Istoria designului grafic

Designul grafic, așa cum știm, a făcut parte din noi din cele mai vechi timpuri și până acum. Suntem conștienți de ceea ce ne înconjoară atunci când spunem „design grafic”, deoarece aspectele comunicării grafice îmi vin imediat în minte: scrieri, simboluri, picturi etc. Istoria sa nu are o dată stabilită, dar este determinată de o serie de evenimente care i-au făcut posibilă evoluția.

Pentru a vă pune în situație, vă vom transfera în Al XIX-lea, un secol plin de evenimente care au început primele mișcări și, prin urmare, au fost primii stâlpi în care designul a început să fie construit așa cum îl vedem astăzi.

Pregătiți tot ce aveți nevoie pentru că începe călătoria temporară.

Originea: primele mișcări și artiști

Evenimente importante au loc în secolul al XIX-lea, unul dintre ele a început la sfârșitul acestui secol. Cultura occidentală este condiționată de revoluția industrială și dezvoltarea tehnologiei. Acest lucru influențează creșterea populației și permite un avans în comunicare. Industriile mari permit producția rapidă, ca urmare a acestui fapt, valoarea artizanală a produselor scade complet.

Ce soluție poate exista după acest conflict? Ei bine, în Regatul Unit ceea ce știm astăzi ca mișcare Arte și Meserii căpitanul de William Morris. Această mișcare a apărut cu scopul de a readuce valoarea artizanală. Din păcate, obiectivul nu a fost atins, dar această mișcare a avut o mare importanță, deoarece societatea vremii i-a recunoscut pentru propriul stil și pentru a reprezenta conflictele momentului în lucrările lor. Și uite așa modernism.

Aici explicăm ce este modernismul și ce îl caracterizează atât de mult.

Modernism

Modernismul a mai numit Art Nouveau, a apărut la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea. A fost considerată una dintre cele mai importante mișcări artistice ale vremii și tranziția sa este cunoscută și sub numele de Belle Epoque care a durat până la începutul primului război mondial.

Moderniștii, au trăit cu arta și viața și au fost foarte influențați de curenții filozofici din John Ruskin și celebrul William Morris, predecesorul mișcărilor precum realismul sau impresionismul. Moderniștii îndeplinesc o serie de caracteristici:

• Ei folosesc elemente ale naturii pentru a-și îmbunătăți operele
• Ei folosesc materiale noi în lucrările lor după progresul tehnologic
• Ei explorează asimetria și o reprezintă în lucrările lor

În modernism au apărut o serie de artiști care erau foarte importanți pentru lumea designului și a artei.

Charles Rennie Mackintosh

Charles Rennie a fost un renumit arhitect și designer care s-a născut în Scoția în 1868. Ceea ce folosește cel mai mult în lucrările sale sunt figuri geometrice și linii drepte sau ascendente. Printre cele mai faimoase lucrări ale sale se numără: Bujori, Fortul și Fotoliu.

Alphonse Mucha

A fost pictor și artist ceh și este considerat unul dintre cei mai reprezentativi artiști ai Art Nouveau. El folosește o mulțime de stil înflorit și se caracterizează prin laudarea femeilor în lucrările sale. Lucrări precum: Zodiac, Chocolat Ideal și Job Cigars se remarcă.

Peter behrens

Peter a fost unul dintre designerii grafici ai zilei, cunoscut pentru proiectarea identităților corporative, a afișelor și a tipurilor de caractere. Stilul său este foarte ciudat, deoarece căuta modele mai funcționale și mai curate. Lucrările sale includ: Ceaiul electric și Pădurea.

Școala Bauhaus

După secolul al XIX-lea, secolul XX a fost condiționată de Primul Război Mondial din 1914. În acel an a fost înființată școala Bauhaus la Weimar (Germania). Această școală a avut o mare influență în lumea designului, artei și arhitecturii. Mulți dintre artiștii care au format această școală, s-au ridicat din mișcarea constructivistă și au început să studieze forma, materialele, compoziția, spațiul și mai presus de toate importanța culorii în design.

Bauhaus a dezvoltat ceea ce cunoaștem sub numele de ierarhie tipografică, unde liniile, barele, punctele sau pătratele erau folosite pentru a împărți spațiul și a păstra atenția privitorului. Unele dintre caracteristicile sale au fost:

• Interesul pentru utilizarea materialelor moderne (sticlă)
• Tendință cubistă și asimetrică în clădirile sale
• Au folosit simplitatea în forme (mai puțin este mai mult)
• Tendința către minimalismul organic

Artiștii care fac parte din această școală sunt:

Paul Klee

Este considerat unul dintre cei mai influenți artiști ai secolului al XX-lea, se remarcă pentru lucrul la fenomenele abstractizării și printre lucrările sale se remarcă: Pisica și Pasărea și Castelul și Soarele.

kandinsky

A fost un pictor expresionist, abstract și un mare maestru al culorilor și al designului. Compoziția Opt și Blue Rider se remarcă.

Herbert Bayer

Artist și dominant al compozițiilor dinamice unde a lucrat cu linii orizontale și verticale. Printre lucrările sale se numără: Peretele articulat și Dubla Înălțare.

Moholy nagy

Moholy s-a concentrat mai mult pe fotografie și tipografie și se remarcă prin lucrări precum Space Modulator.

Art Deco (Franța)

În restul țărilor europene au fost create și mișcări. A venit Art deco, într - o etapă în care caracteristicile modernismului au fost înlocuite, de linii simple și drepte. 

Art Deco a fost recunoscut pe scară largă la Expoziția Internațională a Artelor Decorative și Industriile Moderne din Paris în 1925. Acest stil provine din modernism și școala Bauhaus. De asemenea, este influențat de constructivismul rus care a contribuit cu multă soliditate și duritate în linii și forme.

Ceea ce caracterizează Art Deco este importanța pe care au acordat-o inovațiilor tehnologice ale vremii, în unele lucrări apar elemente precum: zgârie-nori, iluminat electric, radiouri, aviație etc. Culoarea vine de la fauvism și este afișat în revistele și afișele pe care mulți artiști le-au proiectat.

În art deco artiști precum:

Jean carlu

Folosește retorica în lucrările sale și își menține personalitatea artistică. Lucrările sale includ Le Gosse și Cuisine Electrique.

Cassandra

Cassandre a fost un artist și designer francez. Lucrările sale sunt influențate de avangardele artistice din perioada interbelică a secolului XX. Obișnuiam să combin elemente precum arta, textul și imaginea. Lucrările sale includ: Normandie și Dubonnet.

Anii 30

Anterior am vorbit despre elemente care fac parte din ziua noastră de zi cu zi când proiectăm, dar v-ați întrebat vreodată când a început să conteze designul fonturilor? În postarea anterioară am menționat un bărbat pe nume Gutemberg Dar totul nu rămâne acolo. Tipografia a avut, de asemenea, evoluția sa și tocmai a început să o aibă în sec XX, mai exact în anii '30.

În cursul acestui an, s-au trăit evenimente istorice și a fost o perioadă plină de diferite ideologii sociale și politice. Din acest motiv, au apărut mișcări precum futurismul, dadaismul și suprarealismul. Anul acesta fonturi precum Futura sau Gill Sans. 

Tipografi precum Lester Bell sau Herbert Mater.

Celebrele postere de război

Un conflict de război este definit ca un fel de război în care mai mulți indivizi se confruntă, în acest caz conflictul de război despre care vom vorbi, s-a confruntat cu două țări, Germania și Polonia. Acest război a luat naștere în 1939 și a declanșat ceea ce știm ca al doilea război mondial. Nu a fost doar o luptă între două țări, ci a fost o confruntare între occidentali și comuniști.

Și ce au făcut designerii de data aceasta? Ei bine, mulți dintre ei au ales să plece în exil, în timp ce alții mai curajoși au fost întăriți să se unească cu țara lor. Și ce legătură are afișul de război cu toate acestea? În vremuri de război, în special în primul război mondial, a fost creat afișul de război, numit și politic sau propagandistic. Acest poster a fost creat cu scopul de a convinge și manipulează în același timp societatea pentru a-i determina să unifice guvernul.

Afișele au îndeplinit numeroase teme și tipologii, dar, printre acestea, s-au remarcat prin:

• Proiectanții acestor postere au apelat la ceea ce numim retorică și au folosit un ton comunicativ conotativ, făcând astfel apel la emoții și sentimente
• Au folosit psihologia imaginii pentru a crea o imagine greu și greu de uitat
• Au pus textul înainte de imagine, adică textul a căpătat mult mai multă importanță datorită titlurilor sale deosebite
• Au folosit culori îndrăznețe pentru a convinge atenția publicului
• Resursa lor principală a fost linia grafică, a ocupat un loc central în fața celorlalte elemente
• Rușii au folosit constructivismul în afișele lor, creând astfel elemente statice

Afișele aparținând celui de-al doilea război mondial au continuat din punct de vedere estetic aceeași linie grafică și caracteristici. Printre artiștii care au avut cea mai mare influență la acea vreme, se remarcă următoarele:

Alexandru Rodcenko

Alexandru a fost cel mai reprezentativ artist de poster, el a fost caracterizat prin utilizarea unor figuri geometrice care erau însoțite de culori deschise. Multe dintre lucrările sale creează mișcări în compoziția sa datorită modului în care a suprapus elementele (text - imagine).

Unele dintre lucrările sale primesc de la: Omul focului și Rechevik.

Anii 50 în Europa

În Europa, în special în Elveția, au fost create mai multe mișcări, dar cea mai cunoscută a fost, fără îndoială, în Stilul internațional elvețian. Acest stil a luat naștere în anii 50 și a durat până în anii 70.

Fiecare mișcare creată de-a lungul istoriei, a avut mult mai mult boom în unele aspecte decât în ​​altele, în acest caz, acest stil a reprezentat începutul revoluției din design editorial. Și ce caracterizează atât de mult acest stil? Una dintre caracteristicile principale este că au reușit să unifice asimetria în compoziții, acest lucru a fost realizat cu utilizarea grilelor și grilelor tipografice.

Ceea ce a caracterizat, de asemenea, este utilizarea tipurilor de caractere sans-serif și utilizarea imaginilor și respingerea ilustrațiilor. Aspectele care se combină cel mai bine cu acest stil sunt:

• Anumite clarități, lizibilitate și obiectivitate în lucrările în care sunt utilizate fonturi sans serif
• Reprezentarea tipografiei ca element principal

De-a lungul timpului, s-au format școli elvețiene în orașe precum Geneva, Lausanne sau Zurich.

Printre artiștii care reprezintă cel mai bine această mișcare sunt: Theo Balmer, Emil Ruder și Max Bill.

Anii 50 în America

Până în prezent, am ajuns la concluzia că Europa a fost una dintre cele mai importante leagăne din lumea artei și designului. Dar povestea nu se termină aici, America a fost considerată o mare putere mondială în timpurile interbelice și politice. Acest proces începe la mijlocul secolului XX.

Designerii americani și-au propus să se desprindă de stilul european / elvețian și au creat un stil propriu mult mai creativ și informal. Așa s-a născut ceea ce înțelegem noi Școala americană de expresionism grafic. 

Această școală a fost un rezumat al influenței artistice pe care americanii au reprezentat-o ​​în design. Un design mult mai reprezentativ, cu linii grafice lansate și departe de static și moral. Culorile pe care le-au folosit au fost izbitoare și au invadat privitorul și l-au introdus în mesaj. Fonturile erau mai puțin geometrice și se jucau cu figura.

Așa au început primele tehnici artistice:

Arta pop

Pop artul a început să fie introdus la sfârșitul anilor 50, iar reprezentantul său a fost un artist numit Andy Warhol, deși artiști precum Roy Fox și Jasper Johns. Obiectivul principal al acestui stil a fost de a reprezenta prin concepte grafice societatea de consum a vremii, evoluțiile și progresele tehnologice și revendicarea unei culturi superficiale pline de vedete.

Găsim caracteristici precum:

• Culori îndrăznețe și imagini populare
• Resurse grafice reprezentate sub formă de benzi desenate
• Tipare repetate

Psihedelia

Psihedelia a fost o tehnică artistică care a început să dea roade la mijlocul anilor 'XNUMX. 60 În America. A fost foarte influențat de modernism și Art Nouveau. Și de unde a venit această mișcare? După multe războaie și conflicte sociale, economice și politice, mulți artiști au simțit nevoia de a crea un stil care să exprime interiorul ființei umane.

Se caracterizează prin:

• Utilizarea figurilor abstracte și a fonturilor total deformate
• Efecte tridimensionale care evocă efectele halucinogene ale medicamentelor
• Culori izbitoare care provin din mișcările sociale (hippies)

În anii 50/60 artiști precum Saúl Bass și Paul Rand. 

Design în anii 60 și 70 în Europa

Anii 60 și 70 din Europa au fost condiționați de faimos Război rece. Războiul rece a declanșat confruntări între țări precum Statele Unite și URSS. Acest lucru a condus la faptul că multe țări, inclusiv Polonia, au început să fie independente.

Independența nu numai că a adus probleme sociale și politice, dar, în plus, mulți artiști au început să-și creeze propriile stiluri. Acest stil derivat din suprarealism și din conceptul artistic „colaj”. Dar să trecem la subiect, țara care a avut cea mai mare importanță în deceniul trecut a fost Anglia, unde apare sentimentul de eliberare personală și grupuri precum Punk.

Din acest motiv, stilul englezesc a venit din mâna afișelor proiectate de Jamie Reid. Afișele sale sunt mișcate de mișcarea punk, creând astfel elemente grafice pline de culori izbitoare și energice și a participat la trupă sex Pistols pentru a proiecta multe dintre coperțile sale de albume.

Design în America (anii 60 și 70)

În deceniul anilor '60 și '70 în America, apar noi artiști unde expresionismului i se acordă o mare importanță și se alege modul de utilizare a altor resurse, cum ar fi fotografie sau infografică. Unul dintre cei mai reprezentativi artiști a fost Milton Glazer.

Milton glaser

Acest artist s-a născut la New York în 1929. A atins domenii precum branding, design editorial, poster design, design interior și ilustrații.

În 1966 a creat una dintre cele mai reprezentative lucrări pentru designul grafic al vremii: un poster care derivă dintr-unul din albumele cântăreței Bob Dylan. Ani mai târziu, a proiectat revista The New York împreună cu unul dintre cele mai faimoase proiecte ale sale: Iubesc New York-ul.

Anii 80 în design grafic

Deceniul anilor 80 a fost marcat de avans tehnologic. Acest lucru a permis multor artiști și designeri să aibă la dispoziție o serie de programe care le-au facilitat munca în domeniul grafic. Ceea ce cunoaștem ca era digitală, a venit încărcat de studii privind compozițiile și au apărut noi tehnici fotografice și tipografice.

Unul dintre cei mai reprezentativi artiști a fost Wolfgang Weingart.

Wolfgang Weingart

A fost unul dintre artiștii tipografici prin excelență din anii 80. Desenele sale sunt influențate de stilul elvețian și a fost o sursă de inspirație pentru mulți artiști. Printre cele mai cunoscute lucrări ale sale se numără: Tipografia 2.

Design grafic în societatea actuală

Acum, că știi puțin mai multe despre istoria designului grafic. Trebuie să știți că toată evoluția continuă în proiectele noastre în fiecare zi. Când proiectăm o identitate corporativă, un afiș, o copertă pentru o revistă sau chiar atunci când fotografiem și desenăm, Trebuie să fim inspirați de acei artiști care și-au scris deja propria istorie și și-au lăsat amprenta. 

Încă nu cunoaștem evoluția pe care o va avea designul în secolul XXI, dar suntem siguri că va fi alcătuită din toate tehnicile și mișcările artistice despre care v-am spus și cu siguranță datorită lor, idei și creații noi vor emerge.

Concluzie

Toată lumea, la un moment dat în viața noastră, când proiectăm, creăm și un concept de la zero, iar acel concept este originea și evoluția noastră.

Din acest motiv, istoria nu este definită doar ca o serie de evenimente, ci și evoluție și creștere personală. Vă invităm să continuați să vă adânciți și să aflați mai multe despre istoria designului grafic.

Apropo, ai scris deja a ta?