficamente por artistas latinoamericanos tanto en Europa como en Estados Unidos durante esos años.
Además de hallar obras poco conocidas de muchos creadores consagrados, el lector podrá descubrir un extenso repertorio de artistas de vanguardia completamente olvidados hasta hoy.
Con mirada transversal, cruzando ejemplares de diferentes procedencias, se dedican capítulos a temáticas específicas como Palabra-Imagen, Verbovisualidades, Precolombinismos y ancestralismos, y Gráfica social.
De gran atractivo visual, este libro integra, además de los capítulos escritos por los autores, textos puntuales a cargo de Juan Manuel Bonet, Marina Garone Gravier y Dafne Cruz Porchini».

Psicología del Color

«Este libro aborda la relación de los colores con nuestros sentimientos y demuestra cómo ambos no se combinan de manera accidental, pues sus asociaciones no son meras cuestiones de gusto, sino experiencias universales que están profundamente enraizadas en nuestro lenguaje y en nuestro pensamiento. Proporciona una gran cantidad y variedad de información sobre los colores, como dichos y saberes populares, su utilización en el diseño de productos, los diferentes tests que se basan en colores, la curación por medio de ellos, la manipulación de las personas, los nombres y apellidos relacionados con colores, etc. Esta diversidad lo se convierte en una herramienta fundamental para todas aquellas personas que trabajan con colores: artistas, terapeutas, diseñadores gráficos e industriales, interioristas, arquitectos, diseñadores de moda, publicistas, entre otros».

Las leyes de la simplicidad

«La sencillez y levedad de artilugios como el iPod han popularizado la simplicidad. Pero en ocasiones, nos vemos atrapados en una paradoja: deseamos algo sencillo y fácil de utilizar, pero que sea capaz de realizar todas aquellas cosas complejas que deseamos que haga. En Las leyes de la simplicidad, John Maeda proporciona las claves: diez leyes que equilibran la simplicidad y la complejidad en los negocios, la tecnología y el diseño, pero también en la vida, pues según Maeda este libro expresa su lucha por comprender el sentido de la existencia desde su condición de tecnólogo humanista. Escrito con los mismos principios que postula, Las leyes de la simplicidad es un libro que se lee de una sentada, divertido y audaz no sólo por su provocativo, libre y lúdico enfoque de los problemas derivados de un mundo cada vez más complejo, sino por una prosa directa y clara que encarna a la perfección la máxima ley, la número 10, que Maeda denomina LA ÚNICA: La simplicidad consiste en sustraer lo que es obvio y añadir lo específico. Sea usted bienvenido a esta experiencia creativa».

Diseñar con o sin retícula

«Planteado como un curso de maquetación, Diseñar con y sin retícula está dividido en dos partes: la primera analiza la retícula tipográfica tradicional y su utilización, mientras que la segunda muestra cómo deconstruirla o, simplemente, cómo trabajar sin ella.
En la primera parte, ‘Diseñar con retícula’, se exponen los tipos básicos de retícula, ilustrando y definiendo los que se utilizan con mayor frecuencia en el diseño tradicional. Una selección de proyectos muestra de qué forma estas retículas organizan la información y cómo pueden actuar como marco para la composición.
La segunda parte, ‘Diseñar sin retícula’, se centra en el diseño que desafía las nociones organizativas basadas en la retícula. Tras analizar brevemente la ruptura de la estructura, se presenta un segundo bloque de ejemplos, que en este caso muestran cómo la retícula se cuestiona o se abandona para optar por métodos de composición alternativos.
Las panorámicas históricas sitúan los trabajos escogidos en el contexto de la evolución del diseño gráfico, clasificando los fundamentos conceptuales y prácticos de los métodos que se están explorando.
Tanto los diseñadores ya en activo como los estudiantes de diseño, encontrarán en este libro una fuente de inspiración para la maquetación de sus proyectos».

Intuición acción y creación

«¿Cuáles son las técnicas y herramientas para idear en clave gráfica? En el proceso de diseño, los conceptos y soluciones habitualmente son el resultado de la aplicación deliberada de ciertos procedimientos. Bajo la dirección de Ellen Lupton, diversos profesionales del mundo del diseño exploran en este libro algunas de estas técnicas y nos proporcionan una guía práctica y visual para conciliar análisis e intuición en el desarrollo de proyectos de diseño gráfico.
Organizado en torno a las tres fases principales del proceso de diseño definir problemas, generar ideas y dotarlas de forma Intuición, creación, acción. Graphic Design Thinking expone treinta recursos para conceptualizar y formalizar proyectos gráficos: desde métodos rápidos y puramente instintivos, como la lluvia de ideas, las asociaciones forzadas o el sprint, hasta sistemas de investigación más formales, como los grupos de discusión, el codiseño o las maquetas.
El libro incluye entrevistas a profesionales de renombre (como Art Chantry, Ivan Chermayeff, Jessica Helfland, Steven Heller, Maira Kalman, Abbot Miller, Christoph Niemann, Paula Scher o Martin Venezky) que hablan sobre sus métodos de inspiración e investigación, y los recursos que emplean cuando la capacidad de inventiva se estanca».

Pensar con imágenes

«Cuando leemos imágenes, nuestra mente pone en marcha un proceso completamente distinto al de la lectura de un texto. Para extraer el significado de un mensaje escrito, el cerebro se apoya en el examen secuencial, avanza linealmente y construye el sentido del texto a partir de una suma progresiva de los elementos que lo integran: letras, palabras, frases y párrafos. Para entender una imagen, sin embargo, el cerebro trabaja de un modo muy distinto. Mediante una aproximación simultánea, sintética y global, todas las partes del conjunto se perciben y se procesan a la vez, y se destila de golpe el sentido del mensaje gráfico.
Entender, pues, cómo hay que articular una imagen para que el receptor, en su visión de conjunto, interprete aquello que queremos expresar es fundamental para cualquier creador de imágenes. Pensar con imágenes explica cómo funciona el proceso de comprensión de las imágenes y desvela al lector algunas de las estrategias compositivas y estilísticas que pueden emplear los diseñadores gráficos. Enric Jardí nos habla de recursos técnicos como el uso del color, la estructura, la forma o los signos, pero también del empleo de juegos de retórica visual como la metáfora, la ironía o el eufemismo, y de la importancia del estilo para la comunicación visual.
A través del análisis de 60 imágenes, que muestran el elevado nivel de ingenio que desprende el conjunto de su trabajo, el autor nos regala no solo parte de sus conocimientos, sino también el placer de disfrutar con algunos ejemplos magistrales de comunicación visual».

Lo esencial. El diseño y otras cosas de la vida

«¿Cuándo diseño? Siempre.
Sus lámparas, sus sillas de caña o sus icónicos bancos barceloneses forman ya parte de nuestro imaginario, pero su obra es mucho más amplia, atenta siempre a las necesidades humanas y con un profundo sentido de la funcionalidad y de la estética. Miguel Milá ha sido también un ecologista avant la lettre y un defensor de «lo esencial» y de la «emoción» como elementos decisivos a la hora de diseñar.
Ha habido libros que estudian y analizan su obra, y un importante documental, pero nunca antes un «Milá por Milá». En Lo esencial, Milá habla de sí mismo, de su obra, sus principios y sus ideas, pero también de su familia (tan vinculada a la historia de Barcelona), de su propia vida y de la educación de sus hijos.
Este no es un libro para diseñadores, o solo para diseñadores, los prácticos consejos de este premiado artista que se define a sí mismo como «inventor y bricoleur» pueden cambiar nuestra vida cotidiana, del mismo modo que, para distintos tipos de lectores, lo han hecho los consejos de Ferrán Adrià o las reglas de Marie Kondo.
Este es un libro indispensable para repensar nuestro mundo personal; para rodearnos de objetos útiles y bellos («Una lámpara está mucho más tiempo apagada que encendida», nos recuerda Milá); para reconocer las aberraciones del diseño (como los lavabos o los platos cuadrados); para reconocer lo verdaderamente importante («Lo sencillo es complejo de conseguir»); para saber vivir en armonía con los elementos y la naturaleza, pero también con los demás, empezando por nuestra propia familia («Sé útil y te utilizarán»).
Lo esencial es el legado teórico y vital del mayor diseñador español, cuya obra confirma la definición de «clásico»: aquello que no se puede hacer mejor».

Logo design love

«Completamente actualizada y ampliada, la segunda edición de «Logo Design Love» de David Airey contiene más de casi todo lo que hizo que la primera edición fuera tan excelente: más estudios de caso, más bocetos, más logotipos, más consejos para trabajar con clientes, más historias internas y más información práctica para conseguir el trabajo y hacerlo correctamente.
En «Logo Design Love», David te muestra cómo desarrollar una identidad de marca icónica desde el principio hasta el final, utilizando estudios de caso de clientes de diseñadores reconocidos. En el proceso, revela cómo los diseñadores crean briefs efectivos, generan ideas, cobran por su trabajo y colaboran con los clientes. David no solo comparte sus experiencias personales trabajando en proyectos de identidad, incluyendo bocetos y resultados finales de sus propios diseños exitosos, sino que también utiliza el trabajo de muchos diseñadores conocidos como Paula Scher, quien diseñó los logotipos de Citi y Microsoft Windows, y Lindon Leader, creador de la identidad actual de FedEx, así como el trabajo de destacados estudios de diseño, como Moving Brands, Pentagram, MetaDesign, Sagmeister & Walsh, y muchos más».

Atlas of interior design

«El Atlas of Interior Design es un inspirador tour global sin precedentes por más de 400 cautivadores interiores residenciales de las últimas 80 décadas.
De clásico a contemporáneo, de minimalista a maximalista, las casas seleccionadas nos muestran el estilo único de su contexto histórico y localización, mientras que otras retan ciertas ideas preconcebidas en el diseño con consecuencias espectaculares.
Ilustrado con fotografías impresionantes y con textos descriptivos por cada proyecto, este libro se convertirá en un clásico en su momento de publicación.
Incluye trabajos de Kelly Behunm Stèphane Boudin, Jacques Grange, Peter Marino, Brigette Romanek, Studio KO, Faye Toogood, Abel Vervoordt y Kelly Weastler así como interiores no tan conocidos en Australia, África y Asía».

Siéntete a gusto en casa

«Tanto si después del desafío que ha supuesto vivir confinados te has dado cuenta de que a tu casa le haría falta un poco de reacondicionamiento como si eres de los que adora la decoración, este libro es perfecto para ti. Entre sus páginas encontrarás un montón de ideas súper prácticas para transformar tu hogar en un lugar donde sentirte a gusto.
Aunque seguramente no puedas embarcarte en grandes cambios ni reformas, sí que puedes trabajar con lo que ya tienes modificando pequeñas cosas que van a marcar la diferencia.
Aprenderás a identificar puntos focales para potenciar la espacialidad, a crear una atmósfera adecuada con ayuda de tus elecciones decorativas, a elegir colores que te despiertan emociones positivas, a clasificar y organizar armarios y despensas para aprovechar al máximo el espacio de almacenamiento, a colgar cuadros debidamente para que las habitaciones se vean más espaciosas y armónicas, y a definir claramente un espacio para trabajar, tengas o no tengas una habitación específica para ello.
Así que ya sabes, ¡ponte manos a la obra para hacer de tu casa un espacio mucho más agradable para vivir».

Diseña, cree, siente. El poder del diseño gráfico para generar emociones

«En este libro, la autora presenta las perspectivas de varios autores y diseñadores sobre cómo conseguir un diseño gráfico emocional. El diseño emocional es un diseño que reflexiona sobre el papel crucial que las emociones tienen en la habilidad humana para comprender el mundo. De esta forma, el diseño gráfico se revela como algo más poderoso que una simple herramienta en manos del con su mismo capitalista: como un medio que puede ser fundamental para crear conciencia y para impeler a los seres humanos a que se posiciones en temas sociales, políticos y medio amb i en tales. Existen múltiples teorías que hablan sobre el diseño emocional en el diseño de producto, industrial e incluso de web. ¿Pero qué ocurre con el diseño gráfico? Este libro trama de acercar el diseñador gráfico a un diseño más emocional».

Diseño del siglo XX

«A principios del siglo XXI podemos ver claramente que el anterior estuvo marcado por cambios memorables en el campo del diseño. La estética entró en la vida cotidiana con resultados a menudo asombrosos. Nuestros hogares y lugares de trabajo se convirtieron en verdaderas galerías de estilo e innovación. Desde los muebles a las artes gráficas, aquí encontramos todo el trabajo de artistas que dieron forma y recrearon el mundo moderno con una vertiginosa variedad de materiales. De lo orgánico a lo geométrico, desde el art déco hasta el pop y las altas tecnologías, la presente obra contiene todos los grandes nombres: Harry Bertoia, De Stijl, Dieter Rams, Philippe Starck, Charles y Ray Eames, por nombrar solo a algunos. Este libro esencial supone un recorrido a través de las formas y los colores, clases y funciones de la historia del diseño en el siglo XX. Una guía de la A a la Z de diseñadores y escuelas de diseño, que incluye un completo retrato de la vida contemporánea. Profusamente ilustrado, esto es el diseño en su sentido más pleno».

100 cosas MÁS sobre la gente que cada diseñador necesita saber

«Este es un momento ideal para los diseñadores. Existen multitud de cosas que se pueden y se deben diseñar. No se trata solo de software, sitios Web y aplicaciones para móviles, estamos pensando también en diseñar cómo utilizar la tecnología incorporada a nuestra vida cotidiana. Necesita saber qué motiva a los usuarios a los que va dirigido el producto final, necesita conocer la psicología de sus clientes. La primera edición de este libro «Diseño inteligente. 100 cosas sobre la gente que cada diseñador necesita saber» tuvo en España una notable acogida porque enseñaba a utilizar los últimos descubrimientos en psicología, neurociencia e investigaciones sobre el cerebro. Un compendio de la información esencial sobre lo que un diseñador tiene que saber. Pero en los últimos cuatro años han pasado muchas cosas. Este libro contiene contenidos totalmente inéditos. Si quiere mantenerse actualizado, estos consejos le servirán para diseñar sus creaciones encaminadas a la forma en que aprendemos, trabajamos, pensamos y jugamos. Es un nuevo referente. Todo el material se puede aplicar de inmediato».

Como ves, hay muchos libros para diseñadores. ¿Nos recomiendas alguno más para ampliar la lista de los libros? Te leemos en comentarios.