ประวัติความเป็นมาของการออกแบบกราฟิก

การออกแบบกราฟิกที่เรารู้ว่าเป็นส่วนหนึ่งของเราตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงปัจจุบัน เราตระหนักดีถึงสิ่งที่อยู่รอบตัวเราเมื่อเราพูดถึง "การออกแบบกราฟิก" เพราะแง่มุมต่างๆ ของการสื่อสารด้วยกราฟิกจะนึกถึงทันที: งานเขียน สัญลักษณ์ ภาพวาด ฯลฯ. ประวัติของมันไม่มีวันที่กำหนด แต่ถูกกำหนดโดยเหตุการณ์ต่อเนื่องที่ทำให้วิวัฒนาการเป็นไปได้

เพื่อให้คุณอยู่ในสถานการณ์ เราจะย้ายคุณไปที่ ศตวรรษที่ 19ศตวรรษที่เต็มไปด้วยเหตุการณ์ที่ก่อให้เกิดการเคลื่อนไหวครั้งแรก และด้วยเหตุนี้ สิ่งเหล่านี้จึงเป็นเสาหลักแรกที่การออกแบบเริ่มสร้างขึ้นดังที่เราเห็นในทุกวันนี้

เตรียมทุกสิ่งที่คุณต้องการเพราะการเดินทางชั่วคราวเริ่มต้นขึ้น

ที่มา: ขบวนการแรกและศิลปิน

เหตุการณ์สำคัญเกิดขึ้นในศตวรรษที่ XNUMX โดยเหตุการณ์หนึ่งเริ่มขึ้นเมื่อปลายศตวรรษนี้ วัฒนธรรมตะวันตกถูกกำหนดโดยการปฏิวัติอุตสาหกรรมและการพัฒนาเทคโนโลยี สิ่งนี้มีอิทธิพลต่อการเติบโตของประชากรและช่วยให้มีการสื่อสารล่วงหน้า อุตสาหกรรมขนาดใหญ่ทำให้สามารถผลิตได้อย่างรวดเร็ว ส่งผลให้คุณค่าทางศิลปะของผลิตภัณฑ์ลดลงอย่างสมบูรณ์

หลังจากความขัดแย้งนี้จะมีทางออกอย่างไร ในสหราชอาณาจักร สิ่งที่เรารู้ในปัจจุบันในฐานะขบวนการ ศิลปะและหัตถกรรม นำโดย วิลเลียมมอร์ริส. การเคลื่อนไหวนี้เกิดขึ้นโดยมีจุดประสงค์เพื่อนำคุณค่าของช่างฝีมือกลับคืนมา น่าเสียดายที่เป้าหมายไม่บรรลุผล แต่ขบวนการนี้มีความโดดเด่นอย่างมากเนื่องจากสังคมในสมัยนั้นยอมรับในสไตล์ของตนเองและเป็นตัวแทนของความขัดแย้งในขณะนั้นในผลงานของพวกเขา และนั่นคือวิธีที่ ความทันสมัย

ที่นี่เราจะอธิบายว่าความทันสมัยคืออะไรและมีลักษณะอย่างไร

ความทันสมัย

สมัยใหม่เรียกอีกอย่างว่า อาร์ตโนโวเกิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่สิบเก้าและต้นศตวรรษที่ยี่สิบ ถือเป็นหนึ่งในขบวนการทางศิลปะที่สำคัญที่สุดในยุคนั้น และการเปลี่ยนแปลงนี้เรียกอีกอย่างว่า Belle Epoque ซึ่งคงอยู่จนกระทั่งเริ่มสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง

พวกสมัยใหม่ อยู่กับศิลปะและชีวิต และได้รับอิทธิพลอย่างมากจากกระแสปรัชญาของ จอน รัสกิน และมีชื่อเสียง วิลเลียมมอร์ริสบรรพบุรุษของการเคลื่อนไหวเช่นความสมจริงหรืออิมเพรสชันนิสม์ นักสมัยใหม่มีคุณสมบัติหลายประการ:

• พวกเขาใช้องค์ประกอบของธรรมชาติเพื่อยกระดับผลงานของพวกเขา
• พวกเขาใช้วัสดุใหม่ในการทำงานหลังจากความก้าวหน้าทางเทคโนโลยี
• พวกเขาสำรวจความไม่สมมาตรและนำเสนอในงานของพวกเขา

ในยุคสมัยใหม่ มีศิลปินชุดหนึ่งซึ่งมีความสำคัญต่อโลกของการออกแบบและศิลปะมาก

ชาลส์ เรนนี่ แมคอินทอช

Charles Rennie เป็นสถาปนิกและนักออกแบบที่มีชื่อเสียงซึ่งเกิดในสกอตแลนด์ในปี 1868 สิ่งที่เขาใช้มากที่สุดในงานของเขาคือรูปทรงเรขาคณิตและเส้นตรงหรือจากน้อยไปมาก ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขา ได้แก่ Peonies, The fort และ Armchair

Alphonse Mucha

เขาเป็นจิตรกรและศิลปินชาวเช็กและถือเป็นหนึ่งในศิลปินที่เป็นตัวแทนมากที่สุดของอาร์ตนูโว เขาใช้สไตล์ดอกไม้มากมายและโดดเด่นด้วยการยกย่องผู้หญิงในผลงานของเขา ผลงานเช่น Zodiac, Chocolat Ideal และ Job Cigars โดดเด่น

Peter behrens

ปีเตอร์เป็นหนึ่งในนักออกแบบกราฟิกในยุคนั้น เป็นที่รู้จักในด้านการออกแบบเอกลักษณ์องค์กร โปสเตอร์ และแบบอักษร สไตล์ของเขานั้นแปลกมากเพราะเขากำลังมองหาการออกแบบที่ใช้งานได้ดีกว่าและสะอาดตา ผลงานของเขา ได้แก่ Electric Tea และ The Forest

โรงเรียนเบาเฮาส์

หลังศตวรรษที่สิบเก้า ศตวรรษ XX มันถูกกำหนดโดยสงครามโลกครั้งที่หนึ่งในปี 1914 ในปีนั้นโรงเรียน Bauhaus ก่อตั้งขึ้นใน Weimar (ประเทศเยอรมนี) โรงเรียนนี้มีอิทธิพลอย่างมากในโลกแห่งการออกแบบ ศิลปะ และสถาปัตยกรรม ศิลปินหลายคนที่ก่อตั้งโรงเรียนนี้ขึ้นมาจากขบวนการคอนสตรัคติวิสต์และเริ่มเรียน รูปทรง วัสดุ องค์ประกอบ พื้นที่ และที่สำคัญที่สุดของสีในการออกแบบ.

bauhaus พัฒนาสิ่งที่เรารู้จักในชื่อลำดับชั้นของการพิมพ์ ซึ่งเส้น แท่ง จุด หรือสี่เหลี่ยมถูกใช้เพื่อแบ่งพื้นที่และรักษาความสนใจของผู้ชม ลักษณะบางอย่างของมันคือ:

• ความสนใจในการใช้วัสดุที่ทันสมัย ​​(แก้ว)
• Cubist และเทรนด์อสมมาตรในอาคาร
• พวกเขาใช้ความเรียบง่ายในรูปแบบ (less is more)
• แนวโน้มสำหรับความเรียบง่ายแบบออร์แกนิก

ศิลปินที่เป็นส่วนหนึ่งของโรงเรียนนี้คือ:

Paul Klee

เขาได้รับการยกย่องให้เป็นหนึ่งในศิลปินที่ทรงอิทธิพลที่สุดแห่งศตวรรษที่ XNUMX โดดเด่นด้วยการทำงานเกี่ยวกับปรากฏการณ์ที่เป็นนามธรรม และผลงานของเขาโดดเด่น: Cat and Bird and Castle and Sun

คันดินสกี้

เขาเป็นนักวาดภาพ จิตรกรแนวนามธรรม และเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านสีสันและการออกแบบ องค์ประกอบที่แปดและ Blue Rider โดดเด่น

เฮอร์เบิร์ต ไบเออร์

ศิลปินและผู้มีอิทธิพลขององค์ประกอบแบบไดนามิกที่เขาทำงานกับเส้นแนวนอนและแนวตั้ง ผลงานของเขา ได้แก่ Articulated Wall และ Double Ascension

โมโฮลี นากี

Moholy ให้ความสำคัญกับการถ่ายภาพและการพิมพ์มากขึ้น และโดดเด่นในด้านผลงานอย่าง Space Modulator

อาร์ตเดโค (ฝรั่งเศส)

ในส่วนที่เหลือของประเทศในยุโรป การเคลื่อนไหวก็ถูกสร้างขึ้นเช่นกัน มา อาร์ตเดโคในขั้นตอนที่ลักษณะของความทันสมัยถูกแทนที่ด้วย เส้นที่ง่ายและตรง 

Art Deco ได้รับการยอมรับอย่างกว้างขวางในงาน Exposition Internacionale des Artes Decoratifs Et Industriels Modernes ในปารีสในปี 1925 สไตล์นี้มาจาก Modernism และโรงเรียน Bauhaus นอกจากนี้ยังได้รับอิทธิพลจากคอนสตรัคติวิสต์ของรัสเซียซึ่งมีส่วนเสริมความแข็งแกร่งและความแข็งในเส้นและรูปแบบ

ลักษณะเฉพาะของอาร์ตเดโคคือความสำคัญที่พวกเขามอบให้กับนวัตกรรมทางเทคโนโลยีของเวลา ในองค์ประกอบงานบางอย่างเช่น: ตึกระฟ้า, ไฟไฟฟ้า, วิทยุ, การบิน ฯลฯ ปรากฏขึ้น สีมาจาก Fauvism และปรากฏในนิตยสารและโปสเตอร์ที่ศิลปินหลายคนออกแบบไว้

ในศิลปินอาร์ตเดโคเช่น:

ฌอง คาร์ลู

เขาใช้สำนวนในงานของเขาและรักษาบุคลิกทางศิลปะของเขา ผลงานของเขา ได้แก่ Le Gosse และ Cuisine Electrique

คาสซานเดร

Cassandre เป็นศิลปินและนักออกแบบโปสเตอร์ชาวฝรั่งเศส ผลงานของเขาได้รับอิทธิพลจากศิลปะแนวหน้าของยุคระหว่างสงครามของศตวรรษที่ XNUMX เขาเคยผสมผสานองค์ประกอบต่างๆ เช่น ศิลปะ ข้อความ และรูปภาพ ผลงานของเขาโดดเด่น: Normandie และ Dubonnet

30 ปี

ก่อนหน้านี้เราได้พูดคุยเกี่ยวกับองค์ประกอบที่เป็นส่วนหนึ่งของชีวิตประจำวันเมื่อเราออกแบบ แต่คุณเคยสงสัยหรือไม่ว่าการออกแบบฟอนต์เริ่มมีความสำคัญเมื่อใด ในโพสต์ที่แล้วเราพูดถึงผู้ชายคนหนึ่งชื่อ Gutemberg แต่ทุกอย่างไม่ได้อยู่ที่นั่น วิชาการพิมพ์ก็มีวิวัฒนาการเช่นกันและอย่างแม่นยำก็เริ่มมีขึ้นในศตวรรษ XXโดยเฉพาะในช่วงทศวรรษที่ 30

ในปีนี้ เหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์เกิดขึ้นและเป็นช่วงเวลาที่เต็มไปด้วยอุดมการณ์ทางสังคมและการเมืองที่แตกต่างกัน ด้วยเหตุผลนี้ การเคลื่อนไหวต่างๆ เช่น ลัทธิแห่งอนาคต Dadaism และ Surrealism จึงเกิดขึ้น แบบอักษรปีนี้เช่น Futura หรือ Gill Sans 

ช่างพิมพ์ เช่น เลสเตอร์ เบลล์ หรือ เฮอร์เบิร์ต เมเตอร์

โปสเตอร์สงครามที่มีชื่อเสียง

ความขัดแย้งในสงครามถูกกำหนดให้เป็นสงครามประเภทหนึ่งที่บุคคลหลายคนเผชิญหน้ากัน ในกรณีนี้คือความขัดแย้งในสงครามที่เราจะพูดถึง โดยเผชิญหน้าสองประเทศ คือ เยอรมนีและโปแลนด์ สงครามครั้งนี้เกิดขึ้นในปี 1939 และก่อให้เกิดสิ่งที่เรารู้จักในชื่อสงครามโลกครั้งที่สอง ไม่ใช่แค่การต่อสู้ระหว่างสองประเทศเท่านั้น แต่ยังเป็นการเผชิญหน้าระหว่างชาวตะวันตกและคอมมิวนิสต์

และครั้งนี้เหล่าดีไซเนอร์ทำอะไรกันบ้าง? หลายคนเลือกที่จะลี้ภัยในขณะที่ผู้กล้าหาญคนอื่น ๆ ได้รับการเสริมกำลังเพื่อรวมเป็นหนึ่งกับประเทศของพวกเขา และโปสเตอร์สงครามเกี่ยวข้องกับทั้งหมดนี้อย่างไร ในช่วงสงคราม โดยเฉพาะอย่างยิ่งในสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง โปสเตอร์สงคราม หรือที่เรียกว่าการเมืองหรือโฆษณาชวนเชื่อได้ถูกสร้างขึ้น โปสเตอร์นี้จัดทำขึ้นโดยมีวัตถุประสงค์เพื่อ โน้มน้าวใจและในขณะเดียวกันก็จัดการสังคมให้รวมเป็นหนึ่งเดียวของรัฐบาล.

ผู้โพสต์มีธีมและประเภทที่หลากหลาย แต่ในหมู่พวกเขา พวกเขาโดดเด่นสำหรับ:

• ผู้ออกแบบโปสเตอร์เหล่านี้ใช้สิ่งที่เราเรียกว่าวาทศาสตร์ และใช้น้ำเสียงในการสื่อสารที่สื่อความหมาย ซึ่งดึงดูดใจ อารมณ์และความรู้สึก
• พวกเขาใช้จิตวิทยาของภาพเพื่อสร้างภาพที่ยากและยากที่จะลืม
• พวกเขาใส่ข้อความก่อนภาพ นั่นคือ ข้อความมีความโดดเด่นมากขึ้นเนื่องจากพาดหัวข่าวที่แปลกประหลาด
• พวกเขาใช้สีฉูดฉาดเพื่อดึงดูดความสนใจของสาธารณชน
• แหล่งข้อมูลหลักของพวกเขาคือเส้นกราฟิก มันใช้เวทีกลางเหนือองค์ประกอบอื่นๆ
• รัสเซียใช้คอนสตรัคติวิสต์ในโปสเตอร์จึงสร้างองค์ประกอบคงที่

โปสเตอร์ของสงครามโลกครั้งที่สองยังคงรักษาแนวกราฟิกและลักษณะเฉพาะไว้อย่างสวยงาม ในบรรดาศิลปินโปสเตอร์ที่มีอิทธิพลมากขึ้นในขณะนั้น มีดังต่อไปนี้:

อเล็กซานเดอร์ รอดเชนโก้

อเล็กซานเดอร์เป็นศิลปินโปสเตอร์ที่เป็นตัวแทนมากที่สุด เขาโดดเด่นด้วยการใช้รูปทรงเรขาคณิตที่มาพร้อมกับสีอ่อน ผลงานหลายชิ้นของเขาสร้างการเคลื่อนไหวในการจัดองค์ประกอบเนื่องจากวิธีที่เขาซ้อนองค์ประกอบต่างๆ (ข้อความ - รูปภาพ)

ผลงานบางส่วนของเขาได้รับจาก: ชายแห่งไฟและ Rechevik

ยุค 50 ในยุโรป

ในยุโรป โดยเฉพาะอย่างยิ่งในสวิตเซอร์แลนด์ มีการเคลื่อนไหวหลายอย่างเกิดขึ้น แต่ที่รู้จักกันเป็นอย่างดีคือใน สไตล์สวิสสากล สไตล์นี้มีต้นกำเนิดในยุค 50 และคงอยู่จนถึงยุค 70

การเคลื่อนไหวแต่ละครั้งที่สร้างขึ้นตลอดประวัติศาสตร์มีความเจริญในบางด้านมากกว่าการเคลื่อนไหวอื่น ๆ ในกรณีนี้รูปแบบนี้แสดงถึงจุดเริ่มต้นของการปฏิวัติของ การออกแบบบรรณาธิการ. และอะไรคือลักษณะเฉพาะของสไตล์นี้ มาก หนึ่งในคุณสมบัติหลักคือพวกเขาสามารถรวมความไม่สมมาตรในองค์ประกอบได้สำเร็จด้วยการใช้กริดและกริดการพิมพ์

สิ่งที่เขาโดดเด่นอีกอย่างคือการใช้แบบอักษรซานเซอริฟและการใช้รูปภาพและการปฏิเสธภาพประกอบ แง่มุมที่ผสมผสานกับสไตล์นี้ได้ดีที่สุด ได้แก่ :

• ความชัดเจน ความชัดเจน และความเที่ยงธรรมบางอย่างในงานที่ใช้ฟอนต์ sans serif
• การเป็นตัวแทนของตัวอักษรเป็นองค์ประกอบหลัก

เมื่อเวลาผ่านไป โรงเรียนของสวิสได้ก่อตั้งขึ้นในเมืองต่างๆ เช่น เจนีวา โลซานน์ หรือซูริก

ในบรรดาศิลปินที่เป็นตัวแทนการเคลื่อนไหวนี้ได้ดีที่สุด ได้แก่: ธีโอ บัลเมอร์, เอมิล รูเดอร์ และแม็กซ์ บิล

ยุค 50 ในอเมริกา

จนถึงตอนนี้ เราได้สรุปว่ายุโรปเป็นหนึ่งในแหล่งกำเนิดที่สำคัญที่สุดในโลกแห่งศิลปะและการออกแบบ แต่เรื่องราวยังไม่จบเพียงแค่นี้ อเมริกาถือเป็นมหาอำนาจโลกในสงครามระหว่างกันและการเมือง กระบวนการนี้เริ่มต้นในกลางศตวรรษ XX

ดีไซเนอร์ชาวอเมริกันตั้งเป้าที่จะแยกตัวออกจากสไตล์ยุโรป / สวิส และสร้างสไตล์ที่สร้างสรรค์และไม่เป็นทางการมากขึ้น นี่คือสิ่งที่เราเข้าใจตั้งแต่เกิด American School of Graphic Expressionism. 

โรงเรียนนี้เป็นบทสรุปของอิทธิพลทางศิลปะที่ชาวอเมริกันเป็นตัวแทนในการออกแบบ การออกแบบที่เป็นตัวแทนมากขึ้นด้วยเส้นกราฟิกที่ปล่อยออกมาและห่างไกลจากภาพนิ่งและศีลธรรม สีที่พวกเขาใช้นั้นโดดเด่นและรุกรานผู้ชมและแนะนำให้เขารู้จักกับข้อความ แบบอักษรมีรูปทรงเรขาคณิตน้อยกว่าและเล่นกับรูป

นี่คือจุดเริ่มต้นของเทคนิคทางศิลปะครั้งแรก:

ป๊อปอาร์ต

ป๊อปอาร์ตเริ่มมีการแนะนำในช่วงปลายทศวรรษ 50 และตัวแทนของมันคือศิลปินชื่อ แอนดี้วอร์ฮอล แม้ว่าศิลปินเช่น รอย ฟอกซ์ และ แจสเปอร์ จอห์นส์ วัตถุประสงค์หลักของรูปแบบนี้คือการนำเสนอผ่านแนวคิดกราฟิกเกี่ยวกับสังคมผู้บริโภคในยุคนั้น พัฒนาการทางเทคโนโลยีและความก้าวหน้า และการเรียกร้องวัฒนธรรมผิวเผินที่เต็มไปด้วยคนดัง

เราพบคุณสมบัติเช่น:

• สีสันสดใสและภาพยอดนิยม
• แหล่งข้อมูลกราฟิกที่แสดงในรูปแบบของการ์ตูน
• รูปแบบการทำซ้ำ

ประสาทหลอน

Psychedelia เป็นเทคนิคทางศิลปะที่เริ่มมีผลในช่วงกลาง 60 ในอเมริกา. ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากความทันสมัยและอาร์ตนูโว และการเคลื่อนไหวนี้มาจากไหนหลังจากสงครามและความขัดแย้งทางสังคม เศรษฐกิจ และการเมืองหลายครั้ง ศิลปินหลายคนรู้สึกว่าจำเป็นต้องสร้างรูปแบบที่แสดงออกถึงภายในของมนุษย์

โดดเด่นด้วย:

• การใช้รูปนามธรรมและแบบอักษรที่ผิดรูปโดยสิ้นเชิง
• ผลกระทบสามมิติที่ทำให้เกิดอาการประสาทหลอนของยา
• สีสันอันโดดเด่นที่มาจากการเคลื่อนไหวทางสังคม (ฮิปปี้)

ในช่วงยุค 50s / 60s ศิลปินเช่น ซาอูล บาสและพอล แรนด์ 

การออกแบบในยุค 60 และ 70 ในยุโรป

ยุค 60 และ 70 ในยุโรปถูกกำหนดโดยผู้มีชื่อเสียง สงครามเย็น. สงครามเย็นก่อให้เกิดการเผชิญหน้าระหว่างประเทศอย่างสหรัฐอเมริกาและสหภาพโซเวียต สิ่งนี้นำไปสู่หลายประเทศ รวมทั้งโปแลนด์ เริ่มเป็นอิสระ

ความเป็นอิสระไม่เพียงแต่นำมาซึ่งปัญหาทางสังคมและการเมืองเท่านั้น แต่นอกจากนี้ ศิลปินหลายคนก็เริ่มสร้างสไตล์ของตัวเอง สไตล์นี้ได้มาจากสถิตยศาสตร์และแนวคิดศิลปะ «ภาพตัดปะ». แต่มาเข้าเรื่องกัน ประเทศที่มีความโดดเด่นที่สุดในรอบทศวรรษคืออังกฤษ ที่ซึ่งความรู้สึกของการปลดปล่อยส่วนบุคคลเกิดขึ้นและกลุ่มต่างๆ เช่น แพศยา.

ดังนั้นสไตล์อังกฤษจึงมาจากมือของโปสเตอร์ที่ออกแบบโดย เจมี่เรด. โปสเตอร์ของเขาถูกกระตุ้นโดยการเคลื่อนไหวแบบพังค์ ดังนั้นจึงสร้างองค์ประกอบกราฟิกที่เต็มไปด้วยสีสันที่โดดเด่นและมีพลัง และเขาก็มีส่วนร่วมในวงดนตรี เซ็กซ์พิสทอ เพื่อออกแบบปกอัลบั้มมากมายของเขา

การออกแบบในอเมริกา (ทศวรรษ 60 และ 70)

ในทศวรรษที่ 60 และ 70 ในอเมริกา ศิลปินหน้าใหม่เกิดขึ้นโดยที่การแสดงออกซึ่งมีความสำคัญอย่างยิ่ง และได้รับเลือกว่าจะใช้ทรัพยากรอื่นๆ อย่างไร เช่น การถ่ายภาพหรืออินโฟกราฟิก. หนึ่งในศิลปินที่เป็นตัวแทนมากที่สุดคือ มิลตัน เกลเซอร์.

มิลตันกลาเซอร์

ศิลปินคนนี้เกิดที่นิวยอร์กในปี 1929 เขามีประสบการณ์ในด้านต่างๆ เช่น การสร้างแบรนด์ การออกแบบบรรณาธิการ การออกแบบโปสเตอร์ การออกแบบภายใน และภาพประกอบ

ในปีพ.ศ. 1966 เขาได้สร้างผลงานที่เป็นตัวแทนมากที่สุดงานหนึ่งสำหรับการออกแบบกราฟิกในยุคนั้น: โปสเตอร์ที่ได้มาจากหนึ่งในอัลบั้มของนักร้อง Bob Dylan. หลายปีต่อมา เขาออกแบบนิตยสาร The New York ร่วมกับหนึ่งในโครงการที่โด่งดังที่สุดของเขา: ฉันรักนิวยอร์ก

ยุค 80 ในการออกแบบกราฟิก

ทศวรรษแห่งทศวรรษ 80 ถูกทำเครื่องหมายโดย ความก้าวหน้าทางเทคโนโลยี. สิ่งนี้ทำให้ศิลปินและนักออกแบบหลายคนมีชุดโปรแกรมที่ช่วยอำนวยความสะดวกในการทำงานในสาขากราฟิก สิ่งที่เรารู้จักในยุคดิจิทัลนั้นเต็มไปด้วยการศึกษาองค์ประกอบและเทคนิคการถ่ายภาพและการพิมพ์แบบใหม่เกิดขึ้น

หนึ่งในศิลปินที่เป็นตัวแทนมากที่สุดคือ โวล์ฟกัง ไวน์การ์ต.

โวล์ฟกัง ไวน์การ์ท

เขาเป็นหนึ่งในศิลปินด้านการพิมพ์ที่เป็นแก่นสารของทศวรรษ 80 การออกแบบของเขาได้รับอิทธิพลจากสไตล์สวิสและเขาเป็นที่มาของแรงบันดาลใจสำหรับศิลปินหลายคน ผลงานที่รู้จักกันดีที่สุดของเขาคือ: Typography 2

การออกแบบกราฟิกในสังคมปัจจุบัน

ตอนนี้คุณรู้มากขึ้นเกี่ยวกับประวัติของการออกแบบกราฟิกแล้ว คุณควรรู้ว่าวิวัฒนาการทั้งหมดยังคงดำเนินต่อไปในการออกแบบของเราทุกวัน เมื่อออกแบบอัตลักษณ์องค์กร โปสเตอร์ ปกนิตยสาร หรือแม้กระทั่งเมื่อเราถ่ายภาพและวาดรูป เราจำเป็นต้องได้รับแรงบันดาลใจจากศิลปินที่เขียนประวัติศาสตร์ของตนเองและทิ้งร่องรอยไว้ 

เรายังไม่ทราบถึงวิวัฒนาการที่การออกแบบจะมีในศตวรรษที่ XNUMX แต่เรามั่นใจว่าการออกแบบจะประกอบด้วยเทคนิคและการเคลื่อนไหวทางศิลปะทั้งหมดที่เราบอกคุณและต้องขอบคุณพวกเขาอย่างแน่นอน ความคิดและการสร้างสรรค์ใหม่ๆ จะ โผล่ออกมา

ข้อสรุป

ทุกๆ คนในชีวิตของเราเมื่อเราออกแบบ เรายังสร้างแนวคิดตั้งแต่เริ่มต้น และแนวคิดนั้นก็คือต้นกำเนิดและวิวัฒนาการของเรา

ด้วยเหตุผลนี้ ประวัติศาสตร์จึงไม่เพียงถูกกำหนดให้เป็นชุดของเหตุการณ์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงวิวัฒนาการและการเติบโตส่วนบุคคลด้วย เราขอเชิญคุณให้เจาะลึกและเรียนรู้เพิ่มเติมเกี่ยวกับประวัติของการออกแบบกราฟิกต่อไป

โดยวิธีการที่คุณได้เขียนของคุณแล้ว?