ग्राफिक डिजाइन का इतिहास

ग्राफिक डिजाइन जैसा कि हम जानते हैं कि यह प्राचीन काल से अब तक हमारा हिस्सा रहा है। जब हम "ग्राफिक डिज़ाइन" कहते हैं, तो हमें पता चलता है कि हमारे आसपास क्या है क्योंकि ग्राफिक संचार के पहलू तुरंत दिमाग में आते हैं: लेखन, प्रतीक, पेंटिंग आदि. इसके इतिहास की कोई निश्चित तिथि नहीं है, लेकिन यह उन घटनाओं की एक श्रृंखला से निर्धारित होता है, जिन्होंने इसके विकास को संभव बनाया है।

आपको स्थिति में लाने के लिए, हम आपको यहां स्थानांतरित करने जा रहे हैं 19 वीं सदी, घटनाओं से भरी एक सदी जिसने पहले आंदोलनों की शुरुआत की और इसलिए पहले स्तंभ थे जहां डिजाइन का निर्माण शुरू हुआ जैसा कि हम आज देखते हैं।

अपनी जरूरत की हर चीज तैयार करें क्योंकि अस्थायी यात्रा शुरू होती है।

मूल: पहले आंदोलन और कलाकार

XNUMXवीं सदी में महत्वपूर्ण घटनाएं घटती हैं, उनमें से एक इस सदी के अंत में शुरू हुई थी। पश्चिमी संस्कृति औद्योगिक क्रांति और प्रौद्योगिकी के विकास से वातानुकूलित है। यह जनसंख्या वृद्धि को प्रभावित करता है और संचार में प्रगति की अनुमति देता है। बड़े उद्योग तेजी से उत्पादन की अनुमति देते हैं जिसके परिणामस्वरूप उत्पादों का कलात्मक मूल्य पूरी तरह से गिर जाता है।

इस संघर्ष के बाद क्या समाधान हो सकता है? ठीक है, यूनाइटेड किंगडम में जिसे अब हम आंदोलन के रूप में जानते हैं कला और शिल्प कप्तानी विलियम मॉरिस. यह आंदोलन कारीगरों के मूल्य को वापस लाने के उद्देश्य से शुरू हुआ था। दुर्भाग्य से, उद्देश्य पूरा नहीं हुआ था, लेकिन इस आंदोलन की बहुत प्रमुखता थी क्योंकि उस समय के समाज ने उन्हें अपनी शैली के लिए और अपने कार्यों में इस समय के संघर्षों का प्रतिनिधित्व करने के लिए मान्यता दी थी। और इस तरह आधुनिकतावाद।

यहां हम बताते हैं कि आधुनिकता क्या है और इसकी क्या विशेषता है।

आधुनिकता

आधुनिकतावाद भी कहा जाता है कला नोव्यू, उन्नीसवीं सदी के अंत और बीसवीं सदी की शुरुआत में उभरा। इसे उस समय के सबसे महत्वपूर्ण कलात्मक आंदोलनों में से एक माना जाता था और इसके संक्रमण को बेले एपोक के रूप में भी जाना जाता है जो प्रथम विश्व युद्ध की शुरुआत तक चला।

आधुनिकतावादी, कला और जीवन के साथ रहते थे और की दार्शनिक धाराओं से बहुत प्रभावित थे जॉन रस्किन और प्रसिद्ध विलियम मॉरिस, यथार्थवाद या प्रभाववाद जैसे आंदोलनों के पूर्ववर्ती। आधुनिकतावादी कई विशेषताओं को पूरा करते हैं:

• वे अपने कार्यों को बढ़ाने के लिए प्रकृति के तत्वों का उपयोग करते हैं
• वे तकनीकी प्रगति के बाद अपने कार्यों में नई सामग्री का उपयोग करते हैं
• वे विषमता का पता लगाते हैं और अपने कार्यों में इसका प्रतिनिधित्व करते हैं

आधुनिकतावाद में कलाकारों की एक श्रृंखला उभरी जो डिजाइन और कला की दुनिया के लिए बहुत महत्वपूर्ण थे।

चार्ल्स रेनी मैकिंतोश

चार्ल्स रेनी एक प्रसिद्ध वास्तुकार और डिजाइनर थे, जिनका जन्म 1868 में स्कॉटलैंड में हुआ था। वह अपने कार्यों में सबसे अधिक उपयोग करते हैं जो ज्यामितीय आंकड़े और सीधी या आरोही रेखाएं हैं। उनकी सबसे प्रसिद्ध कृतियों में शामिल हैं: चपरासी, किला और कुर्सी।

अल्फोंस मुचा

वह एक चेक चित्रकार और कलाकार थे और उन्हें आर्ट नोव्यू के सबसे प्रतिनिधि कलाकारों में से एक माना जाता है। वह फूलों की शैली का बहुत उपयोग करता है और अपने कार्यों में महिलाओं की प्रशंसा करता है। जैसे काम करता है: राशि चक्र, चॉकलेट आदर्श और नौकरी सिगार बाहर खड़े हैं।

पीटर बेहरेंस

पीटर उस समय के ग्राफिक डिजाइनरों में से एक थे, जिन्हें कॉर्पोरेट पहचान, पोस्टर और टाइपफेस डिजाइन करने के लिए जाना जाता था। उनकी शैली बहुत ही अजीब है क्योंकि वे अधिक कार्यात्मक और स्वच्छ डिजाइन की तलाश में थे। उनके कार्यों में शामिल हैं: इलेक्ट्रिक टी एंड द फॉरेस्ट।

बॉहॉस स्कूल

उन्नीसवीं सदी के बाद, सदी XX इसे 1914 में प्रथम विश्व युद्ध द्वारा वातानुकूलित किया गया था। उस वर्ष वाइमर (जर्मनी) में बॉहॉस स्कूल की स्थापना की गई थी। डिजाइन, कला और वास्तुकला की दुनिया में इस स्कूल का बहुत प्रभाव था। इस स्कूल का गठन करने वाले कई कलाकार रचनावादी आंदोलन से उठे और अध्ययन करने लगे रूप, सामग्री, संरचना, स्थान और डिजाइन में रंग के सभी महत्व के ऊपर.

बॉहॉस ने विकसित किया जिसे हम टाइपोग्राफिक पदानुक्रम के रूप में जानते हैं, जहां रेखाएं, बार, बिंदु या वर्ग अंतरिक्ष को विभाजित करने और दर्शकों का ध्यान रखने के लिए उपयोग किए जाते थे। इसकी कुछ विशेषताएं थीं:

• आधुनिक सामग्री (कांच) के उपयोग में रुचि
• इसकी इमारतों में घनवादी और असममित प्रवृत्ति
• उन्होंने रूपों में सरलता का प्रयोग किया (कम अधिक है)
• जैविक अतिसूक्ष्मवाद की प्रवृत्ति

इस स्कूल का हिस्सा बनने वाले कलाकार हैं:

पॉल क्ली

उन्हें XNUMX वीं शताब्दी के सबसे प्रभावशाली कलाकारों में से एक माना जाता है, वे अमूर्तता की घटनाओं पर काम करने के लिए खड़े हैं और उनके कार्यों में से एक है: बिल्ली और पक्षी और महल और सूर्य।

कैंडिंस्की

वह एक अभिव्यंजनावादी, अमूर्त चित्रकार और रंग और डिजाइन के एक महान उस्ताद थे। रचना आठ और ब्लू राइडर बाहर खड़े हैं।

हर्बर्ट बेयर

गतिशील रचनाओं के कलाकार और प्रमुख जहां उन्होंने क्षैतिज और लंबवत रेखाओं के साथ काम किया। उनकी रचनाओं में शामिल हैं: आर्टिकुलेटेड वॉल और डबल असेंशन।

मोहोली नाग्यो

मोहोली ने फोटोग्राफी और टाइपोग्राफी पर अधिक ध्यान केंद्रित किया और स्पेस मॉड्यूलेटर जैसे कार्यों के लिए बाहर खड़ा है।

आर्ट डेको (फ़्रांस)

बाकी यूरोपीय देशों में भी आंदोलन किए गए। आया था कला डेको, एक ऐसे चरण में जिसमें आधुनिकता की विशेषताओं को प्रतिस्थापित किया गया था, द्वारा सरल और सीधी रेखाएँ। 

आर्ट डेको को व्यापक रूप से 1925 में पेरिस में एक्सपोज़िशन इंटरनेशियन डेस आर्टेस डेकोरेटिफ़्स एट इंडस्ट्रियल्स मॉडर्नेस में मान्यता मिली थी। यह शैली आधुनिकतावाद और बॉहॉस स्कूल से आती है। यह रूसी रचनावाद से भी प्रभावित है जिसने लाइनों और रूपों में दृढ़ता और कठोरता का बहुत योगदान दिया।

आर्ट डेको की जो विशेषता है, वह उस समय के तकनीकी नवाचारों को दिया गया महत्व है, कुछ कार्यों में गगनचुंबी इमारतें, विद्युत प्रकाश व्यवस्था, रेडियो, विमानन आदि जैसे तत्व दिखाई देते हैं। रंग से आता है Fauvism और यह पत्रिकाओं और पोस्टरों में दिखाया गया है कि कई कलाकारों ने डिजाइन किया है।

आर्ट डेको कलाकारों में जैसे:

जीन कार्लू

वह अपने कार्यों में बयानबाजी का उपयोग करता है और अपने कलात्मक व्यक्तित्व को बनाए रखता है। उनके कार्यों में ले गोसे और व्यंजन इलेक्ट्रिक शामिल हैं।

Cassandre

कैसेंड्रे एक फ्रांसीसी पोस्टर कलाकार और डिजाइनर थे। उनकी रचनाएँ २०वीं शताब्दी के अंतर्युद्ध काल के कलात्मक अवांट-गार्ड्स से प्रभावित हैं। वह कला, पाठ और छवि जैसे तत्वों को मिलाता था। उनके कार्यों में से एक है: नॉरमैंडी और डबोननेट।

30 का

पहले हमने उन तत्वों के बारे में बात की है जो हमारे दिन-प्रतिदिन का हिस्सा हैं जब हम डिजाइन करते हैं, लेकिन क्या आपने कभी सोचा है कि फोंट का डिजाइन कब मायने रखता है? पिछली पोस्ट में हमने नाम के एक शख्स का जिक्र किया था Gutemberg लेकिन सब कुछ वहाँ नहीं रहता। टाइपोग्राफी का भी अपना विकास हुआ है और ठीक है, यह सदी में शुरू हुआ था XX, विशेष रूप से 30 के दशक में।

इस वर्ष के दौरान, ऐतिहासिक घटनाओं का अनुभव किया गया और यह विभिन्न सामाजिक और राजनीतिक विचारधाराओं से भरा समय था। इस कारण से, भविष्यवाद, दादावाद और अतियथार्थवाद जैसे आंदोलनों का उदय हुआ। इस साल फोंट जैसे फ़्यूचूरा या गिल संस। 

टाइपोग्राफर जैसे लेस्टर बेल या हर्बर्ट मेटर।

प्रसिद्ध युद्ध पोस्टर

एक युद्ध संघर्ष को एक प्रकार के युद्ध के रूप में परिभाषित किया जाता है जिसमें कई व्यक्ति एक-दूसरे का सामना करते हैं, इस मामले में हम जिस युद्ध संघर्ष के बारे में बात करने जा रहे हैं, वह दो देशों, जर्मनी और पोलैंड का सामना करना पड़ा। यह युद्ध १९३९ में उत्पन्न हुआ और जिसे हम द्वितीय विश्व युद्ध के रूप में जानते हैं, शुरू हो गया। यह केवल दो देशों के बीच की लड़ाई नहीं थी बल्कि यह पश्चिमी और कम्युनिस्टों के बीच का टकराव था।

और इस बार डिजाइनरों ने क्या किया? खैर, उनमें से कई ने निर्वासन में जाने का विकल्प चुना, जबकि अन्य बहादुरों को अपने देश के साथ एकजुट होने के लिए मजबूर किया गया। और युद्ध के पोस्टर का इस सब से क्या लेना-देना है?युद्ध के समय में, विशेष रूप से प्रथम विश्व युद्ध में, युद्ध पोस्टर बनाया गया था, जिसे राजनीतिक या प्रचार भी कहा जाता है। यह पोस्टर के उद्देश्य से बनाया गया था राजी करना और साथ ही साथ सरकार को एकजुट करने के लिए समाज में हेरफेर करना.

पोस्टरों ने कई विषयों और टाइपोलोजी को पूरा किया लेकिन उनमें से, वे निम्नलिखित के लिए विशिष्ट थे:

• इन पोस्टरों के डिजाइनरों ने उस चीज का सहारा लिया जिसे हम बयानबाजी कहते हैं और एक सांकेतिक संचार स्वर का इस्तेमाल करते हैं, इस प्रकार अपील करते हैं भावनाएं और भावनाएं
• उन्होंने छवि के मनोविज्ञान का उपयोग एक ऐसी छवि बनाने के लिए किया जिसे भूलना कठिन और कठिन है
• उन्होंने पाठ को छवि के सामने रखा, अर्थात, पाठ ने अपनी अजीबोगरीब सुर्खियों के कारण बहुत अधिक प्रमुखता प्राप्त की
• जनता का ध्यान आकर्षित करने के लिए उन्होंने बोल्ड रंगों का इस्तेमाल किया
• उनका मुख्य संसाधन ग्राफिक लाइन थी, इसने अन्य तत्वों पर केंद्र स्तर पर कब्जा कर लिया
• रूसियों ने अपने पोस्टरों में रचनावाद का इस्तेमाल किया, इस प्रकार स्थिर तत्वों का निर्माण किया

द्वितीय विश्व युद्ध से संबंधित पोस्टर, सौंदर्य की दृष्टि से समान ग्राफिक लाइन और विशेषताओं को जारी रखते थे। उन पोस्टर कलाकारों में, जिनका उस समय अधिक प्रभाव था, निम्नलिखित हैं:

अलेक्जेंडर रोडचेंको

अलेक्जेंडर सबसे अधिक प्रतिनिधि पोस्टर कलाकार थे, उन्हें ज्यामितीय आकृतियों का उपयोग करने की विशेषता थी जो हल्के रंगों के साथ थे। जिस तरह से उन्होंने तत्वों (पाठ - छवि) को आरोपित किया, उसके कारण उनकी कई रचनाएँ उनकी रचना में हलचल पैदा करती हैं।

उनके कुछ कार्यों से प्राप्त होता है: द फायर मैन एंड रेचेविक।

यूरोप में 50 का दशक

यूरोप में, विशेष रूप से स्विट्ज़रलैंड में, कई आंदोलनों का निर्माण किया गया था, लेकिन सबसे अच्छी तरह से ज्ञात निस्संदेह में था स्विस अंतरराष्ट्रीय शैली। यह शैली 50 के दशक में उत्पन्न हुई और 70 के दशक तक चली।

प्रत्येक आंदोलन जो पूरे इतिहास में बनाया गया था, कुछ पहलुओं में दूसरों की तुलना में बहुत अधिक उछाल था, इस मामले में, इस शैली ने क्रांति की शुरुआत का प्रतिनिधित्व किया संपादकीय डिजाइन. और यह क्या है जो इस शैली की इतनी विशेषता है? मुख्य विशेषताओं में से एक यह है कि वे रचनाओं में विषमता को एकजुट करने में कामयाब रहे, यह टाइपोग्राफिक ग्रिड और ग्रिड के उपयोग के साथ हासिल किया गया था।

सैन्स-सेरिफ़ टाइपफेस का उपयोग और छवियों का उपयोग और चित्रों की अस्वीकृति की भी विशेषता है। इस शैली के साथ सबसे अच्छे संयोजन वाले पहलू हैं:

• उन कार्यों में कुछ स्पष्टता, सुपाठ्यता और निष्पक्षता जहां बिना सेरिफ़ फोंट का उपयोग किया जाता है
• मुख्य तत्व के रूप में टाइपोग्राफी का प्रतिनिधित्व

समय के साथ, जिनेवा, लॉज़ेन या ज्यूरिख जैसे शहरों में स्विस स्कूलों का गठन किया गया।

इस आंदोलन का सबसे अच्छा प्रतिनिधित्व करने वाले कलाकारों में शामिल हैं: थियो बामर, एमिल रुडर और मैक्स बिल।

अमेरिका में 50 का दशक

अब तक, हमने यह निष्कर्ष निकाला है कि यूरोप कला और डिजाइन की दुनिया में सबसे महत्वपूर्ण पालने में से एक था। लेकिन कहानी यहीं खत्म नहीं होती है, अमेरिका को युद्ध और राजनीतिक समय में एक महान विश्व शक्ति माना जाता था। यह प्रक्रिया सदी के मध्य में शुरू होती है XX.

अमेरिकी डिजाइनरों ने यूरोपीय / स्विस शैली से अलग होने का लक्ष्य रखा, और अपनी खुद की एक और अधिक रचनात्मक और अनौपचारिक शैली बनाई। इस तरह हम समझते हैं कि पैदा हुआ था ग्राफिक अभिव्यक्तिवाद के अमेरिकन स्कूल। 

यह स्कूल कलात्मक प्रभाव का सारांश था जिसे अमेरिकियों ने डिजाइन में दर्शाया था। एक बहुत अधिक प्रतिनिधि डिजाइन, जारी ग्राफिक लाइनों के साथ और स्थिर और नैतिक से बहुत दूर। उन्होंने जिन रंगों का इस्तेमाल किया, वे हड़ताली थे और दर्शकों पर आक्रमण किया और उन्हें संदेश से परिचित कराया। फोंट कम ज्यामितीय थे और इसे आकृति के साथ खेला जाता था।

इस तरह पहली कलात्मक तकनीक शुरू हुई:

पॉप कला

50 के दशक के अंत में पॉप कला की शुरुआत हुई और इसका प्रतिनिधि एक कलाकार था जिसका नाम था एंडी वारहोल, हालांकि कलाकार जैसे रॉय फॉक्स और जैस्पर जॉन्स। इस शैली का मुख्य उद्देश्य ग्राफिक अवधारणाओं के माध्यम से उस समय के उपभोक्ता समाज, तकनीकी विकास और प्रगति और मशहूर हस्तियों से भरी सतही संस्कृति के दावे का प्रतिनिधित्व करना था।

हम इस तरह की विशेषताएं पाते हैं:

• बोल्ड रंग और लोकप्रिय चित्र
• ग्राफिक संसाधनों को कॉमिक्स के रूप में दर्शाया गया है
• दोहराव पैटर्न

साइकेडेलिया

साइकेडेलिया एक कलात्मक तकनीक थी जो मध्य में फल देने लगी थी- 60 अमेरिका में। यह आधुनिकतावाद और आर्ट नोव्यू से बहुत प्रभावित था। और यह आंदोलन कहाँ से आया?कई युद्धों और सामाजिक, आर्थिक और राजनीतिक संघर्षों के बाद, कई कलाकारों को एक ऐसी शैली बनाने की आवश्यकता महसूस हुई जो मनुष्य के आंतरिक भाग को व्यक्त करे।

इसकी विशेषता है:

• अमूर्त आकृतियों और पूरी तरह से विकृत फोंट का उपयोग
• त्रि-आयामी प्रभाव जो दवाओं के मतिभ्रम प्रभाव पैदा करते हैं
• सामाजिक आंदोलनों से आने वाले आकर्षक रंग (हिप्पी)

५०/६० के दशक के दौरान कलाकारों जैसे शाऊल बास और पॉल रैंड। 

यूरोप में 60 और 70 के दशक में डिजाइन

यूरोप में 60 और 70 के दशक प्रसिद्ध द्वारा वातानुकूलित थे शीत युद्ध। शीत युद्ध ने संयुक्त राज्य अमेरिका और यूएसएसआर जैसे देशों के बीच टकराव शुरू कर दिया। इससे पोलैंड सहित कई देश स्वतंत्र होने लगे।

स्वतंत्रता न केवल सामाजिक और राजनीतिक समस्याएं लेकर आई, बल्कि इसके अलावा, कई कलाकारों ने अपनी शैली बनाना शुरू कर दिया। यह शैली अतियथार्थवाद और कलात्मक अवधारणा "कोलाज" से ली गई है। लेकिन आइए उस बिंदु पर आते हैं, जिस देश में दशक के दौरान सबसे अधिक प्रमुखता थी, वह इंग्लैंड था, जहां व्यक्तिगत मुक्ति की भावना पैदा होती है और जैसे समूह गुंडा.

इसलिए अंग्रेजी शैली द्वारा डिजाइन किए गए पोस्टरों के हाथ से निकली जेमी रीड. उनके पोस्टर गुंडा आंदोलन से प्रेरित हैं, इस प्रकार आकर्षक और ऊर्जावान रंगों से भरे ग्राफिक तत्वों का निर्माण करते हैं और वह बैंड में एक भागीदार थे। सेक्स पिस्तौल उनके कई एल्बम कवर डिजाइन करने के लिए।

अमेरिका में डिजाइन (60 और 70 के दशक)

अमेरिका में ६० और ७० के दशक में नए कलाकार सामने आते हैं जहां अभिव्यक्तिवाद को बहुत महत्व दिया जाता है और यह चुना जाता है कि अन्य संसाधनों का उपयोग कैसे किया जाए जैसे कि फोटोग्राफी या इन्फोग्राफिक. सबसे अधिक प्रतिनिधि कलाकारों में से एक था मिल्टन ग्लेसर।

मिल्टन ग्लेसर

इस कलाकार का जन्म न्यूयॉर्क में 1929 में हुआ था। उन्होंने ब्रांडिंग, संपादकीय डिजाइन, पोस्टर डिजाइन, इंटीरियर डिजाइन और चित्रण जैसे क्षेत्रों को छुआ है।

1966 में उन्होंने उस समय के ग्राफिक डिजाइन के लिए सबसे अधिक प्रतिनिधि कार्यों में से एक बनाया: एक पोस्टर जो गायक के एल्बमों में से एक से लिया गया था बॉब डिलन. वर्षों बाद, उन्होंने अपनी सबसे प्रसिद्ध परियोजनाओं में से एक के साथ न्यूयॉर्क पत्रिका को डिजाइन किया: मुझे न्यूयॉर्क से प्यार है।

ग्राफिक डिजाइन में 80 का दशक

80 के दशक को द्वारा चिह्नित किया गया था तकनीकी अग्रिम. इसने कई कलाकारों और डिजाइनरों को अपने निपटान में कार्यक्रमों की एक श्रृंखला रखने की अनुमति दी जिससे ग्राफिक क्षेत्र में उनके काम को सुविधाजनक बनाया गया। जिसे हम डिजिटल युग के रूप में जानते हैं, वह रचनाओं पर अध्ययन से भरा हुआ है और नई फोटोग्राफिक और टाइपोग्राफिक तकनीकों का उदय हुआ है।

सबसे अधिक प्रतिनिधि कलाकारों में से एक था वोल्फगैंग वेनगार्ट।

वोल्फगैंग वेनगार्ट

वह 80 के दशक के सर्वोत्कृष्ट टाइपोग्राफिक कलाकारों में से एक थे। उनके डिजाइन स्विस शैली से प्रभावित हैं और वे कई कलाकारों के लिए प्रेरणा स्रोत रहे हैं। उनकी सबसे प्रसिद्ध कृतियों में है: टाइपोग्राफी २।

आज के समाज में ग्राफिक डिजाइन

अब जब आप ग्राफिक डिजाइन के इतिहास के बारे में थोड़ा और जान गए हैं। आपको पता होना चाहिए कि हमारे डिजाइनों में हर दिन सभी विकास जारी हैं। एक कॉर्पोरेट पहचान, एक पोस्टर, एक पत्रिका के लिए एक कवर या यहां तक ​​​​कि जब हम फोटो खिंचवाते और आकर्षित करते हैं, तब भी डिजाइन करते समय, हमें उन कलाकारों से प्रेरणा लेने की जरूरत है जो पहले ही अपना इतिहास लिख चुके हैं और अपनी छाप छोड़ चुके हैं। 

हम अभी भी नहीं जानते हैं कि २१वीं सदी में डिजाइन का क्या विकास होगा, लेकिन हमें यकीन है कि यह उन सभी कलात्मक तकनीकों और आंदोलनों से बना होगा, जिनके बारे में हमने आपको बताया है और निश्चित रूप से उनके लिए धन्यवाद, नए विचार और रचनाएं होंगी। उभरना।

निष्कर्ष

हर कोई हमारे जीवन में किसी बिंदु पर जब हम डिजाइन करते हैं, तो हम खरोंच से एक अवधारणा भी बनाते हैं और वह अवधारणा हमारा मूल और हमारा विकास है।

इस कारण से, इतिहास को न केवल घटनाओं की एक श्रृंखला के रूप में बल्कि विकास और व्यक्तिगत विकास के रूप में भी परिभाषित किया गया है। हम आपको ग्राफिक डिजाइन के इतिहास के बारे में और अधिक जानने और सीखने के लिए आमंत्रित करते हैं।

वैसे, क्या आपने पहले ही अपना लिखा है?