그래픽 디자인의 역사

기사 표지

출처: 여성 임원

우리가 알고 있는 그래픽 디자인은 고대부터 지금까지 우리의 일부였습니다. 그래픽 커뮤니케이션의 측면이 즉시 마음에 떠오르기 때문에 우리는 "그래픽 디자인"이라고 말할 때 우리 주변에 무엇이 있는지 알고 있습니다. 글, 상징, 그림 등. 그 역사는 정해진 날짜가 없지만 진화를 가능하게 한 일련의 사건에 의해 결정됩니다.

상황에 처하게하기 위해 우리는 당신을 19 세기, 첫 번째 운동을 시작한 사건으로 가득 찬 세기, 따라서 오늘날 우리가 보는 것처럼 디자인이 구축되기 시작한 첫 번째 기둥이었습니다.

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기원: XNUMX악장과 예술가들

첫 번째 움직임을 나타내는 이미지

Fuente : 트위터

중요한 사건은 XNUMX세기에 발생하며 그 중 하나는 금세기 말에 시작되었습니다. 서구 문화는 산업 혁명과 기술 발전에 의해 좌우됩니다. 이것은 인구 증가에 영향을 미치고 의사 소통의 발전을 허용합니다. 대규모 산업은 신속한 생산을 가능하게 하여 결과적으로 제품의 장인적 가치가 완전히 떨어집니다.

이 갈등 이후에 어떤 해결책이 있을 수 있습니까? 글쎄, 영국에서 오늘날 우리가 운동으로 알고 있는 것은 예술 및 공예 에 의해 캡틴 윌리엄 모리스. 이 운동은 장인의 가치를 되살리기 위한 목적으로 시작되었습니다. 안타깝게도 그 목적은 달성되지 못했지만 당시 사회에서 자신들의 스타일과 시대적 갈등을 작품에 반영한다는 점을 인정했기 때문에 이 운동은 큰 주목을 받았습니다. 그리고 그렇게 모더니즘.

여기에서 우리는 모더니즘이 무엇인지, 그리고 무엇이 모더니즘을 그토록 특징짓는지 설명합니다.

모더니즘

퍼스트 아트 커런트

출처: Genial Culture

모더니즘이라고도 불리는 아르누보, XNUMX세기 후반과 XNUMX세기 초반에 등장했습니다. 그것은 당시의 가장 중요한 예술적 운동 중 하나로 간주되었으며 그 전환은 XNUMX차 세계 대전이 시작될 때까지 지속된 벨 에포크(Belle Epoque)라고도 합니다.

모더니스트들은 예술과 삶과 함께 살았고, 존 러스킨 그리고 유명한 윌리엄 모리스, 사실주의나 인상주의와 같은 운동의 선구자. 모더니스트는 다음과 같은 여러 특성을 충족합니다.

  • 그들은 작품을 향상시키기 위해 자연의 요소를 사용합니다.
  • 그들은 기술 발전 후 작업에 새로운 재료를 사용합니다.
  • 그들은 비대칭을 탐구하고 작품에서 그것을 나타냅니다.

모더니즘에서는 디자인과 예술의 세계에 매우 중요한 일련의 예술가들이 등장했습니다.

찰스 레니 맥킨토시

Charles Rennie는 1868년 스코틀랜드에서 태어난 유명한 건축가이자 디자이너입니다. 그의 작업에서 가장 많이 사용하는 것은 기하학적 도형과 직선 또는 오름차순입니다. 그의 가장 유명한 작품은 모란, 요새 및 안락의자입니다.

알폰스 무하

그는 체코의 화가이자 예술가였으며 아르누보의 가장 대표적인 예술가 중 한 명으로 간주됩니다. 플라워 스타일을 많이 사용하며 작품에서 여성을 칭찬하는 것이 특징이다. Zodiac, Chocolat Ideal 및 Job Cigars와 같은 작품이 두드러집니다.

피터 베렌스

Peter는 기업 아이덴티티, 포스터 및 서체 디자인으로 유명한 당시의 그래픽 디자이너 중 한 명이었습니다. 좀 더 기능적이고 깔끔한 디자인을 추구했기 때문에 그의 스타일은 매우 독특합니다. 그의 작품은 다음과 같습니다: 전기 차와 숲.

바우하우스 학교

XNUMX악장

출처: 매우 흥미롭다

XNUMX세기 이후, 세기 XX 그것은 1914년 제XNUMX차 세계 대전에 의해 결정되었습니다. 그 해에 바우하우스 학교는 바이마르(독일)에 설립되었습니다. 이 학교는 디자인, 예술 및 건축 세계에 많은 영향을 미쳤습니다. 이 학교를 형성한 많은 예술가들은 구성주의 운동에서 일어나 공부하기 시작했습니다. 형태, 재료, 구성, 공간 그리고 무엇보다 디자인에서 색상의 중요성.

바우하우스는 우리가 알고 있는 타이포그래피 계층 구조를 개발했습니다. 여기서 선, 막대, 점 또는 사각형을 사용하여 공간을 나누고 시청자의 주의를 집중시킵니다. 그 특징 중 일부는 다음과 같습니다.

  • 현대 소재(유리) 사용에 대한 관심
  • 건물의 입체파와 비대칭 경향
  • 그들은 형식에 단순함을 사용했습니다(적을수록 더 많음)
  • 유기적 미니멀리즘 경향

이 학교에 소속된 아티스트는 다음과 같습니다.

폴 클레

그는 XNUMX세기의 가장 영향력 있는 예술가 중 한 명으로 여겨지며 추상화 현상에 대한 작업으로 두드러지며 그의 작품 중에서는 고양이와 새, 성 및 태양이 두드러집니다.

칸딘스키

그는 표현주의, 추상화가이자 색채와 디자인의 위대한 대가였습니다. 컴포지션 에이트와 블루 라이더가 눈에 띈다.

허버트 바이엘

가로선과 세로선으로 작업한 다이내믹한 구도의 아티스트이자 지배자. 그의 작품 중에는 Articulated Wall과 Double Ascension이 있습니다.

모홀리 너지

Moholy는 사진과 타이포그래피에 더 집중했으며 Space Modulator와 같은 작품에서 두드러집니다.

아르데코(프랑스)

그래픽 디자인의 역사를 따르는 세 번째 단계

출처: Genial Culture

나머지 유럽 국가에서도 운동이 만들어졌습니다. 왔다 아르 데코, 모더니즘의 특성이 단순하고 직선. 

아르 데코는 1925년 파리에서 열린 Internacionale des Artes Decoratifs Et Industriels Modernes 박람회에서 널리 인정받았습니다. 이 스타일은 모더니즘과 바우하우스 학교에서 유래했습니다. 그것은 또한 선과 형태의 견고성과 경도에 많은 기여를 한 러시아 구성주의의 영향을 받았습니다.

아르 데코를 특징짓는 것은 그들이 당시의 기술 혁신에 부여한 중요성이며, 일부 작품에서는 고층 빌딩, 전기 조명, 라디오, 항공 등과 같은 요소가 나타납니다. 색상은 다음에서 비롯됩니다. 공산주의 그리고 그것은 많은 예술가들이 디자인한 잡지와 포스터에서 보여집니다.

다음과 같은 아르 데코 예술가:

장 칼루

그는 작품에서 수사학을 사용하고 그의 예술적 성격을 유지합니다. 그의 작품으로는 Le Gosse와 Cuisine Electrique가 있습니다.

카산드라

Cassandre는 프랑스의 포스터 예술가이자 디자이너였습니다. 그의 작품은 전쟁 사이의 XNUMX세기 예술적 아방가르드의 영향을 받았습니다. 그는 예술, 텍스트 및 이미지와 같은 요소를 결합하곤 했습니다. 그의 작품 중에는 Normandie와 Dubonnet이 있습니다.

30 년

그래픽 디자인의 30년대

출처: 하늘의 눈

이전에 우리가 디자인하는 일상의 일부인 요소에 대해 이야기했지만 글꼴 디자인이 언제부터 중요해지기 시작했는지 궁금해 한 적이 있습니까? 이전 게시물에서 우리는 라는 남자에 대해 언급했습니다. Gutemberg 그러나 모든 것이 거기에 머물지 않습니다. 타이포그래피에도 진화가 있었고 정확히 세기에 시작되었습니다. XX, 특히 30년대.

올 한 해는 역사적 사건을 경험하고 다양한 사회적, 정치적 이념으로 가득 찬 시간이었습니다. 이러한 이유로 미래파, 다다이즘, 초현실주의와 같은 운동이 등장했습니다. 올해의 글꼴은 다음과 같습니다. Futura 또는 Gill Sans. 

다음과 같은 타이포그래퍼 Lester Bell 또는 Herbert Mater.

유명한 전쟁 포스터

전쟁

출처: 추가

전쟁 충돌은 여러 개인이 서로 대면하는 일종의 전쟁으로 정의됩니다. 이 경우 우리가 이야기하려는 전쟁 충돌은 독일과 폴란드라는 두 국가에 직면했습니다. 이 전쟁은 1939년에 시작되었으며 우리가 XNUMX차 세계 대전으로 알고 있는 것을 촉발했습니다. 그것은 단순히 두 나라의 싸움이 아니라 서구인과 공산주의자의 대결이었다.

그리고 디자이너는 이번에 무엇을 했습니까? 글쎄, 그들 중 많은 사람들이 망명을 선택하는 반면 다른 더 용기 있는 사람들은 조국과 연합하기 위해 강화되었습니다. 그리고 전쟁 포스터가 이 모든 것과 무슨 관련이 있습니까? 이 포스터는 정부를 통합하도록 사회를 설득하고 동시에 조종합니다..

포스터는 많은 주제와 유형을 충족했지만 그 중 두드러진 점은 다음과 같습니다.

  • 이 포스터의 디자이너는 우리가 수사학이라고 부르는 것에 의지하고 함축적인 의사 소통 어조를 사용하여 사람들에게 호소했습니다. 감정과 감정
  • 그들은 이미지의 심리학을 사용하여 어렵고 잊기 어려운 이미지를 만들었습니다.
  • 그들은 이미지 앞에 텍스트를 배치했습니다. 즉, 텍스트는 독특한 헤드라인으로 인해 훨씬 ​​더 두드러졌습니다.
  • 대중의 관심을 끌기 위해 대담한 색상을 사용했습니다.
  • 그들의 주요 자원은 그래픽 라인이었고 다른 요소보다 중심 무대를 차지했습니다.
  • 러시아인은 포스터에 구성주의를 사용하여 정적 요소를 만들었습니다.

제XNUMX차 세계 대전에 속한 포스터들은 미학적으로 동일한 그래픽 라인과 특성을 이어갔다. 당시 더 큰 영향력을 끼쳤던 포스터 작가들 중에는 다음과 같은 것들이 눈에 띈다.

알렉산더 로드첸코

Alexander는 가장 대표적인 포스터 아티스트로 밝은 색상과 함께 기하학적 인물을 사용하는 것이 특징입니다. 그의 많은 작품은 그가 요소(텍스트-이미지)를 중첩하는 방식으로 인해 구성에서 움직임을 만듭니다.

그의 작품 중 일부는 다음과 같습니다. 불의 남자와 레체빅.

유럽의 50년대

디자인 역사의 50년대

출처: 후안 마치 재단

유럽, 특히 스위스에서 여러 운동이 만들어졌지만 가장 잘 알려진 것은 의심할 여지 없이 스위스 인터내셔널 스타일. 이 스타일은 50년대에 시작되어 70년대까지 지속되었습니다.

역사를 통틀어 만들어진 각각의 운동은 어떤 면에서는 다른 면보다 훨씬 더 큰 붐을 일으켰습니다. 이 경우 이 스타일은 혁명의 시작을 나타냅니다. 편집 디자인. 그리고 이 스타일의 특징은 무엇입니까?주요 특징 중 하나는 구성에서 비대칭을 통합할 수 있었다는 것입니다. 이는 타이포그래피 격자와 격자를 사용하여 달성되었습니다.

산세리프체의 사용과 이미지의 사용, 일러스트레이션의 거부도 특징이다. 이 스타일과 가장 잘 결합되는 측면은 다음과 같습니다.

  • sans serif 글꼴이 사용되는 작업의 특정 선명도, 가독성 및 객관성
  • 타이포그래피를 메인 요소로 표현

시간이 지남에 따라 제네바, 로잔 또는 취리히와 같은 도시에서 스위스 학교가 형성되었습니다.

이 운동을 가장 잘 대표하는 예술가는 다음과 같습니다. 테오 발머, 에밀 루더, 맥스 빌.

미국의 50년대

미국 디자인 역사의 50년대

출처: 베타아카이브

지금까지 우리는 유럽이 예술과 디자인의 세계에서 가장 중요한 요람 중 하나라고 결론지었습니다. 그러나 이야기는 여기서 끝나지 않습니다. 미국은 전쟁과 정치 시대에 위대한 세계 강국으로 여겨졌습니다. 이 과정은 세기 중반에 시작됩니다. XX.

미국 디자이너들은 유럽/스위스 스타일에서 탈피하는 것을 목표로 했고, 훨씬 더 창의적이고 비공식적인 자신만의 스타일을 만들었습니다. 이것이 우리가 태어난 것으로 이해하는 방법입니다. 미국 그래픽 표현주의 학교. 

이 학교는 미국인들이 디자인에 표현한 예술적 영향을 요약한 것입니다. 그래픽 라인이 풀어지고 정적이고 도덕적이지 않은 훨씬 더 대표적인 디자인. 그들이 사용한 색상은 인상적이었고 시청자를 침범하여 메시지를 안내했습니다. 글꼴은 덜 기하학적이었고 그림과 함께 연주되었습니다.

이것이 최초의 예술적 기법이 시작된 방법입니다.

팝 아트

팝아트는 50년대 후반에 소개되기 시작했고 그 대표자는 앤디 워홀, 비록 예술가와 같은 로이 폭스와 재스퍼 존스. 이 스타일의 주요 목적은 그래픽 개념을 통해 당시의 소비자 사회, 기술 발전 및 발전, 유명인으로 가득 찬 피상적인 문화에 대한 주장을 나타내는 것이었습니다.

다음과 같은 기능을 찾습니다.

  • 대담한 색상과 인기 있는 이미지
  • 만화의 형태로 표현된 그래픽 리소스
  • 반복되는 패턴

사이키 델리아

사이키델리아는 XNUMX년대 중반에 열매를 맺기 시작한 예술적 기법이었습니다. 60 미국에서. 그것은 모더니즘과 아르누보의 영향을 많이 받았습니다. 많은 전쟁과 사회적, 경제적, 정치적 갈등을 겪은 후 많은 예술가들은 인간의 내면을 표현하는 스타일을 만들어야 할 필요성을 느꼈습니다.

다음과 같은 특징이 있습니다.

  • 추상적인 그림과 완전히 변형된 글꼴 사용
  • 약물의 환각 효과를 불러일으키는 XNUMX차원 효과
  • 사회 운동(히피족)에서 오는 눈에 띄는 색상

50~60년대 아티스트 등 사울 베이스와 폴 랜드. 

유럽의 60~70년대 디자인

유럽 ​​디자인의 60년대와 70년대

출처: 바탕 화면 팁

유럽의 60년대와 70년대는 유명한 냉전. 냉전은 미국과 소련과 같은 국가 간의 대결을 촉발했습니다. 이로 인해 폴란드를 비롯한 많은 국가가 독립하기 시작했습니다.

독립은 사회적, 정치적 문제를 야기했을 뿐만 아니라 많은 예술가들이 자신만의 스타일을 만들기 시작했습니다. 초현실주의와 예술적 개념 «콜라주»에서 파생된 스타일입니다. 그러나 요점으로 가보자. 지난 XNUMX년 동안 가장 두드러진 나라는 영국이었다. 그곳에서는 개인의 해방감이 일어나고, 풋내기.

그래서 영국식 스타일은 작가가 디자인한 포스터의 손에서 나왔다. 제이미 리드. 그의 포스터는 펑크 무브먼트에 의해 움직이며 이러한 방식으로 강렬하고 활기찬 색상으로 가득 찬 그래픽 요소를 생성하며 그는 밴드의 참가자였습니다. 섹스 피스톨즈 그의 많은 앨범 표지를 디자인하기 위해.

미국에서의 디자인(60년대와 70년대)

60~70년대 아메리칸 스타일

출처: 국가

미국의 60년대와 70년대에는 표현주의가 매우 중요시되고 다음과 같은 다른 자원을 어떻게 사용할 것인지가 선택되는 새로운 예술가들이 등장합니다. 사진 또는 인포그래픽. 가장 대표적인 예술가 중 한 명이 밀턴 글레이저.

밀턴 글레이저

1929년 뉴욕에서 태어난 이 작가는 브랜딩, 사설 디자인, 포스터 디자인, 인테리어 디자인, 일러스트레이션 등의 영역을 다루었습니다.

1966년 그는 당시 그래픽 디자인의 가장 대표적인 작품 중 하나인 가수의 앨범 중 하나에서 파생된 포스터를 만들었습니다. 밥 딜런. 몇 년 후 그는 가장 유명한 프로젝트 중 하나와 함께 New York 잡지를 디자인했습니다. 나는 뉴욕을 사랑합니다.

그래픽 디자인의 80년대

80년대 그래픽 디자인

출처 : Behance

80년대의 XNUMX년은 기술적 진보. 이를 통해 많은 예술가와 디자이너는 그래픽 분야에서 작업을 용이하게 하는 일련의 프로그램을 마음대로 사용할 수 있었습니다. 우리가 디지털 시대로 알고 있는 것이 구도에 대한 연구로 가득 차고 새로운 사진 및 타이포그래피 기술이 등장했습니다.

가장 대표적인 예술가 중 한 명이 볼프강 바잉가르트.

볼프강 바인가르트

그는 80년대의 전형적인 타이포그래피 아티스트 중 한 명으로, 그의 디자인은 스위스 스타일의 영향을 받았으며 많은 예술가들에게 영감의 원천이 되었습니다. 그의 가장 잘 알려진 작품 중에는 Typography 2가 있습니다.

현대 사회의 그래픽 디자인

이제 그래픽 디자인의 역사에 대해 조금 더 알게 되었습니다. 모든 진화는 우리 디자인에서 매일 계속된다는 것을 알아야 합니다. 기업의 아이덴티티를 디자인할 때, 포스터, 잡지 표지를 디자인할 때나 사진을 찍고 그림을 그릴 때에도 우리는 이미 자신의 역사를 쓰고 흔적을 남긴 예술가들에게서 영감을 받아야 합니다. 

XNUMX세기 디자인의 진화는 아직 알 수 없지만, 우리가 말했던 모든 예술적 기법과 움직임으로 구성될 것이라고 확신하며, 그 덕분에 확실히 새로운 아이디어와 창조가 이루어질 것입니다. 알려지다.

결론

누구나 인생의 어느 시점에서 디자인할 때 처음부터 개념을 만들고 그 개념이 우리의 기원이자 진화입니다.

이러한 이유로 역사는 일련의 사건뿐만 아니라 진화와 개인의 성장으로 정의됩니다. 계속해서 그래픽 디자인의 역사를 탐구하고 더 많이 배우도록 초대합니다.

그건 그렇고, 당신은 이미 당신의 글을 썼습니까?


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