Histoire du graphisme

Le graphisme tel que nous le connaissons fait partie de nous depuis l'Antiquité jusqu'à aujourd'hui. Nous sommes conscients de ce qui nous entoure lorsque nous disons « design graphique » car des aspects de la communication graphique viennent immédiatement à l'esprit : écrits, symboles, peintures, etc.. Son histoire n'a pas de date établie mais est déterminée par une série d'événements qui ont rendu possible son évolution.

Pour vous mettre en situation, nous allons vous transférer à XIXe siècle, un siècle plein d'événements qui ont commencé les premiers mouvements et ont donc été les premiers piliers où le design a commencé à être construit tel que nous le voyons aujourd'hui.

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L'origine : Premiers mouvements et artistes

Des événements importants se produisent au XNUMXème siècle, l'un d'entre eux a commencé à la fin de ce siècle. La culture occidentale est conditionnée par la révolution industrielle et le développement de la technologie. Cela influence la croissance de la population et permet un progrès dans la communication. Les grandes industries permettent une production rapide qui fait chuter complètement la valeur artisanale des produits.

Quelle solution peut-il y avoir après ce conflit ? Eh bien, au Royaume-Uni, ce que l'on appelle aujourd'hui le mouvement Arts et Métiers capitaine par William Morris. Ce mouvement est né dans le but de ramener la valeur artisanale. Malheureusement, l'objectif n'a pas été atteint mais ce mouvement avait beaucoup d'importance puisque la société de l'époque les reconnaissait pour leur propre style et pour représenter les conflits du moment dans leurs œuvres. Et c'est ainsi que le modernisme.

Nous expliquons ici ce qu'est le modernisme et ce qui le caractérise tant.

Modernisme

Le modernisme aussi appelé Art nouveau, a émergé à la fin du XIXe et au début du XXe siècle. Il était considéré comme l'un des mouvements artistiques les plus importants de l'époque et sa transition est également connue sous le nom de Belle Epoque qui a duré jusqu'au début de la Première Guerre mondiale.

Les modernistes, vivaient avec l'art et la vie et ont été grandement influencés par les courants philosophiques de John Ruskins et le célèbre William Morris, prédécesseur de mouvements comme le réalisme ou l'impressionnisme. Les modernistes répondent à un certain nombre de caractéristiques :

• Ils utilisent des éléments de la nature pour mettre en valeur leurs œuvres
• Ils utilisent de nouveaux matériaux dans leurs travaux après les progrès technologiques
• Ils explorent l'asymétrie et la représentent dans leurs œuvres

Dans le modernisme, une série d'artistes ont émergé qui étaient très importants pour le monde du design et de l'art.

Charles Rennie Mackintosh

Charles Rennie était un célèbre architecte et designer né en Écosse en 1868. Ce qu'il utilise le plus dans ses œuvres, ce sont des figures géométriques et des lignes droites ou ascendantes. Ses œuvres les plus célèbres sont : Pivoines, Le fort et Fauteuil.

Alphonse Mucha

Il était un peintre et artiste tchèque et est considéré comme l'un des artistes les plus représentatifs de l'Art nouveau. Il utilise beaucoup le style fleuri et se caractérise par l'éloge des femmes dans ses œuvres. Des œuvres telles que: Zodiac, Chocolat Ideal et Job Cigars se démarquent.

Peter behrens

Peter était l'un des graphistes de l'époque, connu pour la conception d'identités d'entreprise, d'affiches et de polices de caractères. Son style est très particulier puisqu'il recherchait des designs plus fonctionnels et épurés. Ses œuvres incluent: Electric Tea et The forest.

L'école du Bauhaus

Après le XIXe siècle, le siècle XX elle est conditionnée par la Première Guerre mondiale en 1914. Cette année-là, l'école Bauhaus est fondée à Weimar (Allemagne). Cette école a eu beaucoup d'influence dans le monde du design, de l'art et de l'architecture. De nombreux artistes qui ont formé cette école, sont issus du mouvement constructiviste et ont commencé à étudier la forme, les matériaux, la composition, l'espace et surtout l'importance de la couleur dans le design.

Le bauhaus a développé ce que nous appelons la hiérarchie typographique, où des lignes, des barres, des points ou des carrés ont été utilisés pour diviser l'espace et garder l'attention du spectateur. Certaines de ses caractéristiques étaient :

• Intérêt pour l'utilisation de matériaux modernes (verre)
• Tendance cubiste et asymétrique dans ses bâtiments
• Ils ont utilisé la simplicité dans les formes (moins c'est plus)
• Tendance au minimalisme organique

Les artistes qui font partie de cette école sont :

Paul Klee

Il est considéré comme l'un des artistes les plus influents du XNUMXème siècle, se distingue par son travail sur les phénomènes de l'abstraction et parmi ses œuvres se distingue: Cat and Bird et Castle and Sun.

Kandinsky

Il était un peintre expressionniste, abstrait et un grand maître de la couleur et du design. Composition Eight et le Blue Rider se démarquent.

Herbert Bayer

Artiste et dominant des compositions dynamiques où il a travaillé avec des lignes horizontales et verticales. Parmi ses œuvres figurent : Mur Articulé et Double Ascension.

Moholy nagy

Moholy s'est davantage concentré sur la photographie et la typographie et se distingue par des œuvres comme Space Modulator.

Art Déco (France)

Dans le reste des pays européens, des mouvements se sont également créés. Est venu le Art déco, à une étape où les caractéristiques du modernisme ont été remplacées, par lignes simples et droites. 

L'Art déco a été largement reconnu à l'Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes à Paris en 1925. Ce style vient du modernisme et de l'école Bauhaus. Il est également influencé par le constructivisme russe qui a apporté beaucoup de solidité et de dureté dans les lignes et les formes.

Ce qui caractérise l'Art Déco, c'est l'importance qu'ils accordaient aux innovations technologiques de l'époque, dans certaines œuvres des éléments tels que : gratte-ciel, éclairage électrique, radios, aviation etc. apparaissent. La couleur vient de fauvisme et cela se voit dans les magazines et les affiches que de nombreux artistes ont conçus.

Dans l'Art Déco, des artistes tels que :

Jean carlu

Il utilise la rhétorique dans ses œuvres et maintient sa personnalité artistique. Ses œuvres comprennent Le Gosse et Cuisine électrique.

Cassandre

Cassandre était un affichiste et designer français. Ses œuvres sont influencées par les avant-gardes artistiques de l'entre-deux-guerres du XXe siècle. Il avait l'habitude de combiner des éléments comme l'art, le texte et l'image. Parmi ses œuvres se distinguent : Normandie et Dubonnet.

Les années 30

Auparavant, nous avons parlé des éléments qui font partie de notre quotidien lorsque nous concevons, mais vous êtes-vous déjà demandé quand la conception des polices a commencé à être importante ? Dans le post précédent, nous avons mentionné un homme nommé Gutemberg Mais tout n'en reste pas là. La typographie a aussi eu son évolution et justement, elle a commencé à l'avoir au siècle XX, en particulier dans les années 30.

Au cours de cette année, des événements historiques ont été vécus et ce fut une période pleine d'idéologies sociales et politiques différentes. Pour cette raison, des mouvements tels que le futurisme, le dadaïsme et le surréalisme ont émergé. Cette année, des polices telles que Futura ou Gill Sans. 

Des typographes comme Lester Bell ou Herbert Mater.

Les fameuses affiches de guerre

Un conflit de guerre est défini comme une sorte de guerre dans laquelle plusieurs individus s'affrontent, en l'occurrence le conflit de guerre dont nous allons parler, affrontait deux pays, l'Allemagne et la Pologne. Cette guerre a commencé en 1939 et a déclenché ce que nous appelons la Seconde Guerre mondiale. Ce n'était pas seulement un combat entre deux pays mais c'était une confrontation entre Occidentaux et communistes.

Et qu'ont fait les designers cette fois-ci ? Eh bien, beaucoup d'entre eux ont choisi de s'exiler tandis que d'autres plus courageux ont été renforcés pour s'unir à leur pays. Et qu'est-ce que l'affiche de guerre a à voir avec tout cela ?En temps de guerre, surtout pendant la Première Guerre mondiale, l'affiche de guerre a été créée, également appelée politique ou de propagande. Cette affiche a été créée dans le but de convaincre et en même temps manipuler la société pour les amener à unifier le gouvernement.

Les affiches répondaient à de nombreux thèmes et typologies mais parmi elles, elles se distinguaient par :

• Les concepteurs de ces affiches ont eu recours à ce que nous appelons la rhétorique et ont utilisé un ton communicationnel connotatif, faisant ainsi appel aux émotions et sentiments
• Ils ont utilisé la psychologie de l'image pour créer une image dure et difficile à oublier
• Ils ont mis le texte avant l'image, c'est-à-dire que le texte a pris beaucoup plus d'importance en raison de ses titres particuliers
• Ils ont utilisé des couleurs vives pour persuader l'attention du public
• Leur principale ressource était la ligne graphique, elle prenait le devant de la scène sur les autres éléments
• Les Russes ont utilisé le constructivisme dans leurs affiches, créant ainsi des éléments statiques

Les affiches appartenant à la Seconde Guerre mondiale, ont continué esthétiquement la même ligne graphique et les mêmes caractéristiques. Parmi les affichistes les plus influents à l'époque, se distinguent :

Alexander Rodchenko

Alexander était l'affichiste le plus représentatif, il se caractérisait par l'utilisation de figures géométriques accompagnées de couleurs claires. Beaucoup de ses œuvres créent des mouvements dans sa composition du fait de la manière dont il superpose les éléments (texte - image).

Certaines de ses œuvres reçoivent de : L'homme du feu et Rechevik.

Les années 50 en Europe

En Europe, notamment en Suisse, plusieurs mouvements ont vu le jour mais le plus connu était sans doute en Style international suisse. Ce style est né dans les années 50 et a duré jusqu'aux années 70.

Chaque mouvement qui a été créé à travers l'histoire, a eu beaucoup plus d'essor dans certains aspects que dans d'autres, dans ce cas, ce style a représenté le début de la révolution du conception éditoriale. Et qu'est-ce qui caractérise tant ce style?L'une des principales caractéristiques est qu'ils ont réussi à unifier l'asymétrie dans les compositions, cela a été réalisé avec l'utilisation de grilles typographiques et de grilles.

Ce qu'il caractérise également, c'est l'utilisation de caractères sans empattement et l'utilisation d'images et le rejet des illustrations. Les aspects qui se combinent le mieux avec ce style sont :

• Une certaine clarté, lisibilité et objectivité dans les travaux où des polices sans empattement sont utilisées
• Représentation de la typographie comme élément principal

Au fil du temps, des écoles suisses se sont formées dans des villes comme Genève, Lausanne ou Zurich.

Parmi les artistes qui représentent le mieux ce mouvement figurent : Théo Balmer, Emil Ruder et Max Bill.

Les années 50 en Amérique

Jusqu'à présent, nous avons conclu que l'Europe était l'un des berceaux les plus importants du monde de l'art et du design. Mais l'histoire ne s'arrête pas là, l'Amérique était considérée comme une grande puissance mondiale dans l'entre-deux-guerres et l'époque politique. Ce processus commence au milieu du siècle XX.

Les designers américains visaient à rompre avec le style européen / suisse et ont créé leur propre style beaucoup plus créatif et informel. C'est ainsi que ce que nous comprenons comme est né École américaine d'expressionnisme graphique. 

Cette école était un résumé de l'influence artistique que les Américains représentaient dans la conception. Un design beaucoup plus représentatif, aux lignes graphiques libérées et loin du statique et de la morale. Les couleurs qu'ils utilisaient étaient frappantes et envahissaient le spectateur et lui présentaient le message. Les polices étaient moins géométriques et on jouait avec la figure.

C'est ainsi que les premières techniques artistiques ont commencé :

Pop Art

Le pop art a commencé à être introduit à la fin des années 50 et son représentant était un artiste nommé Andy Warhol, bien que des artistes tels que Roy Fox et Jasper Johns. L'objectif principal de ce style était de représenter à travers des concepts graphiques la société de consommation de l'époque, les développements et avancées technologiques et la revendication d'une culture superficielle pleine de célébrités.

On retrouve des fonctionnalités telles que :

• Couleurs audacieuses et images populaires
• Ressources graphiques représentées sous forme de bandes dessinées
• Motifs répétés

Psychédélie

La psychédélisme était une technique artistique qui commença à porter ses fruits au milieu du 60 en Amérique. Il a été très influencé par le modernisme et l'Art Nouveau. Et d'où vient ce mouvement ?Après de nombreuses guerres et conflits sociaux, économiques et politiques, de nombreux artistes ont ressenti le besoin de créer un style qui exprimerait l'intérieur de l'être humain.

Caractérisé par:

• Utilisation de figures abstraites et de polices totalement déformées
• Effets tridimensionnels qui évoquent les effets hallucinogènes des drogues
• Des couleurs frappantes qui viennent des mouvements sociaux (hippies)

Au cours des années 50/60, des artistes tels que Saul Bass et Paul Rand. 

Le design dans les années 60 et 70 en Europe

Les années 60 et 70 en Europe ont été conditionnées par le célèbre Guerre froide. La guerre froide a déclenché des affrontements entre des pays comme les États-Unis et l'URSS. Cela a conduit de nombreux pays, dont la Pologne, à devenir indépendants.

L'indépendance a non seulement apporté des problèmes sociaux et politiques, mais, en plus, de nombreux artistes ont commencé à créer leurs propres styles. Ce style dérive du surréalisme et du concept artistique «collage». Mais venons-en au fait, le pays qui a eu le plus d'importance au cours de la décennie était l'Angleterre, où le sentiment de libération personnelle surgit et des groupes tels que le punk.

Par conséquent, le style anglais est venu de la main des affiches conçues par Jamie Reid. Ses affiches sont animées par le mouvement punk, créant ainsi des éléments graphiques pleins de couleurs frappantes et énergiques et il a participé au groupe. Sex Pistols pour concevoir plusieurs de ses pochettes d'albums.

Le design en Amérique (années 60 et 70)

Dans la décennie des années 60 et 70 en Amérique, de nouveaux artistes émergent où l'expressionnisme est accordé une grande importance et il est choisi comment utiliser d'autres ressources telles que photographie ou infographie. L'un des artistes les plus représentatifs était Milton Glazer.

Milton Glaser

Cet artiste est né à New York en 1929. Il a touché à des domaines tels que l'image de marque, le design éditorial, la conception d'affiches, le design d'intérieur et les illustrations.

En 1966, il crée l'une des œuvres les plus représentatives du graphisme de l'époque : une affiche issue d'un des albums du chanteur. Bob Dylan. Des années plus tard, il a conçu le magazine The New York avec l'un de ses projets les plus célèbres : J'aime New York.

Les années 80 en graphisme

La décennie des années 80 a été marquée par la avance technologique. Cela a permis à de nombreux artistes et designers d'avoir à leur disposition une série de programmes qui ont facilité leur travail dans le domaine graphique. Ce que nous appelons l'ère numérique est venu chargé d'études sur les compositions et de nouvelles techniques photographiques et typographiques ont émergé.

L'un des artistes les plus représentatifs était Wolfgang Weingart.

Wolfgang Weingart

Il était l'un des artistes typographiques par excellence des années 80. Ses créations sont influencées par le style suisse et il a été une source d'inspiration pour de nombreux artistes. Parmi ses œuvres les plus connues, citons : Typography 2.

Le graphisme dans la société d'aujourd'hui

Maintenant que vous en savez un peu plus sur l'histoire du design graphique. Il faut savoir que toute l'évolution se poursuit dans nos designs chaque jour. Lors de la conception d'une identité visuelle, d'une affiche, d'une couverture pour un magazine ou encore lorsque l'on photographie et dessine, Nous devons nous inspirer de ces artistes qui ont déjà écrit leur propre histoire et laissé leur empreinte. 

Nous ne connaissons toujours pas l'évolution que le design aura au XNUMXème siècle, mais nous sommes sûrs qu'il sera composé de toutes les techniques et mouvements artistiques dont nous vous avons parlé et sûrement grâce à eux, de nouvelles idées et créations seront émerger.

Conclusion

Tout le monde à un moment de notre vie lorsque nous concevons, nous créons également un concept à partir de zéro et ce concept est notre origine et notre évolution.

Par conséquent, l'histoire n'est pas seulement définie comme une série d'événements, mais aussi comme une évolution et une croissance personnelle. Nous vous invitons à continuer à approfondir et à en apprendre davantage sur l'histoire du design graphique.

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