Unul dintre primele lucruri pe care le înveți când începi să te interesezi de animație sunt cele 12 principii ale animației. Acestea au fost folosite ca standarde de când au fost colectate în cartea The Illusion of Life, scrisă de Frank Thomas și Ollie Johnston în 1981.
Dar care sunt acele principii? Dacă doriți să le cunoașteți și să înțelegeți și motivul pentru care acestea ar trebui aplicate, atunci vă vom dezvălui toate acele îndoieli pe care le puteți avea.
Cele 12 principii ale animației
După cum v-am spus, cele 12 principii ale animației provin din cartea Iluzia vieții. Acești doi autori, Frank și Ollie, au fost pionierii în animație în anii 30-50. De fapt, au lucrat la Disney și și-au dat seama că există douăsprezece principii pe care trebuie să le respecte toată animația.
Acum, poate credeți că a trecut prea mult timp și că acestea sunt învechite. Dar într-adevăr nu este așa. De fapt, sunt valabile până la animația 3, animația digitală etc.
Ceea ce ar trebui să aveți în vedere este că vorbim de reguli care stau la baza, dar în realitate ele pot evolua oricând de acolo.
Și care sunt acele 12 principii? Vă vom spune totul despre ele, astfel încât să vă fie clare.
se întinde și se micșorează
Imaginați-vă o animație de coioți. El îl urmărește pe alergător și drumul se termină. Roadrunner traversează fără probleme și vede că coiotul își dă seama că nu există teren. Se uită în jos, vede căderea și corpul lui se întinde până, după legea gravitației, căderea. Asta creează o mișcare, precum și un efect comic pentru că parcă nu vrea, dar se întinde pentru a cădea la pământ.
Desigur, trebuie să cadă la pământ, iar când se întinde, când ajunge la pământ, se micșorează tot corpul. La sfârșitul zilei este zdrobit de pământ.
Ei bine, aceasta este baza unuia dintre principii. Este folosit cu scopul de a deforma un obiect, un corp etc. dându-i mișcare. Și nu este folosit doar pentru cădere, ci și pentru sărituri sau pentru efecte comice sau dramatice.
Anticipare
Principiul anticipării se bazează pe îndrumarea publicului. Adică este un ghid pentru ca persoana care vede acea animație să știe că se va întâmpla ceva și să nu-l rateze.
Dar acesta este unul dintre cele 12 principii ale animației la care trebuie să fii mai atent pentru că cu cât îi dai mai multă anticipare, cu atât persoana respectivă va ști mai ușor ce se va întâmpla. Imaginează-ți un scurt scurt înfricoșător. Protagonistul intră într-o cameră cu doar o lanternă. Și există un dulap. La început se uită în altă parte, dar acel dulap este întotdeauna în unghiul de vizualizare. Este chiar posibil să se întunece mai mult sau să existe bătăi în el.
Și apoi, protagonistul merge acolo și publicul poate crede deja că se va întâmpla ceva. Asta face parte din suspansul pe care trebuie să-l creeze animația. Niciodată fără a dezvălui ce se va întâmpla, ci o modalitate de a atrage atenția privitorului respectiv.
Punerea în scenă
Cunoscută și sub denumirea de punere în scenă, se referă la ceea ce ar trebui să se întâmple în acea scenă specifică a animației. Nu este să știi exact ce trebuie spus, și deci să desenezi, ci să mergi mai departe, la intențiile pe care le au personajele, la emoții, stări...
Vă dăm un exemplu. Imaginați-vă că este o poveste în care protagonista a găsit o comoară și se întoarce în biroul ei pentru a o arăta șefului ei. Dar când ajunge, descoperă că totul este amestecat și nu există nicio urmă din acea comoară. Ce dispoziție ar avea personajele?
În acest caz intră în joc avioanele, animația și, mai ales, stabilirea sentimentelor față de acele personaje. Cu alte cuvinte, trebuie să te pui în situația acelui personaj pentru a ști cum ar reacționa. Asta este punerea în scenă.
Acțiune directă și poză în poză
În acest caz vorbim despre două lucruri diferite.
Pe de o parte, acțiune directă, care este crearea unei animații secvență cu secvență, plecând în așa fel încât să ajungi de la un început la un sfârșit evoluând mișcările, cadrele...
În schimb, poză în poză se concentrează mai ales pe ceea ce vrei să obții. De exemplu, trecerea de la un triunghi la un pătrat. Aceste două ipostaze principale sunt stabilite și apoi tranzițiile sunt intercalate pentru a face mișcarea mai naturală.
Acțiune continuă și suprapusă
Sunt, de asemenea, două lucruri diferite, dar de obicei sunt realizate în același timp. Și are legătură cu mișcarea care se face. De exemplu, când dai din cap, este normal ca părul tău (dacă este suficient de lung) să se mai miște câteva secunde. Ei bine, despre asta este acest principiu.
E departe pentru a da naturalețe acelui desen, deoarece cu mișcarea care este creată și îi permite să continue câteva secunde, se obține mai mult realism.
Intrări lente și ieșiri lente
Este, de asemenea, înțeles ca accelerare și decelerare. Și este că, atunci când începem o mișcare, există un pic de rezistență, la fel ca atunci când vrem să ne oprim. Ei bine, asta e ceea ce cauți.
Vă dăm un exemplu. Imaginează-ți că în animația ta o persoană vrea să se ridice dintr-un fotoliu. El pune forța să se ridice, dar dacă nu încetinește, atunci ar fi dat afară. Înțelegi acum?
Arcos
Acesta este unul dintre cele 12 principii ale animației care are cea mai mare legătură cu ființa umană. De fapt, cu orice ființă vie. Deoarece, Ai observat că animalul tău de companie nu merge în linie dreaptă? Sau pe tine? În mod normal facem de obicei o mică curbă în poteca pe care o parcurgem.
Și pe asta se bazează acest principiu, deoarece dacă totul ar fi perfect, ar părea ireal.
Acțiune secundară
În acest caz principiul se bazează pe acordați atenție detaliilor care însoțesc acțiunea principală și că trebuie să le dai viață. De exemplu, felul în care se mișcă părul, ridurile din haine, cum să arunci o minge în timp ce vorbești cu cineva...
Sincronizare
Timpul trebuie înțeles ca „ritm”. Și asta Trebuie urmat în funcție de scena în care ne aflăm. De exemplu, dacă în animație un personaj sperie un alt personaj, el nu va reacționa încet, nu-i așa? O va face repede și cu o față surprinsă.
Timingul este legat de limbajul corpului mai presus de toate, în așa fel încât viteza, împreună cu mișcarea, devin o modalitate de a face lucrurile de înțeles pentru privitor.
Exagerare
Mișcarea, zdrobirea, întinderea, mâncarea pe cineva sau ceva... Vorbim de animație și exagerarea nu înseamnă că este nefirească, ci mai degrabă că, uneori, aceasta se caută să capteze mai mult atenția spectatorului și chiar să-l facă să-și amintească acele scene (pentru că sunt amuzante, dramatice, de impact.. .).
Soliditate
Soliditatea trebuie înțeleasă ca menținerea unei poziții într-un mod natural și credibil, care este solidă.
De exemplu, dacă personajul trebuie să fie trist, nu se poate să aibă ochii înlăcrimați, sprâncenele în jos și un zâmbet pe buze. Nu este normal și nu ar fi firesc. Un alt lucru este că scena deja permite asta. Dar practic se bazează pe un echilibru între scene și ceea ce este „trăit” în ele.
personalitate și atractivitate
Cu alte cuvinte, animația, personajele, povestea trebuie să fie vii. Dacă nu, oricât de bun ar fi, nu va avea impact asupra privitorului și acesta îl va uita în curând sau se va plictisi.
Asta înseamnă că trebuie să construiești personaje bune, cu personalități și apariții solide, alături de poveștile și intriga pe care urmează să le „trăiască”.
Vă sunt clare cele 12 principii ale animației? Îi urmărești în proiectele tale?