Milton Glaser en zijn liefde voor New York

Vandaag brengen we degene die ongetwijfeld een van de groten is ontwerpers aller tijden, een van degenen die het concept van visuele kunst hebben uitgevonden binnen wat we nu grafische kunst noemen en de persoon die het meeste heeft gedaan voor de bekendheid van zijn geboorteplaats. Het is een plezier om over te praten Milton glaser en zijn liefde voor NYHet werk van Milton Glaser wordt permanent tentoongesteld in het MOMA (Museum of Modern Art in New York), het Israel Museum (Jeruzalem) en het Smithsonian Institute (Washington, DC). Glaser's werk is sterk gebaseerd op eenvoud, direct, eenvoudig en origineel, zijn werk heeft een grote visuele en conceptuele rijkdom. We kunnen zeggen dat de Grote Milton een van de grootste vertegenwoordigers was van de term "commerciële kunst".

Nacido en NY In 1929 studeerde hij aan de High School of Music and Art en de Cooper Union Art School, die hij voltooide aan de Academie voor Schone Kunsten van Bologna met de schilder Giorgio Morandi, dankzij een Fulbright-beurs, is de maker van ontwerpen die voor ons allemaal super bekend zijn, zoals het New York City-logo, I Love NY, het DC Comics-logo, de psychedelische poster die hij in 1966 voor Bob Dylan maakte ( een van de bekendste afbeeldingen uit de jaren 60 en 70 en wordt beschouwd als een van de meest iconische werken van Amerikaans design), oprichter van het tijdschrift New York Magazine in 1968 met Clay Felker en was de directeur van ontwerp tot 1977, en is dat het goed van Milton is en is zeer aanwezig in de cultuur van ontwerp Amerikaanse van de vorige eeuw op meer dan één en verschillende manieren. Glaser is de voorloper van de figuur van de Artist Designer die we in eerdere berichten hebben gezien en hoe het kan zijn Gehoorzaam Nicholas en de geesten.

In de uitgeverswereld en de pers, samen met zijn partner Walter bernard Ik creëer de WBMG-ontwerpstudio en werk aan het herontwerp van kranten zoals La Vanguardia, The Washington Post en O Globo, of Hij gaf adviesbureaus over redactioneel ontwerp aan tijdschriften als Paris Macht, L'Express, Esquire, L'Europeo, The Washington Post Magazine of the Village Voice. 

  Milton Glaser heeft zich niet beperkt tot ontwerpen, maar heeft ook een groot deel van zijn leven besteed aan het trainen in de New York School of Visual ArtsDaarnaast is hij lid van de Art Director's Club Hall of Fame en het American Institute of Graphic Arts (AIGA).

 Als je voor een baan komt te staan, is de vraag vaak: met wie praat ik? Wie zijn deze mensen? Hoe zullen ze dat weten? Wat zijn uw vooroordelen? Wat zijn je verwachtingen? Wij moeten niet laat ons geleid door onze stijl en persoonlijke smaak, het belangrijkste is om te communiceren, de stijl moet weggelaten worden, nadenken over wat de rol van de ontwerper is.

Zijn decaloog over ontwerp en leven is bekend, hier laat ik het in zijn eigen hand uitgelegd:

 1. Je kunt alleen werken voor mensen die je leuk vindt.

 Het is een merkwaardige regel die me veel tijd kostte om te leren, omdat ik in feite aan het begin van mijn training het tegenovergestelde voelde. Om een ​​professional te zijn, moest je de mensen voor wie je werkte niet bijzonder aardig vinden, of in ieder geval een verre relatie onderhouden, wat betekende dat er geen lunch met klanten of sociale ontmoetingen was. Enkele jaren geleden realiseerde ik me dat het tegenovergestelde waar was. Ik ontdekte dat al het waardevolle en zinvolle werk dat ik had gemaakt voortkwam uit liefdevolle relaties met klanten. Ik heb het niet over professionaliteit; Ik heb het over genegenheid. Ik heb het over het delen van enkele gemeenschappelijke principes met de klant. Dat in feite jouw levensvisie congruent is met die van de cliënt. Anders is de strijd bitter en hopeloos.

 Op een avond zat ik in mijn auto buiten Columbia University, waar mijn vrouw Shirley antropologie studeerde. Terwijl ik wachtte, luisterde ik naar de radio en ik hoorde een verslaggever vragen: "Nu je XNUMX bent, heb je advies voor ons publiek over hoe ze zich kunnen voorbereiden op de ouderdom?" Een geïrriteerde stem zei: 'Waarom vraagt ​​iedereen me de laatste tijd naar ouderdom?' Ik herkende de stem van John Cage. Ik weet zeker dat velen van jullie weten wie hij was - de componist en filosoof die onder meer Jasper Johns en Merce Cunningham en de muziekwereld in het algemeen heeft beïnvloed. Ik kende hem nauwelijks en bewonderde zijn bijdrage aan onze tijd. 'Weet je, ik weet niet hoe ik me op de ouderdom moet voorbereiden,' zei hij. “Ik heb nooit een baan gehad, want als je een baan hebt, zal iemand die ooit van je afnemen en dan ben je niet klaar voor de oude dag. Voor mij is het sinds mijn twaalfde elke dag hetzelfde geweest. Ik word 's ochtends wakker en probeer een idee te krijgen hoe ik vandaag brood op tafel kan zetten. Het is hetzelfde om vijfenzeventig: ik word elke ochtend wakker en bedenk hoe ik vandaag brood op tafel ga leggen. Ik ben uitstekend voorbereid op de ouderdom.

 (Dit is een deel van punt 1) In de jaren zestig was er een man genaamd Fritz Perls die een Gestaltpsycholoog was. Gestalttherapie, ontleend aan de geschiedenis van de kunst, stelt voor dat je het 'geheel' moet begrijpen voor de details. Waar je op moet letten, is de hele cultuur, het hele gezin en de gemeenschap, enz. Perls stelde voor dat mensen in alle relaties zowel giftig als verrijkend voor elkaar kunnen zijn. Het is niet noodzakelijk waar dat dezelfde persoon giftig of verrijkend zal zijn in al zijn relaties, maar de combinatie van twee mensen kan giftige of verrijkende gevolgen hebben. En het belangrijkste dat ik kan zeggen is dat er een is proef om te bepalen of iemand giftig of verrijkend is in zijn relatie met jou. Hier gaat de proef: Je moet wat tijd met de persoon doorbrengen, of het nu gaat om een ​​drankje, een etentje of een sportwedstrijd. Het maakt niet zoveel uit, maar kijk uiteindelijk of je je meer of minder energiek voelt, of je moe bent of sterker wordt. Als je meer moe bent, ben je vergiftigd. Als je meer energie hebt, ben je verrijkt. De proef het is bijna onfeilbaar en ik raad aan het een leven lang te gebruiken.

 Toen ik mijn carrière begon, wilde ik professional worden. Dat was mijn ambitie, want de professionals leken alles te weten - om nog maar te zwijgen van het feit dat ze er ook voor betaald worden. Later, na een tijdje werken, ontdekte ik dat professionaliteit zelf beperkend was. Wat professionaliteit in de meeste gevallen betekent, is immers 'risicovermindering'. Dus als u uw auto wilt repareren, gaat u naar een monteur die weet hoe hij het probleem dat u heeft moet oplossen. Ik denk dat als je een hersenoperatie nodig hebt, je geen domme dokter wilt hebben die een nieuwe manier bedenkt om je zenuwuiteinden te verbinden. Doe het alsjeblieft zoals het in het verleden goed heeft gewerkt.

Helaas is ons vakgebied, het zogenaamde creatieve (ik haat dat woord omdat het vaak wordt misbruikt, ik haat het feit dat het als zelfstandig naamwoord wordt gebruikt, kun je je voorstellen dat je iemand creatief noemt?), Wanneer je iets op een terugkerende basis doet om risico's verkleinen of je doet het op dezelfde manier als voorheen, dan wordt duidelijk waarom professionaliteit niet genoeg is. Per slot van rekening is wat er in ons vakgebied vereist is, meer dan wat dan ook, voortdurende overtreding. Professionaliteit leidt niet tot overtreding omdat het de mogelijkheid van fouten inhoudt, en als u een professional bent, dicteert uw instinct niet om te falen, maar om succes te herhalen. Professionaliteit als levensaspiratie is dus een beperkt doel.

 Als zoon van het modernisme hoorde ik dit mantra mijn hele leven: "less is more." Op een ochtend, voordat ik opstond, besefte ik dat het totale onzin was, een absurde en nogal lege zaak. Maar het klinkt belangrijk omdat het een paradox bevat die bestand is tegen de rede. Het werkt echter niet als we nadenken over de visuele geschiedenis van de wereld. Als je naar een Perzisch tapijt kijkt, kun je niet zeggen dat minder meer is, omdat je je realiseert dat elk onderdeel van dat tapijt, elke verandering in kleur, elke verandering in vorm absoluut essentieel is voor zijn esthetische kwaliteit. Er is geen manier om te bewijzen dat een glad vloerkleed superieur is. Hetzelfde geldt voor Gaudí's werk, de Perzische miniaturen, de Art Nouveau En veel andere dingen. Ik heb een alternatieve stelregel waarvan ik denk dat die geschikter is: “genoeg is meer.

 Ik denk dat dit idee voor het eerst bij me opkwam toen ik naar een prachtige aquarel van een stier van Picasso keek. Het was een illustratie voor een kort verhaal van Balzac genaamd "The Unknown Masterpiece." Het is een stier uitgedrukt in twaalf verschillende stijlen, van een heel naturalistische versie tot een abstractie teruggebracht tot een simpele lijn, met alle stappen ertussenin. Wat duidelijk naar voren komt uit het kijken naar deze print, is dat stijl niet relevant is. In elk van die gevallen, van extreme abstractie tot getrouw naturalisme, zijn ze allemaal buitengewoon buiten stijl. Het is absurd om trouw te zijn aan één stijl. Het verdient uw loyaliteit niet. Ik moet zeggen dat het voor oude ontwerpprofessionals een probleem is, omdat het vak meer dan ooit wordt gedreven door economische belangen. De stijlverandering is meestal gekoppeld aan economische factoren, zoals iedereen die Marx leest weet. Vermoeidheid treedt ook op als mensen de hele tijd te veel van hetzelfde zien. Dus elke tien jaar is er een stilistische verandering en worden de dingen anders. De lettertypen komen en gaan en het visuele systeem verandert een beetje. Als je jarenlang als ontwerper hebt gewerkt, heb je het essentiële probleem wat je moet doen. Ik bedoel, je hebt tenslotte een vocabulaire ontwikkeld, een vorm die je eigen is. Het is een van de manieren om u te onderscheiden van uw leeftijdsgenoten en uw identiteit vast te stellen op het gebied van design. Het behouden van uw overtuigingen en voorkeuren wordt een evenwichtsoefening. De twijfel tussen het nastreven van verandering of het behouden van uw eigen onderscheidende vorm wordt ingewikkeld. We hebben allemaal gevallen bekend van illustere doktoren wier werk plotseling uit de mode raakte of, beter gezegd, in de tijd bleef steken. En er zijn trieste verhalen zoals die van Casandre, onbetwistbaar de grootste grafisch ontwerper van de 20e eeuw, die in zijn laatste jaren niet de kost kon verdienen en zelfmoord pleegde.

 De hersenen zijn het meest actieve orgaan in het lichaam. In feite is het het orgaan dat het meest vatbaar is voor verandering en regeneratie van alle organen. Ik heb een vriend genaamd Gerard Edelman, een groot wetenschapper in hersenstudies, die zegt dat de analogie van de hersenen met de computer ongelukkig is. De hersenen zijn meer een wilde tuin die constant groeit en zaden verspreidt, regenereert, enz. En hij gelooft dat de hersenen vatbaar zijn - op een manier waarvan we ons niet volledig bewust zijn - voor elke ervaring en ontmoeting die we in ons leven hebben.

Ik denk ook dat tekenen op dezelfde manier werkt. Ik ben een groot voorstander van tekenen, niet omdat ik illustrator werd, maar omdat ik geloof dat tekenen de hersenen op dezelfde manier verandert als het vinden van de juiste noot het leven van een violist verandert. Tekenen maakt je attent, het zorgt ervoor dat je aandacht besteedt aan wat je ziet, wat niet zo gemakkelijk is.

 Iedereen heeft het altijd over zelfverzekerd zijn, geloven in wat je doet. Ik herinner me een keer in de yogales dat de leraar zei dat, spiritueel gesproken, als je gelooft dat je de verlichting hebt bereikt, je net je grenzen hebt bereikt. Ik denk dat het in praktische zin waar is. Diepgewortelde overtuigingen van welke aard dan ook weerhouden je ervan open te staan ​​voor experimenten, en daarom vind ik elk stevig vastgehouden ideologisch standpunt twijfelachtig. Het maakt me zenuwachtig als iemand ergens teveel in gelooft. Sceptisch zijn en lang gekoesterde overtuigingen in twijfel trekken is essentieel. Natuurlijk moet men duidelijk zijn over het verschil tussen scepsis en cynisme, want cynisme is net zo beperkend voor iemands openheid voor de wereld als hartstochtelijke overtuigingen: ze zijn als een tweeling. Uiteindelijk is het oplossen van elk probleem belangrijker dan gelijk hebben. Zowel in de wereld van kunst als in design heerst een gevoel van zelfredzaamheid. Misschien begint het op school. Kunstacademies beginnen vaak met het unieke persoonlijkheidsmodel van Ayn Rand en verzetten zich tegen de ideeën van de omringende cultuur. De theorie van de avant-garde is dat je als individu de wereld kunt transformeren, wat tot op zekere hoogte waar is. Een van de tekenen van een beschadigd ego is absolute zekerheid.

Scholen moedigen het idee aan om geen compromissen te sluiten en uw werk ten koste van alles te verdedigen. Het punt is dat het onze taak is om tot overeenstemming te komen. Je moet gewoon weten waar je een compromis moet sluiten. Het blind najagen van jezelf eindigt ten koste van het uitsluiten van de mogelijkheid dat anderen gelijk hebben, houdt geen rekening met het feit dat we bij ontwerp altijd met een drietal te maken hebben: de opdrachtgever, het publiek en jezelf. Idealiter winnen alle partijen door een of andere vorm van onderhandeling, maar zelfredzaamheid is vaak de vijand. Narcisme komt over het algemeen voort uit een of ander trauma uit de kindertijd dat niet verdiept mag worden. Dit is een heel moeilijk aspect van menselijke relaties. Enkele jaren geleden las ik iets heel opmerkelijks over liefde, dat ook van toepassing is op de aard van de relatie met anderen. Het was een citaat van Iris Murdoch in haar overlijdensbericht. Hij zei: "Liefde is het buitengewoon moeilijke feit om te beseffen dat de ander, die niet de een is, echt is." Is het niet fantastisch ?! De beste conclusie over het onderwerp liefde die u zich kunt voorstellen.

 Vorig jaar gaf iemand me voor mijn verjaardag een mooi boek van Roger Rosenblatt genaamd «Sierlijk ouder worden»(Gracieus ouder worden). Ik wist de titel toen niet, maar er staan ​​een aantal regels in om gracieus ouder te worden. De eerste regel is de beste: 'Het maakt niet uit. Het maakt niet uit wat je denkt. Volg deze regel en je voegt decennia toe aan je leven. Het maakt niet uit of het vroeg of laat is, of je hier of daar bent, of je het nu hebt gezegd of niet, of je slim of dom bent. Als je er onverzorgd of kaal uitziet of als je baas boos naar je kijkt of als je vriend of vriendin je pissig aankijkt, als je pissig bent. Of je die promotie, prijs of huis nu wel of niet krijgt, het maakt niet uit. " Wijsheid eindelijk. Toen hoorde ik een prachtig verhaal dat verband leek te houden met regel nummer tien: op een ochtend opende een slager zijn zaak en terwijl hij dat deed, stak een konijn zijn kop door de deur. De slager was verrast toen het konijn vroeg: 'Heb je kool?' De slager zei: "Dit is een slagerij, we verkopen vlees, geen groenten." Het konijn huppelde weg. De volgende dag opende de slager zijn zaak en het konijn stak zijn kop naar voren en vroeg: 'Heb je kool?' De nu boze slager antwoordde: "Luister naar me, klein knaagdier, ik heb je gisteren verteld dat we vlees verkopen, geen groenten, en de volgende keer dat je hier komt, zal ik je bij je nek grijpen en die slappe oren aan de grond spijkeren." Het konijn verdween abrupt en er gebeurde een week lang niets. Op een ochtend stak het konijn zijn kop uit de hoek en vroeg: "Heb je spijkers?" De slager zei: "Nee." Toen zei het konijn: 'Er zit kool in.'

Het verhaal van het konijn is belangrijk omdat ik bedacht dat het zoeken naar kool in een slagerij hetzelfde zou zijn als het zoeken naar ethiek op het gebied van design. Het lijkt ook niet de beste plek om het te vinden. Het is interessant op te merken dat in de nieuwe AIGA-ethische code (Amerikaans instituut voor grafische kunsten) Er is veel informatie over het gedrag naar klanten en naar andere ontwerpers, maar er is geen woord over de relatie van de ontwerper met het publiek. Van de slager wordt verwacht dat hij eetbaar vlees verkoopt en geen misleidende handelswaar. Ik herinner me dat ik las dat tijdens de Stalin-jaren in Rusland alles wat als "rundvlees" werd bestempeld, eigenlijk kip was. Ik wil me niet voorstellen wat "kip" werd genoemd. We kunnen een minimaal niveau van misleiding accepteren, zoals voorgelogen worden over het vetgehalte van hun hamburgers, maar als de slager ons rot vlees verkoopt, gaan we ergens anders heen. Hebben we als ontwerpers minder verantwoordelijkheid tegenover ons publiek dan een slager? Iedereen die geïnteresseerd is in het registreren van grafisch ontwerp, moet er rekening mee houden dat de grondgedachte achter een kentekenplaat is om het publiek te beschermen, niet de ontwerpers of de klanten. "Doe geen kwaad" is een waarschuwing aan artsen die te maken heeft met hun relatie met hun patiënten, niet met hun collega's of met de laboratoria. Als we waren ingeschreven, zou het vertellen van de waarheid belangrijker worden in ons bedrijf.

 Meer informatie - Gehoorzaam Nicholas en de geesten