Geschichte des Grafikdesigns

Grafikdesign, wie wir es kennen, ist seit der Antike bis heute ein Teil von uns. Wir sind uns bewusst, was uns umgibt, wenn wir von "Grafikdesign" sprechen, weil uns sofort Aspekte der grafischen Kommunikation in den Sinn kommen: Schriften, Symbole, Gemälde etc. Seine Geschichte hat kein festes Datum, sondern wird durch eine Reihe von Ereignissen bestimmt, die seine Entwicklung ermöglicht haben.

Um Sie in die Lage zu versetzen, werden wir Sie zu 19. Jahrhundert, ein Jahrhundert voller Ereignisse, mit dem die ersten Bewegungen begannen und somit die ersten Säulen waren, auf denen das Design so aufgebaut wurde, wie wir es heute sehen.

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Der Ursprung: Erste Bewegungen und Künstler

Wichtige Ereignisse ereignen sich im XNUMX. Jahrhundert, eines davon begann Ende dieses Jahrhunderts. Die westliche Kultur ist durch die industrielle Revolution und die technologische Entwicklung bedingt. Dies beeinflusst das Bevölkerungswachstum und ermöglicht einen Fortschritt in der Kommunikation. Große Industrien erlauben eine schnelle Produktion, wodurch der handwerkliche Wert der Produkte komplett sinkt.

Welche Lösung kann es nach diesem Konflikt geben?Nun, im Vereinigten Königreich, was wir heute als Bewegung kennen Kunst und Kunsthandwerk Kapitän von William Morris. Diese Bewegung entstand mit dem Ziel, den handwerklichen Wert zurückzugeben. Leider wurde das Ziel nicht erreicht, aber diese Bewegung hatte eine große Bedeutung, da sie von der damaligen Gesellschaft für ihren eigenen Stil und die Darstellung der Konflikte des Augenblicks in ihren Werken anerkannt wurde. Und so ist die Modernismus.

Im Folgenden erklären wir, was Moderne ist und was sie so auszeichnet.

Modernismus

Moderne auch genannt Jugendstil, entstand im späten neunzehnten und frühen zwanzigsten Jahrhundert. Sie galt als eine der wichtigsten künstlerischen Strömungen der Zeit und ihr Übergang wird auch als Belle Epoque bezeichnet, die bis zum Beginn des Ersten Weltkriegs andauerte.

Die Modernisten lebten mit Kunst und Leben und wurden stark von den philosophischen Strömungen der John Russin und der berühmte William Morris, Vorläufer von Bewegungen wie Realismus oder Impressionismus. Die Modernisten erfüllen eine Reihe von Merkmalen:

• Sie verwenden Elemente der Natur, um ihre Werke zu verbessern
• Sie verwenden neue Materialien in ihren Werken nach dem technologischen Fortschritt
• Sie erforschen Asymmetrie und stellen sie in ihren Werken dar

In der Moderne entstand eine Reihe von Künstlern, die für die Welt des Designs und der Kunst von großer Bedeutung waren.

Charles Rennie Mackintosh

Charles Rennie war ein berühmter Architekt und Designer, der 1868 in Schottland geboren wurde. Was er in seinen Werken am häufigsten verwendet, sind geometrische Figuren und gerade oder aufsteigende Linien. Zu seinen bekanntesten Werken gehören: Pfingstrosen, Das Fort und Sessel.

Alfons Mucha

Er war ein tschechischer Maler und Künstler und gilt als einer der repräsentativsten Künstler des Jugendstils. Er verwendet viel des blumigen Stils und zeichnet sich in seinen Werken dadurch aus, dass er Frauen lobt. Werke wie: Zodiac, Chocolat Ideal und Job Cigars stechen heraus.

Peter Behrens

Peter war einer der Grafikdesigner seiner Zeit, bekannt für die Gestaltung von Corporate Identities, Postern und Schriften. Sein Stil ist sehr eigenartig, da er nach funktionaleren und klareren Designs suchte. Zu seinen Werken gehören: Electric Tea und The Forest.

Die Bauhaus-Schule

Nach dem neunzehnten Jahrhundert, dem Jahrhundert XX es wurde durch den Ersten Weltkrieg 1914 bedingt. In diesem Jahr wurde die Bauhaus-Schule in Weimar (Deutschland) gegründet. Diese Schule hatte großen Einfluss auf die Welt des Designs, der Kunst und der Architektur. Viele der Künstler, die diese Schule gründeten, stiegen aus der konstruktivistischen Bewegung auf und begannen zu studieren Form, Materialien, Komposition, Raum und vor allem die Bedeutung von Farbe im Design.

Das bauhaus entwickelte die sogenannte typografische Hierarchie, bei der Linien, Striche, Punkte oder Quadrate verwendet wurden, um den Raum zu teilen und die Aufmerksamkeit des Betrachters zu lenken. Einige seiner Eigenschaften waren:

• Interesse am Einsatz moderner Materialien (Glas)
• Kubistischer und asymmetrischer Trend in seinen Gebäuden
• Sie verwendeten Einfachheit in den Formularen (weniger ist mehr)
• Tendenz zum organischen Minimalismus

Die Künstler, die Teil dieser Schule sind, sind:

Paul Klee

Er gilt als einer der einflussreichsten Künstler des XNUMX. Jahrhunderts, zeichnet sich durch seine Arbeit an den Phänomenen der Abstraktion aus und sticht unter seinen Werken hervor: Cat and Bird und Castle and Sun.

Kandinsky

Er war ein Expressionist, abstrakter Maler und ein großer Meister der Farbe und des Designs. Komposition Acht und der Blaue Reiter stechen heraus.

Herbert Bayer

Künstler und Dominante dynamischer Kompositionen, wo er mit horizontalen und vertikalen Linien arbeitete. Zu seinen Werken gehören: Articulated Wall und Double Ascension.

Moholy nagy

Moholy konzentrierte sich mehr auf Fotografie und Typografie und zeichnete sich durch Werke wie Space Modulator aus.

Art Deco (Frankreich)

Auch in den übrigen europäischen Ländern wurden Bewegungen gegründet. Kam die Art Deco, in einer Phase, in der die Merkmale der Moderne ersetzt wurden, durch einfache und gerade Linien. 

Art Deco wurde 1925 auf der Exposition Internacionale des Artes Decoratifs Et Industriels Modernes in Paris weithin anerkannt. Dieser Stil stammt aus der Moderne und der Bauhaus-Schule. Es ist auch vom russischen Konstruktivismus beeinflusst, der viel Solidität und Härte in die Linien und Formen beisteuerte.

Was Art Deco auszeichnet, ist die Bedeutung, die sie den technologischen Innovationen der Zeit beimaßen, in einigen Werken tauchen Elemente wie: Wolkenkratzer, elektrische Beleuchtung, Radios, Luftfahrt usw. auf. Die Farbe kommt von Fauvismus und es wird in den Zeitschriften und Postern gezeigt, die viele Künstler entworfen haben.

In Art-Deco-Künstlern wie:

Jean-Carlu

Er verwendet in seinen Werken Rhetorik und behält seine künstlerische Persönlichkeit. Zu seinen Werken zählen Le Gosse und Cuisine Electrique.

Cassandre

Cassandre war ein französischer Plakatkünstler und Designer. Seine Werke sind beeinflusst von den künstlerischen Avantgarden des XNUMX. Jahrhunderts zwischen den Weltkriegen. Früher kombinierte er Elemente wie Kunst, Text und Bild. Unter seinen Werken ragen heraus: Normandie und Dubonnet.

Die 30-Jahre

Zuvor haben wir über Elemente gesprochen, die zu unserem täglichen Design gehören, aber haben Sie sich jemals gefragt, wann das Design von Schriftarten wichtig wurde? Im vorherigen Beitrag haben wir einen Mann namens . erwähnt Gutemberg Aber nicht alles bleibt dabei. Auch die Typografie hat ihre Evolution hinter sich und genau, sie hat sie im Jahrhundert bekommen XX, insbesondere in den 30er Jahren.

In diesem Jahr wurden historische Ereignisse erlebt und es war eine Zeit voller unterschiedlicher sozialer und politischer Ideologien. Aus diesem Grund entstanden Bewegungen wie Futurismus, Dadaismus und Surrealismus. In diesem Jahr Schriftarten wie Futura oder Gill Sans. 

Typografen wie Lester Bell oder Herbert Mater.

Die berühmten Kriegsplakate

Ein Kriegskonflikt ist definiert als eine Art Krieg, in dem sich mehrere Personen gegenüberstehen, in diesem Fall der Kriegskonflikt, über den wir sprechen werden, zwei Länder, Deutschland und Polen. Dieser Krieg entstand 1939 und löste den sogenannten Zweiten Weltkrieg aus. Es war nicht nur ein Kampf zwischen zwei Ländern, sondern eine Konfrontation zwischen Westlern und Kommunisten.

Und was haben die Designer diesmal gemacht? Nun, viele von ihnen beschlossen, ins Exil zu gehen, während andere, die mutiger waren, verstärkt wurden, um sich mit ihrem Land zu vereinen. Und was hat das Kriegsplakat damit zu tun?In Kriegszeiten, insbesondere im Ersten Weltkrieg, entstand das Kriegsplakat, auch Politik oder Propaganda genannt. Dieses Poster wurde mit dem Ziel erstellt, überzeugen und gleichzeitig die Gesellschaft manipulieren, um sie dazu zu bringen, die Regierung zu vereinen.

Die Poster erfüllten viele Themen und Typologien, aber unter ihnen zeichneten sie sich aus durch:

• Die Gestalter dieser Plakate griffen auf das zurück, was wir Rhetorik nennen und verwendeten einen konnotativen Kommunikationston und appellierten damit an die Emotionen und Gefühle
• Sie nutzten die Psychologie des Bildes, um ein Bild zu schaffen, das schwer und schwer zu vergessen ist
• Sie stellten den Text vor das Bild, d. h. der Text wurde durch seine eigentümlichen Überschriften deutlich bekannter
• Sie verwendeten kräftige Farben, um die Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit zu erregen
• Ihre Hauptressource war die grafische Linie, sie stand im Mittelpunkt gegenüber den anderen Elementen
• Die Russen verwendeten in ihren Plakaten den Konstruktivismus und schufen so statische Elemente

Die zum Zweiten Weltkrieg gehörenden Plakate setzten ästhetisch dieselbe grafische Linie und Charakteristik fort. Unter den damals einflussreichsten Plakatkünstlern ragen folgende heraus:

Alexander Rodchenko

Alexander war der repräsentativste Plakatkünstler, er zeichnete sich durch die Verwendung von geometrischen Figuren aus, die von hellen Farben begleitet wurden. Viele seiner Werke erzeugen Bewegungen in seiner Komposition aufgrund der Art und Weise, in der er die Elemente (Text - Bild) überlagert.

Einige seiner Werke erhalten von: Der Mann des Feuers und Rechevik.

Die 50er in Europa

In Europa, insbesondere in der Schweiz, entstanden mehrere Bewegungen, aber das bekannteste war zweifellos in Schweizer internationaler Stil. Dieser Stil entstand in den 50er Jahren und dauerte bis in die 70er Jahre.

Jede Bewegung, die im Laufe der Geschichte geschaffen wurde, hatte in einigen Aspekten viel mehr Aufschwung als in anderen, in diesem Fall repräsentierte dieser Stil den Beginn der Revolution der redaktionellen Gestaltung. Und was diesen Stil so auszeichnet: Eines der Hauptmerkmale ist, dass es ihnen gelungen ist, die Asymmetrie in den Kompositionen zu vereinheitlichen, dies wurde durch die Verwendung von typografischen Rastern und Rastern erreicht.

Was er auch charakterisierte, ist die Verwendung von serifenlosen Schriften sowie die Verwendung von Bildern und der Verzicht auf Illustrationen. Die Aspekte, die sich am besten mit diesem Stil kombinieren lassen, sind:

• Bestimmte Klarheit, Lesbarkeit und Objektivität in Werken, in denen serifenlose Schriftarten verwendet werden
• Darstellung der Typografie als Hauptelement

Im Laufe der Zeit entstanden in Städten wie Genf, Lausanne oder Zürich Schweizer Schulen.

Zu den Künstlern, die diese Bewegung am besten repräsentieren, gehören: Theo Balmer, Emil Ruder und Max Bill.

Die 50er in Amerika

Bisher sind wir zu dem Schluss gekommen, dass Europa eine der wichtigsten Wiegen in der Welt der Kunst und des Designs war. Aber die Geschichte endet hier nicht, Amerika galt in der Zwischenkriegszeit und in politischen Zeiten als große Weltmacht. Dieser Prozess beginnt Mitte des Jahrhunderts XX.

Amerikanische Designer wollten sich vom europäisch-schweizerischen Stil lösen und schufen einen viel kreativeren und informelleren Stil. So verstehen wir uns als geboren Amerikanische Schule des grafischen Expressionismus. 

Diese Schule war eine Zusammenfassung des künstlerischen Einflusses, den die Amerikaner im Design repräsentierten. Ein viel repräsentativeres Design mit befreiten grafischen Linien und weit weg von Statik und Moral. Die verwendeten Farben waren auffallend und drang in den Betrachter ein und führte ihn in die Botschaft ein. Die Schriften waren weniger geometrisch und es wurde mit der Figur gespielt.

So begannen die ersten künstlerischen Techniken:

Pop-Art

Die Pop-Art wurde Ende der 50er Jahre eingeführt und ihr Vertreter war ein Künstler namens Andy Warhol, obwohl Künstler wie Roy Fox und Jasper Johns. Das Hauptziel dieses Stils war es, durch grafische Konzepte die Konsumgesellschaft der Zeit, technologische Entwicklungen und Fortschritte und den Anspruch einer oberflächlichen Kultur voller Prominenter darzustellen.

Wir finden Funktionen wie:

• Kräftige Farben und beliebte Bilder
• Grafische Ressourcen in Form von Comics dargestellt
• Sich wiederholende Muster

Psychedelia

Psychedelie war eine künstlerische Technik, die Mitte der XNUMXer Jahre begann, Früchte zu tragen. 60 In Amerika. Es war stark von der Moderne und dem Jugendstil beeinflusst. Und woher kam diese Bewegung?Nach vielen Kriegen und sozialen, wirtschaftlichen und politischen Konflikten verspürten viele Künstler das Bedürfnis, einen Stil zu schaffen, der das Innere des Menschen ausdrückt.

Es zeichnet sich aus durch:

• Verwendung von abstrakten Figuren und völlig deformierten Schriften
• Dreidimensionale Effekte, die an die halluzinogene Wirkung von Drogen erinnern
• Auffällige Farben, die aus sozialen Bewegungen (Hippies) stammen

In den 50er / 60er Jahren Künstler wie Saul Bass und Paul Rand. 

Design in den 60er und 70er Jahren in Europa

Die 60er und 70er Jahre in Europa wurden von den berühmten Kalter Krieg. Der Kalte Krieg löste Konfrontationen zwischen Ländern wie den Vereinigten Staaten und der UdSSR aus. Dies führte dazu, dass viele Länder, darunter auch Polen, unabhängig wurden.

Die Unabhängigkeit brachte nicht nur soziale und politische Probleme mit sich, sondern viele Künstler begannen auch, ihre eigenen Stile zu kreieren. Dieser Stil leitete sich aus dem Surrealismus und dem künstlerischen Konzept «Collage» ab. Aber kommen wir zum Punkt, das Land, das während des Jahrzehnts die größte Bedeutung hatte, war England, wo das Gefühl der persönlichen Befreiung aufkommt und Gruppen wie die Punk.

Daher stammt der englische Stil aus der Hand der Plakate, die von . entworfen wurden Jamie Reid. Seine Plakate sind von der Punk-Bewegung bewegt, wodurch grafische Elemente voller auffälliger und energiegeladener Farben entstehen und er war Mitglied der Band Sex Pistols viele seiner Albumcover zu gestalten.

Design in Amerika (60er und 70er Jahre)

Im Jahrzehnt der 60er und 70er Jahre entstehen in Amerika neue Künstler, bei denen dem Expressionismus große Bedeutung beigemessen wird und es wird gewählt, wie andere Ressourcen verwendet werden, wie z Fotografie oder Infografik. Einer der repräsentativsten Künstler war Milton Glazer.

Milton Glaser

Der Künstler wurde 1929 in New York geboren. Er berührte Bereiche wie Branding, Editorial Design, Plakatgestaltung, Innenarchitektur und Illustrationen.

1966 schuf er eines der repräsentativsten Werke für das Grafikdesign seiner Zeit: ein Plakat, das aus einem der Alben des Sängers stammte Bob Dylan. Jahre später entwarf er das New York Magazin zusammen mit einem seiner bekanntesten Projekte: Ich liebe New York.

Die 80er im Grafikdesign

Das Jahrzehnt der 80er Jahre war geprägt von den technologischer Fortschritt. Dies ermöglichte vielen Künstlern und Designern eine Reihe von Programmen, die ihre Arbeit im grafischen Bereich erleichterten. Was wir als digitales Zeitalter kennen, wurde mit Kompositionsstudien gefüllt und neue fotografische und typografische Techniken entstanden.

Einer der repräsentativsten Künstler war Wolfgang Weingart.

Wolfgang Weingart

Er war einer der wichtigsten typografischen Künstler der 80er Jahre, seine Designs sind vom Schweizer Stil beeinflusst und er diente vielen Künstlern als Inspirationsquelle. Zu seinen bekanntesten Werken gehört: Typografie 2.

Grafikdesign in der heutigen Gesellschaft

Jetzt wissen Sie ein wenig mehr über die Geschichte des Grafikdesigns. Sie sollten wissen, dass die Entwicklung unserer Designs jeden Tag weitergeht. Bei der Gestaltung einer Corporate Identity, eines Posters, eines Magazin-Covers oder auch beim Fotografieren und Zeichnen, Wir müssen uns von jenen Künstlern inspirieren lassen, die bereits ihre eigene Geschichte geschrieben und Spuren hinterlassen haben. 

Wir wissen noch nicht, welche Entwicklung das Design im XNUMX. auftauchen.

Fazit

Jeder, der irgendwann in unserem Leben entwirft, erstellt auch ein Konzept von Grund auf neu und dieses Konzept ist unser Ursprung und unsere Entwicklung.

Aus diesem Grund wird Geschichte nicht nur als eine Reihe von Ereignissen definiert, sondern auch als Evolution und persönliches Wachstum. Wir laden Sie ein, weiter in die Geschichte des Grafikdesigns einzutauchen und mehr über sie zu erfahren.

Übrigens, hast du deine schon geschrieben?