In den 70er Jahren gab es eine Art Gegenstrom, der sich dem vorherrschenden Akademismus des Augenblicks gegenübersah Dekonstruktivismus. Mit der Punk-Bewegung verbundene Grafiker zeigten eine Alternative zu starren und etablierten Modellen im Beruf. Obwohl die Dekonstruktion im Herzen der Architektur geboren wurde, übernahm das Grafikdesign bald den Begriff und viele Künstler nahmen ihn als das Prinzip, das ihre Werke stützte. Es ist ein Konzept, dem es an Genauigkeit und Präzision mangelt, da es zu keinem Zeitpunkt als Strom selbst oder als Ismus innerhalb der Avantgarde etabliert wurde.
Trotzdem präsentierte es bestimmte Merkmale, die es definierten und die Kreationen von Künstlern charakterisierten, die, obwohl sie die damals geltenden und offiziellen Standards des Grafikdesigns kannten, bewusst beschlossen, sie nicht anzuwenden. Im Gegensatz zu dem, was man denken könnte, bestand das Ziel dieses Trends nicht darin, eine Komposition zu zerstören, sondern ihre Struktur zu modifizieren und ihr eine andere Funktion zu geben. Dies hat direkte Auswirkungen auf die Sprache und die Art und Weise der Vorlage eines Vorschlags, da die Hierarchie bei der Behandlung der Informationen verloren ging und die zu übermittelnde Botschaft etwas diffus wurde. In der Architektur, die den Ursprung dieses Trends darstellt, erfolgte die Dekonstruktion vor allem in Gebäuden, in denen Anzeichen von a verdrängte Verunreinigung als symbolische Komponente. Die Versetzung, Unordnung und Abweichung der Konzepte sind Schlüsselelemente und vermitteln einen chaotischen Eindruck, ein Gefühl der Unkontrolliertheit, das für alle, die die Werke beobachteten, unbeschreiblich ist. Es ist eine Ästhetik, die mit Kubismus und Surrealismus in der Grafik flirtet und sich mit ihr vermischt und die ein Comeback zu erleben scheint, insbesondere im Bereich der Photomanipulation. Hier einige sehr inspirierende Beispiele:
Fotografie von Nigel Tomm
