História do design gráfico

O design gráfico como o conhecemos tem feito parte de nós desde os tempos antigos até agora. Sabemos o que nos rodeia quando dizemos "design gráfico" porque aspectos da comunicação gráfica vêm imediatamente à mente: escritos, símbolos, pinturas etc.. Sua história não tem data definida, mas é determinada por uma série de eventos que possibilitaram sua evolução.

Para colocá-lo em situação, vamos transferi-lo para século XIX, um século repleto de acontecimentos que deram início aos primeiros movimentos e, portanto, foram os primeiros pilares onde o projeto começou a ser construído como o vemos hoje.

Prepare tudo o que você precisa porque a jornada temporária começa.

A origem: primeiros movimentos e artistas

Eventos importantes ocorreram no século XNUMX, um deles começou no final deste século. A cultura ocidental é condicionada pela revolução industrial e pelo desenvolvimento da tecnologia. Isso influencia o crescimento populacional e permite um avanço na comunicação. As grandes indústrias permitem uma produção rápida que, com isso, o valor artesanal dos produtos cai por completo.

Que solução pode haver após este conflito? Bem, no Reino Unido, o que conhecemos hoje como o movimento Artes capitaneado por William Morris. Este movimento surgiu com o objetivo de resgatar o valor artesanal. Infelizmente, o objetivo não foi alcançado, mas esse movimento teve muito destaque já que a sociedade da época os reconhecia por seu próprio estilo e por representarem os conflitos do momento em suas obras. E é assim que modernismo.

Aqui explicamos o que é o modernismo e o que tanto o caracteriza.

Modernismo

Modernismo também chamado Arte Nova, surgiu no final do século XIX e no início do século XX. Foi considerado um dos movimentos artísticos mais importantes da época e a sua transição é também conhecida como Belle Époque que durou até ao início da Primeira Guerra Mundial.

Os modernistas viveram com arte e vida e foram muito influenciados pelas correntes filosóficas da John Ruskin e o famoso William Morris, antecessor de movimentos como realismo ou impressionismo. Os modernistas atendem a uma série de características:

• Eles usam elementos da natureza para aprimorar seus trabalhos
• Eles usam novos materiais em suas obras após o avanço tecnológico
• Eles exploram a assimetria e a representam em seus trabalhos

No modernismo, surgiu uma série de artistas muito importantes para o mundo do design e da arte.

Charles Rennie Mackintosh

Charles Rennie foi um famoso arquiteto e designer que nasceu na Escócia em 1868. O que ele mais usa em suas obras são figuras geométricas e linhas retas ou ascendentes. Suas obras mais famosas incluem: Peônias, O forte e Poltrona.

Alfons Mucha

Ele foi um pintor e artista tcheco e é considerado um dos artistas mais representativos da Art Nouveau. Ele usa muito o estilo florido e se caracteriza por elogiar as mulheres em suas obras. Destacam-se trabalhos como: Zodiac, Chocolat Ideal e Job Cigars.

peter behrens

Peter era um dos designers gráficos da época, conhecido por criar identidades corporativas, pôsteres e fontes. Seu estilo é muito peculiar já que ele buscava designs mais funcionais e limpos. Suas obras incluem: Electric Tea e The forest.

A escola Bauhaus

Depois do século XIX, o século XX foi condicionada pela Primeira Guerra Mundial em 1914. Nesse ano foi fundada a escola Bauhaus em Weimar (Alemanha). Esta escola teve muita influência no mundo do design, arte e arquitetura. Muitos dos artistas que formaram esta escola, saíram do movimento construtivista e começaram a estudar a forma, materiais, composição, espaço e acima de tudo a importância da cor no design.

A bauhaus desenvolveu o que conhecemos como hierarquia tipográfica, onde linhas, barras, pontos ou quadrados eram usados ​​para dividir o espaço e manter a atenção do espectador. Algumas de suas características foram:

• Interesse no uso de materiais modernos (vidro)
• Tendência cubista e assimétrica em seus edifícios
• Eles usaram simplicidade nos formulários (menos é mais)
• Tendência para o minimalismo orgânico

Os artistas que fazem parte desta escola são:

Paul Klee

É considerado um dos artistas mais influentes do século XNUMX, destaca-se por trabalhar os fenômenos da abstração e entre suas obras se destaca: Gato e Pássaro e Castelo e Sol.

Kandinsky

Ele foi um pintor expressionista, abstrato e um grande mestre da cor e do design. A Composição Oito e o Cavaleiro Azul se destacam.

Herbert Bayer

Artista e dominante de composições dinâmicas onde trabalhou com linhas horizontais e verticais. Entre suas obras estão: Parede Articulada e Ascensão Dupla.

Moholy nagy

Moholy focou mais em fotografia e tipografia e se destaca por trabalhos como Space Modulator.

Art Déco (França)

Nos demais países europeus, movimentos também foram criados. Veio o Art deco, em uma fase em que as características do modernismo foram substituídas, por linhas simples e retas. 

Art Deco foi amplamente reconhecido na Exposition Internacionale des Artes Decoratifs Et Industriels Modernes em Paris em 1925. Este estilo vem do Modernismo e da escola Bauhaus. Também é influenciado pelo construtivismo russo que contribuiu muito com solidez e dureza nas linhas e formas.

O que caracteriza o Art Déco é a importância que deram às inovações tecnológicas da época, em algumas obras aparecem elementos como: arranha-céus, iluminação elétrica, rádios, aviação etc. A cor vem de fauvismo e é mostrado nas revistas e pôsteres que muitos artistas criaram.

Em artistas Art Déco, como:

Jean carlu

Ele usa a retórica em suas obras e mantém sua personalidade artística. Seus trabalhos incluem Le Gosse e Cuisine Electrique.

Cassandra

Cassandre era um artista e designer francês. Suas obras são influenciadas pelas vanguardas artísticas do período entre guerras do século XX. Eu costumava combinar elementos como arte, texto e imagem. Entre suas obras destacam-se: Normandie e Dubonnet.

Os anos 30

Anteriormente falamos sobre elementos que fazem parte do nosso dia a dia quando projetamos, mas você já se perguntou quando o design das fontes começou a ser importante? No post anterior, mencionamos um homem chamado Gutemberg Mas nem tudo fica aí. A tipografia também teve sua evolução e justamente, começou a tê-la no século. XX, especificamente na década de 30.

Durante este ano, acontecimentos históricos foram vivenciados e foi um momento repleto de diferentes ideologias sociais e políticas. Por isso surgiram movimentos como Futurismo, Dadaísmo e Surrealismo. Fontes deste ano, como Futura ou Gill Sans. 

Tipógrafos como Lester Bell ou Herbert Mater.

Os famosos pôsteres de guerra

Um conflito de guerra é definido como uma espécie de guerra em que vários indivíduos se enfrentam, neste caso o conflito de guerra de que vamos falar, enfrentou dois países, Alemanha e Polônia. Essa guerra teve origem em 1939 e desencadeou o que conhecemos como Segunda Guerra Mundial. Não foi apenas uma luta entre dois países, mas foi um confronto entre ocidentais e comunistas.

E o que os designers fizeram desta vez? Bem, muitos deles optaram pelo exílio enquanto outros mais corajosos foram reforçados para se unirem ao seu país. E o que o pôster de guerra tem a ver com tudo isso? Em tempos de guerra, principalmente na Primeira Guerra Mundial, foi criado o pôster de guerra, também chamado de política ou propaganda. Este pôster foi criado com o objetivo de convencer e ao mesmo tempo manipular a sociedade para levá-los a unificar o governo.

Os pôsteres atenderam a diversos temas e tipologias, mas dentre eles, destacaram-se por:

• Os designers desses pôsteres recorreram ao que chamamos de retórica e usaram um tom comunicacional conotativo, apelando assim para o emoções e sentimentos
• Eles usaram a psicologia da imagem para criar uma imagem difícil e difícil de esquecer
• Eles colocaram o texto antes da imagem, ou seja, o texto ganhou muito mais destaque devido às suas manchetes peculiares.
• Eles usaram cores fortes para persuadir a atenção do público
• Seu principal recurso foi a linha gráfica, que assumiu o centro das atenções sobre os outros elementos
• Os russos usaram o construtivismo em seus pôsteres, criando assim elementos estáticos

Os cartazes pertencentes à Segunda Guerra Mundial, esteticamente mantiveram a mesma linha gráfica e características. Dentre os artistas de pôster que tiveram maior influência na época, destacam-se os seguintes:

Alexandre Rodchenko

Alexandre foi o artista de cartazes mais representativo, ele se caracterizou por usar figuras geométricas que eram acompanhadas por cores claras. Muitos de seus trabalhos criam movimentos em sua composição devido à forma como ele sobrepõe os elementos (texto - imagem).

Algumas de suas obras recebem de: O Homem do Fogo e Rechevik.

Os anos 50 na Europa

Na Europa, principalmente na Suíça, vários movimentos foram criados, mas o mais conhecido foi, sem dúvida, no Estilo internacional suíço. Esse estilo teve origem na década de 50 e perdurou até os anos 70.

Cada movimento que foi criado ao longo da história, teve muito mais boom em alguns aspectos do que em outros, neste caso, esse estilo representou o início da revolução do desenho editorial. E o que tanto caracteriza este estilo? Uma das principais características é que eles conseguiram unificar a assimetria nas composições, isso foi conseguido com o uso de grades e grades tipográficas.

O que ele também caracterizou é o uso de fontes sem serifa e o uso de imagens e a rejeição de ilustrações. Os aspectos que melhor combinam com este estilo são:

• Certa clareza, legibilidade e objetividade em trabalhos onde fontes sans serif são usadas
• Representação da tipografia como elemento principal

Com o tempo, escolas suíças foram formadas em cidades como Genebra, Lausanne ou Zurique.

Entre os artistas que melhor representam este movimento estão: Theo Balmer, Emil Ruder e Max Bill.

Os anos 50 na América

Até agora, concluímos que a Europa foi um dos berços mais importantes no mundo da arte e do design. Mas a história não termina aqui, a América foi considerada uma grande potência mundial em tempos entre guerras e políticos. Este processo começa em meados do século XX.

Os designers americanos pretendiam romper com o estilo europeu / suíço e criaram um estilo próprio muito mais criativo e informal. É assim que o que entendemos como nasceu Escola Americana de Expressionismo Gráfico. 

Esta escola foi um resumo da influência artística que os americanos representaram no design. Um design muito mais representativo, com linhas gráficas liberadas e distantes da estática e da moral. As cores que usaram foram marcantes e invadiram o espectador e o apresentaram à mensagem. As fontes eram menos geométricas e brincavam com a figura.

Foi assim que começaram as primeiras técnicas artísticas:

arte pop

A pop art começou a ser introduzida no final dos anos 50 e seu representante era um artista chamado Andy Warhol, embora artistas como Roy Fox e Jasper Johns. O objetivo principal deste estilo era representar através de conceitos gráficos a sociedade de consumo da época, os avanços e avanços tecnológicos e a reivindicação por uma cultura superficial repleta de celebridades.

Encontramos recursos como:

• Cores fortes e imagens populares
• Recursos gráficos representados na forma de quadrinhos
• Padrões repetidos

Psicodelia

A psicodelia foi uma técnica artística que começou a dar frutos em meados de 60 na América. Foi muito influenciado pelo modernismo e pela Art Nouveau. E de onde veio esse movimento? Depois de tantas guerras e conflitos sociais, econômicos e políticos, muitos artistas sentiram a necessidade de criar um estilo que expressasse o interior do ser humano.

É caracterizado por:

• Uso de figuras abstratas e fontes totalmente deformadas
• Efeitos tridimensionais que evocam os efeitos alucinógenos de drogas
• Cores marcantes que vêm de movimentos sociais (hippies)

Durante os anos 50/60, artistas como Saúl Bass e Paul Rand. 

Design nos anos 60 e 70 na Europa

Os anos 60 e 70 na Europa foram condicionados pelo famoso Guerra Fria. A guerra fria desencadeou confrontos entre países como os Estados Unidos e a URSS. Isso levou muitos países, incluindo a Polônia, a se tornarem independentes.

A independência não trouxe apenas problemas sociais e políticos, mas, além disso, muitos artistas começaram a criar seus próprios estilos. Este estilo deriva do surrealismo e do conceito artístico «colagem». Mas vamos direto ao ponto, o país que mais se destacou na década foi a Inglaterra, onde surge o sentimento de libertação pessoal e grupos como o do punk.

Por isso, o estilo inglês partiu da mão dos cartazes desenhados por Jamie Reid. Seus pôsteres são movidos pelo movimento punk, criando assim elementos gráficos cheios de cores marcantes e energéticas e ele foi um participante da banda. Sex Pistols para desenhar muitas das capas de seus álbuns.

Design in America (anos 60 e 70)

Na década de 60 e 70 na América, novos artistas surgem onde o expressionismo ganha grande importância e é escolhido como utilizar outros recursos como. fotografia ou infográfico. Um dos artistas mais representativos foi Milton Glazer.

Milton Glazer

Este artista nasceu em Nova York em 1929. Ele tocou áreas como branding, design editorial, design de cartazes, design de interiores e ilustrações.

Em 1966 criou uma das obras mais representativas do design gráfico da época: um cartaz derivado de um dos álbuns do cantor. Bob Dylan. Anos depois, ele desenhou a revista The New York juntamente com um de seus projetos mais famosos: Eu amo Nova Iorque.

Os anos 80 em design gráfico

A década de 80 foi marcada pela avanço tecnológico. Isso permitiu a muitos artistas e designers terem à sua disposição uma série de programas que facilitaram o seu trabalho na área gráfica. O que conhecemos como a era digital veio carregada de estudos sobre composições e surgiram novas técnicas fotográficas e tipográficas.

Um dos artistas mais representativos foi Wolfgang Weingart.

Wolfgang Weingart

Ele foi um dos artistas tipográficos por excelência da década de 80. Seus designs são influenciados pelo estilo suíço e ele tem sido uma fonte de inspiração para muitos artistas. Entre suas obras mais conhecidas está: Tipografia 2.

O design gráfico na sociedade atual

Agora que você conhece um pouco mais da história do design gráfico. Você deve saber que toda a evolução continua em nossos projetos a cada dia. Ao desenhar uma identidade corporativa, um pôster, uma capa para uma revista ou mesmo quando fotografamos e desenhamos, Precisamos ser inspirados por aqueles artistas que já escreveram sua própria história e deixaram sua marca. 

Ainda não conhecemos a evolução que o design terá no século XXI, mas temos a certeza que será constituído por todas as técnicas e movimentos artísticos de que vos falamos e seguramente graças a eles, novas ideias e criações surgirão emergir.

Conclusão

Todos, em algum momento de nossas vidas, quando projetamos, também criamos um conceito do zero e esse conceito é a nossa origem e a nossa evolução.

Por isso, a história não se define apenas como uma série de eventos, mas também como evolução e crescimento pessoal. Convidamos você a continuar se aprofundando e aprendendo mais sobre a história do design gráfico.

Aliás, você já escreveu o seu?