Vi har inte behandlat vårt yrkes teoretiska område på länge och idag vill jag ta tillfället i akt att komma ihåg några mycket användbara begrepp och utnyttja de regler som föreslås av Timothy samara. I den här första artikeln kommer jag att berätta om tio av dem och senare de återstående tio, eftersom jag som ni ser har glatt mig lite över dem för sanningen är att de verkar väldigt intressanta för mig.
Tillämpar du dessa tips på ditt arbete? håller du med dem? Om du vill berätta för mig om en teknik som du använder ofta eller vill dela några råd med vårt samhälle, vet du, Lämna mig en kommentar!
Var tydlig om konceptet, budskapet
På samma sätt som arkitektur fungerar är den funktionella och kontextuella grunden av avgörande betydelse. En kyrka har inte samma struktur som ett hotell eller en golfpark. De funktioner som kommer att utvecklas inom konstruktionen kommer att vara av avgörande betydelse för att definiera dess struktur, innehållskanaler och användaråtkomst. En grafisk diskurs fungerar på samma sätt, den måste förses med tillräckligt med verktyg så att allmänheten kan vandra genom dem med total komfort och hitta det innehåll de letar efter. Av den anledningen kommer vi inte tröttna på att påverka det: Undvik inte förproduktionsfasen. Dokumentera dig själv, hitta information och bygg konceptet tydligt innan du materialiserar det.
Du måste kommunicera, inte dekorera
Den sanna estetiken får mening när den väger vårt sinne, när det kommer en punkt där det föreslår något koncept, någon idé. Det sanna mysteriet med kommunikation (text, grafik, audiovisuell ...) är att väcka och föreslå begrepp för allmänheten. Begreppssammanhang kan endast ske genom riktigt uttrycksfulla element med en betydande och semantisk belastning. Försök därför avstå från att använda överflödiga element som inte säger något.
Tala med ett enda visuellt språk
Vi talar om stil, om en språklig och konstnärlig kod som strikt utvecklats av kompositionens författare. Det är en process som tar tid, för i slutändan handlar det om att hitta oss själva som skapare. Vårt språk kommer med erfarenhet att få en karakteristisk tonic, en dos av vår personlighet som utan tvekan kommer att göra skillnad och konfigurera oss som artister. Ditt grafiska språk är du. Glöm att blanda strategier och röster från andra skapare eller artister, försök istället att absorbera den inspiration som vissa verk väcker och göra den till din, översätt den till ditt språk och under din egen etikett.
Använd högst två eller tre teckensnittsfamiljer
Det är en fråga om harmoni och ordning. Användningen av mer än tre familjer leder till vissa kommunikationsstörningar som minskar kommunikationsprocessens flyt. Var och en av de anställda familjerna måste ha en plats, en miljö, ett meddelande och en funktion. Om vi missbrukar mängden kommer vi att förvränga skelettet och i slutändan vilseleda läsaren.
Slå i två takter: locka och behålla
Övertygande strategier kan vara så enkla eller komplicerade som vi bestämmer, men oavsett vilken strategi vi har kommer det att finnas två grundläggande steg eller pelare som kommer att avgöra dess effektivitet: Vi måste locka, överraska, vi behöver i första hand en enda titt på vårt arbete Från där går vi in i nästa fas: Nu måste vi innehålla det avsnittet av kontemplation. Att upprätthålla denna uppmärksamhet beror direkt på kvaliteten på det innehåll vi föreslår och effektiviteten på vårt eget språk.
Välj färger med ett syfte
Du vet lika bra som jag att färger talar för sig själva. Var och en av dem har mycket specifika vibrationer och konsekvenser. Kort sagt, de är kompletterande meddelanden och som följer den grafiska konstruktionen. Du kommer att behöva känna till paletten, utvärdera vilka meddelanden den föreslår för oss som överensstämmer med det övergripande budskapet i din komposition. Vilka nyanser stöder konceptet vi bedriver och vilka färgnyanser suddar ut eller tystnar.
Mindre är mer
Kanske är detta en av kontroverserna som genererar den största mångfalden av åsikter inom vårt område. Är enkelhet alltid svaret? Jag personligen tycker inte att det är en kamp mellan konstnärliga strömmar. Jag tror inte att diskussionen handlar om huruvida minimalism är lösningen eller inte, och om det vore så skulle jag vara helt emot detta uttalande. Varje verk och varje meddelande har vissa implicita behov som författarens grafiska språk måste kunna lösa. Jag tror att det vi pratar om är att utveckla vår syntetiska kapacitet, lära oss att skilja vad som verkligen är viktigt i vår komposition. Definiera vilka element som verkligen har något att säga och vilka av dem som är platta på kommunikationsnivå. För att utveckla denna förmåga, gör ett test: Eliminera alla element i din design en efter en. Av alla frånvaro Vilka lämnar ett innehåll ogiltigt och vilka saknar du inte när du tar bort dem?
Negativt utrymme är viktigt
Särskilt i logotyper ger det negativa utrymmet vanligtvis tillägg som beskriver talet och slutar ge det kraft. Det är ett arbete på två nivåer och därför med större möjligheter. Ignorera inte den negativa dimensionen för vid många tillfällen kan ge gnistan som saknas i den skissen som inte övertygar dig.
Typografi är lika viktigt som bild
Både typografin och själva fotograferingen eller till och med illustrationen har liknande uppgifter och mål: Att vara redskapet för en verklighet som använder olika koder eller regler. Vi återgår till känslighet som en viktig punkt. Vi måste lära oss att intuitera vilken typsnitt är i harmoni med vår stavning eller till och med vår färgpalett.
Typer som inte kan läsas har ingen funktion
Ibland väljer vi snabba rutter för att få skillnaden mellan ett varumärke, såsom användning av konstiga och omöjliga att avkoda symboler som i själva verket utgör en börda snarare än en förstärkning. Vi måste göra ett hål i minnet för vår publik, men om vi använder symboler eller oskiljbara typer kommer vi att överföra en bild som saknar innehåll. Det som inte kan förstås kan inte memoreras och kan inte komma ihåg. Försök att söka differentiering på andra, mer detaljerade och fullständiga sätt, annars kommer du att falla i en fälla.