Milton Glaser og hans kjærlighet til New York

I dag bringer vi den som utvilsomt er en av de store designere gjennom tidene, en av dem som oppfant begrepet visuell kunst innenfor det vi nå kaller grafisk kunst og den personen som har gjort mest for berømmelsen av hjembyen. Det er en glede å snakke om Milton glaser og hans kjærlighet til NYMilton Glasers verk vises permanent på MOMA (Museum of Modern Art i New York), Israel Museum (Jerusalem) og Smithsonian Institute (Washington, DC). Glaser's arbeid er veldig basert på enkelhet, er direkte, enkelt og originalt, og hans arbeid har en stor visuell og konseptuell rikdom. Vi kan si at Great Milton var en av de største representantene for begrepet "Commercial Art".

Født i NY I 1929 studerte han ved High School of Music and Art og ved Cooper Union Art School, opplæring han fullførte ved Kunstakademiet i Bologna med maleren Giorgio Moranditakket være et Fulbright-stipend, er skaperen av design som er superkjente for oss alle som New York City-logoen, I Love NY, DC Comics-logoen, den psykedeliske plakaten han laget til Bob Dylan i 1966 ( et av de mest kjente bildene på 60- og 70-tallet og ansett som et av de mest ikoniske verkene av amerikansk design), grunnlegger av bladet New York Magazine i 1968 med Clay Felker og var direktør for utforming fram til 1977, og er det til gode for Milton har vært og er veldig til stede i kulturen i utforming Amerikansk forrige århundre på mer enn en og variert måte. Glaser er forløperen for figuren til Artist Designer som vi har sett i tidligere innlegg, og hvordan det kan være Obery nicolas og spøkelsene.

I forlagsverden og pressen, sammen med sin partner Walter bernard Jeg oppretter WBMG designstudio og jobber med redesign av aviser som La Vanguardia, The Washington Post og O Globo, eller Han ga konsulentbyråer om Editorial Design til magasiner som Paris Macht, L'Express, Esquire, L'Europeo, The Washington Post Magazine eller Village Voice. 

  Milton Glaser har ikke begrenset seg til å designe, men har også brukt mye av livet sitt på å trene i New York School of Visual ArtsI tillegg er han medlem av Art Director's Club Hall of Fame og American Institute of Graphic Arts (AIGA).

 Når man møter en jobb, er spørsmålet ofte: Hvem snakker jeg med? Hvem er disse folkene? Hvordan vil de vite det? Hva er dine fordommer? Hva er forventningene dine? Vi må ikke la oss ledet av vår stil og personlige smak, er det viktige å kommunisere, stilen må utelates, reflektere over hvilken rolle designeren er.

Hans dekalog om design og liv er velkjent, her lar jeg det forklares i hans egen hånd:

 1. Du kan bare jobbe for folk du liker.

 Det er en merkelig regel som tok meg lang tid å lære, fordi jeg faktisk følte det motsatte i begynnelsen av min praksis. Å være profesjonell krevde at du ikke spesielt likte menneskene du jobbet for, eller i det minste opprettholde et fjernt forhold, noe som ikke betydde lunsj med klienter eller sosiale møter. For noen år siden innså jeg at det motsatte var sant. Jeg oppdaget at alt det verdifulle og meningsfylte arbeidet jeg hadde produsert, kom fra omsorgsfulle relasjoner med klienter. Jeg snakker ikke om profesjonalitet; Jeg snakker om kjærlighet. Jeg snakker om å dele noen vanlige prinsipper med klienten. At faktisk din visjon om livet stemmer overens med klientens. Ellers er kampen bitter og håpløs.

 En natt satt jeg i bilen min utenfor Columbia University, hvor min kone Shirley studerte antropologi. Mens jeg ventet lyttet jeg til radioen og jeg hørte en reporter spør: "Nå som du har nådd syttifem, har du noen råd til publikum om å forberede oss på alderdommen?" En irritert stemme sa: "Hvorfor spør alle meg om alderdom i det siste?" Jeg kjente igjen John Cages stemme. Jeg er sikker på at mange av dere vet hvem han var - komponisten og filosofen som påvirket slike som Jasper Johns og Merce Cunningham og musikkverdenen generelt. Jeg kjente ham knapt og beundret hans bidrag til vår tid. "Du vet, jeg vet ikke hvordan jeg skal forberede meg på alderdommen," sa han. “Jeg hadde aldri en jobb, for hvis du har en jobb, vil noen en gang ta den ut av deg, og da vil du ikke være klar for alderdommen. For meg har det vært det samme hver dag siden jeg var tolv. Jeg våkner om morgenen og prøver å få en idé om hvordan jeg skal legge brød på bordet i dag. Det er det samme på syttifem: Jeg står opp hver morgen og tenker på hvordan jeg skal legge brød på bordet i dag. Jeg er utmerket godt forberedt på alderdommen.

 (Dette er en del av punkt 1) På sekstitallet var det en mann ved navn Fritz Perls som var gestaltpsykolog. Gestaltterapi, avledet fra kunsthistorie, foreslår at du må forstå "helheten" før detaljene. Det du må observere er hele kulturen, hele familien og samfunnet osv. Perls foreslo at mennesker i alle forhold kan være både giftige og berikende for hverandre. Det er ikke nødvendigvis sant at den samme personen vil være giftig eller berikende i alle deres forhold, men kombinasjonen av to personer kan gi giftige eller berikende konsekvenser. Og det viktige jeg kan fortelle er at det er en test for å avgjøre om noen er giftige eller berikende i forholdet til deg. Her går test: Du må tilbringe litt tid med personen, enten det er å ta en drink, gå på middag eller å se et sportsspill. Det betyr ikke noe for mye, men til slutt se om du føler deg mer eller mindre energisk, om du er sliten eller om du er styrket. Hvis du er mer sliten, så har du blitt forgiftet. Hvis du har mer energi, har du blitt beriket. De test den er nesten idiotsikker, og jeg foreslår at du bruker den i en mannsalder.

 Da jeg startet karrieren min, ønsket jeg å bli profesjonell. Det var min ambisjon fordi fagfolk så ut til å vite alt - for ikke å nevne at de også får betalt for det. Senere, etter å ha jobbet en stund, oppdaget jeg at profesjonaliteten i seg selv var begrensende. Tross alt, hva profesjonalitet betyr i de fleste tilfeller er "risikoreduksjon." Så hvis du vil fikse bilen din, går du til en mekaniker som vet hvordan du skal takle problemet du har. Jeg antar at hvis du trenger hjernekirurgi, vil du ikke ha en dum lege som oppfinner en ny måte å koble nerveendene dine på. Vennligst gjør det slik det har fungert bra tidligere.

Dessverre er vårt felt, den såkalte kreative (jeg hater det ordet fordi det ofte blir misbrukt, jeg hater det faktum at det brukes som et substantiv, kan du forestille deg å kalle noen kreative?), Når du gjør noe på en gjenganger for å redusere risikoen eller du gjør det på samme måte som du har gjort det før, blir det klart hvorfor profesjonalitet ikke er nok. Tross alt, det som kreves i vårt felt, mer enn noe annet, er kontinuerlig overtredelse. Profesjonalitet fører ikke til overtredelse fordi det inkluderer muligheten for feil, og hvis du er profesjonell, tilsier instinktet ikke å mislykkes, men å gjenta suksess. Så profesjonalitet som en livsaspirasjon er et begrenset mål.

 Å være en sønn av modernismen hørte jeg dette mantra hele livet: "mindre er mer." En morgen før jeg reiste meg, skjønte jeg at det var totalt tull, en absurd og ganske tom virksomhet. Men det høres viktig ut fordi det inneholder et paradoks motstandsdyktig mot fornuft. Imidlertid fungerer det ikke når vi tenker på verdens visuelle historie. Hvis du ser på et persisk teppe, kan du ikke si at mindre er mer fordi du innser at hver del av det teppet, enhver endring i farge, enhver endring i form er helt avgjørende for dets estetiske kvalitet. Det er ingen måte å bevise at et glatt teppe er overlegen. Det samme med Gaudís arbeid, de persiske miniatyrene, art nouveau og mange andre ting. Jeg har en alternativ maksimum som jeg synes er mer passende: “nok er mer.

 Jeg tror denne ideen først kom opp for meg da jeg så på en fantastisk akvarell av en okse av Picasso. Det var en illustrasjon for en novelle av Balzac kalt "Det ukjente mesterverket." Det er en okse uttrykt i tolv forskjellige stiler, fra en veldig naturalistisk versjon til en abstraksjon redusert til en enkel linje, med alle trinnene i mellom. Det som fremgår tydelig av å se på denne utskriften, er at stilen er irrelevant. I hvert av disse tilfellene, fra ekstrem abstraksjon til trofast naturalisme, er alle ekstraordinære utenfor stil. Det er absurd å være lojal mot en stil. Det fortjener ikke din lojalitet. Jeg må si at for gamle designfagfolk er det et problem, fordi feltet drives mer enn noensinne av økonomiske interesser. Stilendringen er vanligvis knyttet til økonomiske faktorer, som alle som leser Marx vet. Tretthet oppstår også når folk ser for mye av det samme hele tiden. Så hvert tiende år er det en stilistisk forandring, og ting blir forskjellige. Fontene kommer og går, og det visuelle systemet endres litt. Hvis du har mange års arbeid som designer, har du det viktigste problemet med hva du skal gjøre. Jeg mener tross alt, du har utviklet et ordforråd, en form som er din egen. Det er en av måtene å skille deg ut fra jevnaldrende og etablere din identitet innen designfeltet. Å opprettholde din tro og preferanser blir en balansegang. Tvilen mellom å forfølge endring eller opprettholde din egen særegne form blir komplisert. Vi har alle kjente tilfeller av berømte leger hvis arbeid plutselig gikk ut av stil eller, nærmere bestemt, fast i tiden. Og det er triste historier som Casandre, utvilsomt den største grafiske designeren på 20-tallet av det XNUMX. århundre, som ikke kunne tjene til livets opphold de siste årene og begikk selvmord.

 Hjernen er det mest aktive organet i kroppen. Faktisk er det det organet som er mest utsatt for endring og regenerering av alle organer. Jeg har en venn som heter Gerard Edelman, som er en god lærd i hjernestudier, som sier at analogien til hjernen til datamaskinen er uheldig. Hjernen er mer som en vill hage som stadig vokser og sprer frø, regenererer osv. Og han mener at hjernen er utsatt - på en måte som vi ikke er helt klar over - for enhver opplevelse og møte som vi har i livet vårt.

Jeg tror også at tegningen fungerer på samme måte. Jeg er en stor forkjemper for tegning, ikke fordi jeg ble illustratør, men fordi jeg tror at tegning endrer hjernen på samme måte som å finne den rette tonen endrer livet til en fiolinist. Tegning gjør deg oppmerksom, det gjør at du tar hensyn til det du ser, noe som ikke er så lett.

 Alle snakker alltid om å være trygg, tro på det du gjør. Jeg husker en gang i yogaklassen, sa læreren at hvis du tror at du har nådd opplysning, så har du nettopp nådd dine grenser. Jeg tror det er sant i praktisk forstand. Dypt holdte overbevisninger av noe slag hindrer deg i å åpne opp for å eksperimentere, og det er derfor jeg synes at enhver fastholdt ideologisk posisjon er tvilsom. Det gjør meg nervøs når noen tror for mye på noe. Å være skeptisk og stille spørsmål ved langvarige overbevisninger er viktig. Selvfølgelig må man være tydelig på forskjellen mellom skepsis og kynisme, fordi kynisme er like begrensende for ens åpenhet for verden som lidenskapelig overbevisning: de er som tvillinger. Til slutt er det viktigere å løse ethvert problem enn å ha rett. Det er en følelse av selvforsyning i både verden av kunst og design. Kanskje det begynner på skolen. Kunstskoler begynner ofte med Ayn Rands unike personlighetsmodell, og motstår ideene til den omkringliggende kulturen. Teorien om avantgarde er at du som individ kan transformere verden, noe som er sant opp til et punkt. Et av tegnene på et skadet ego er absolutt sikkerhet.

Skoler oppfordrer ideen om ikke å gå på akkord og forsvare arbeidet ditt for enhver pris. Poenget er at jobben vår er å komme til enighet. Du må bare vite hvor du skal inngå kompromisser. Den blinde forfølgelsen av dine egne slutter på bekostning av å utelukke muligheten for at andre kan ha rett, tar ikke hensyn til det faktum at vi i design alltid har å gjøre med en triade: klienten, publikum og deg selv. Ideelt sett vinner alle parter gjennom en slags forhandlinger, men selvhjulpenhet er ofte fienden. Narcissisme stammer generelt fra en slags barndomstraume som ikke bør utdypes. Dette er et veldig vanskelig aspekt av menneskelige forhold. For noen år siden leste jeg en veldig bemerkelsesverdig ting om kjærlighet, som også gjelder forholdet til andre. Det var et sitat fra Iris Murdoch i hennes nekrolog. Han sa: "Kjærlighet er det ekstremt vanskelige faktum å innse at den andre, som ikke er den ene, er ekte." Er det ikke fantastisk? Den beste konklusjonen om kjærligheten du kan forestille deg.

 I fjor ga noen meg til bursdagen min en nydelig bok av Roger Rosenblatt kalt «Aldring elegant»(Aldring elegant). Jeg skjønte ikke tittelen på den tiden, men den inneholder en rekke regler for aldring elegant. Den første regelen er den beste: “Det spiller ingen rolle. Det spiller ingen rolle hva du synes. Følg denne regelen, og du vil legge tiår til livet ditt. Det spiller ingen rolle om det er før eller senere, om du er her eller der, om du sa det eller ikke, om du er smart eller dum. Hvis du kom ut urett eller skallet, eller hvis sjefen din ser på deg sint eller kjæresten din ser på deg forbanna, hvis du er forbanna. Uansett om du får den forfremmelsen eller prisen eller huset - det spiller ingen rolle. " Visdom til slutt. Så hørte jeg en fantastisk historie som virket knyttet til regel nummer ti: En slakter åpnet sin virksomhet en morgen, og mens han gjorde det, stakk en kanin hodet gjennom døren. Slakteren ble overrasket da kaninen spurte: "Har du kål?" Slakteren sa: "Dette er en slakterbutikk, vi selger kjøtt, ikke grønnsaker." Kaninen hoppet over. Dagen etter åpnet slakteren sin virksomhet, og kaninen stakk hodet ut og spurte: "Har du kål?" Den nå sinte slakteren svarte: "Hør på meg liten gnager, jeg fortalte deg i går at vi selger kjøtt, ikke grønnsaker, og neste gang du kommer hit, tar jeg deg i nakken og spikrer de floppete ørene i bakken." Kaninen forsvant brått og ingenting skjedde i en uke. En morgen stakk kaninen hodet ut fra hjørnet og spurte: "Har du negler?" Slakteren sa, "Nei." Så sa kaninen: "Den har kål."

Historien om kaninen er viktig fordi det falt meg inn at å lete etter kål i en slakterbutikk ville være som å lete etter etikk innen designfeltet. Det virker ikke som det beste stedet å finne det heller. Det er interessant å merke seg at i den nye AIGA-etiske koden (American Institute of Graphic Arts) Det er en betydelig mengde informasjon om atferd overfor klienter og mot andre designere, men ikke et ord om designerens forhold til publikum. Slakteren forventes å selge spiselig kjøtt og ikke villedende varer. Jeg husker jeg leste at i løpet av Stalin-årene i Russland var alt som ble merket "biff" faktisk kylling. Jeg vil ikke forestille meg hva som ble merket "kylling". Vi kan akseptere noe minimalt nivå av bedrag, for eksempel å bli løyet om fettinnholdet i burgere, men når slakteren selger oss råttent kjøtt, drar vi andre steder. Som designere, har vi mindre ansvar overfor publikum enn slakter? Alle som er interessert i å registrere grafisk design, bør merke seg at begrunnelsen bak en lisensplate er å beskytte publikum, ikke designerne eller klientene. "Ikke gjør noe vondt" er en advarsel til leger som har å gjøre med forholdet til pasientene, ikke med kollegene eller laboratoriene. Hvis vi ble registrert, ville det å bli sant å bli viktigere å fortelle sannheten i vår virksomhet.

 Mer informasjon - Obery nicolas og spøkelsene