Un dels primers coneixements que aprens quan et comences a interessar per l'animació són els 12 principis de l'animació. Aquests es porten com a normes des que van ser recollits al llibre The Illusion of Life, escrit per Frank Thomas i Ollie Johnston el 1981.
Però, quins són aquests principis? Si vols saber-los ia més entendre el motiu pel qual s'han d'aplicar aquests, a continuació et desvetllem tots aquests dubtes que pots tenir.
Els 12 principis de l´animació
Tal com t'hem dit, els 12 principis de l'animació surten del llibre The Illusion of Life. Aquests dos autors, Frank i Ollie, van ser pioners en l'animació als anys 30-50. De fet, van treballar a Disney i es van adonar que hi havia dotze principis que tota animació havia de complir.
Ara bé, potser penses que ja ha passat massa temps i que aquests són obsolets. Però, en realitat, no és així. De fet, són vàlids fins i tot per a l'animació 3, animació digital, etc.
El que sí que has de tenir en compte és que parlem d'unes regles que són les bases, però que en realitat sempre poden evolucionar a partir d'aquí.
I quins aquests 12 principis? Te'ls comentem tots perquè et quedin clars.
Estirar i encongir
Imagina una animació del coiot. Va perseguint el correcamins i s'acaba la carretera. El correcamins creua sense problema i veure que el coiot s'adona que no hi ha terra. Mira cap avall, veu la caiguda i el cos s'estira per, per la llei de la gravetat, caure. Això crea un moviment, a més d'un efecte còmic perquè és com que no vol però s'estira per caure a terra.
Això sí, ha de caure a terra, i en estirar, quan arriba a terra tot el seu cos s'encongeix. Al capdavall s'aixafa amb el terra.
Aquesta és la base d'un dels principis. Es fa servir amb l'objectiu de deformar un objecte, un cos, etc. atorgant-li moviment. I no només serveix per a caigudes, sinó també per a salts o per a efectes còmics o dramàtics.
anticipació
El principi d'anticipació es basa a guiar el públic. És a dir, és una guia perquè la persona que veu aquesta animació sàpiga que passarà alguna cosa i no s'ho perdi.
Però aquest és un dels 12 principis de l'animació que cal tenir més cura perquè com més anticipació li donis, més fàcilment sabrà aquesta persona el que passarà. Imagina't un curt de por. El protagonista entra en una habitació només amb una llanterna. I hi ha un armari. Al principi mira per altres costats, però aquest armari és sempre a l'angle de visió. Fins i tot és possible que es vagi enfosquint, o hi hagi batecs.
I llavors, el prota va cap allà i el públic ja pot pensar que passarà alguna cosa. Això és part del suspens que cal crear en l'animació. Mai sense desvetllar què passarà, però sí una manera de cridar l'atenció a aquest espectador.
Posada en escena
També conegut com a staging, fa referència al que ha de passar en aquesta escena concreta de l'animació. No és exactament saber què cal explicar, i per tant dibuixar, sinó anar més enllà, a les intencions que tinguin els personatges, a les emocions, estats d'ànim…
Et posem un exemple. Imagina que és una història en què la protagonista ha trobat un tresor i torna al seu despatx per ensenyar-ho a la seva cap. Però quan arriba, descobreix que tot està regirat i no hi ha rastre d'aquest tresor. Quin estat d'ànim tindrien els personatges?
En aquest cas entren en joc els plànols, animàtiques i sobretot establir sentiments a aquests personatges. En altres paraules, cal posar-se en la situació d'aquest personatge per saber com es reaccionaria. Aquesta és la posada en escena.
Acció directa i posa a posat
En aquest cas parlem de dues coses diferents.
D'una banda, l'acció directa, que és crear una animació seqüència a seqüència, deixant de manera que s'arriba d'un inici a un final evolucionant els moviments, els fotogrames…
En canvi, pose a pose se centra sobretot en allò que es vol aconseguir. Per exemple, passar dun triangle a un quadrat. S'estableixen aquestes dues posicions principals i després s'intercalen transicions per aconseguir que el moviment sigui més natural.
Acció continuada i superposada
També són dues coses diferents, però que se solen dur a terme alhora. I és que té a veure amb el moviment que es fa. Per exemple, quan negues amb el cap, el més normal és que el teu cabell (si és força llarg) segueixi movent-se uns segons més. Doncs això va aquest principi.
És una forma de donar naturalitat a aquest dibuix, ja que amb el moviment que es crea i permet que segueixi uns segons, s'aconsegueix més realisme.
Entrades lentes i sortides lentes
També se l'entén com a acceleració i desacceleració. I és que, quan iniciem un moviment, hi ha una mica de resistència, igual que quan volem parar. Doncs això mateix és allò que es busca.
Et posem un exemple. Imagina que a la teva animació una persona vol aixecar-se d'una butaca. Posa força per aixecar-se, però si no desaccelera, aleshores sortiria disparat. Ho entens ara?
arcs
Aquest és un dels 12 principis de l'animació que té més a veure amb l'ésser humà. En realitat, amb qualsevol ésser viu. Perquè, t'has adonat que la teva mascota no va en línia recta? O tu mateix? Normalment solem fer una petita corba al camí que caminem.
I això mateix en allò que es basa aquest principi ja que, si tot fos perfecte, semblaria irreal.
acció secundària
En aquest cas el principi es basa en fixar-se en els detalls que acompanyen lacció principal i que cal donar-los vida. Per exemple, la manera com es mou els cabells, les arrugues de la roba, com botar una pilota mentre s'està parlant amb algú…
Sincronització
El timing ha de ser entès com a «ritme». I aquest ha de continuar depenent de l'escena en què estiguem. Per exemple, si en l'animació un personatge dóna un ensurt a un altre, aquest no reaccionarà lentament, oi? Ho farà ràpidament i amb cara de sorpresa.
El timming fa relació al llenguatge corporal sobretot, de manera que la velocitat, juntament amb el moviment, es converteixen en una manera de donar a entendre coses a l'espectador.
Exageració
Moviment, aixafament, estirament, menjar a algú o alguna cosa… Estem parlant d'animació i l'exageració no vol dir que sigui antinatural, sinó que, de vegades, això es busca per aconseguir captar més l'atenció de l'espectador i fins i tot que recordi aquestes escenes (per divertides, dramàtiques, d'impacte…).
solidesa
La solidesa s'ha d'entendre com mantenir una posició de manera natural i creïble, que sigui sòlida.
Per exemple, si el personatge ha d'estar trist, no pot ser que tingui els ulls plorosos, les celles baixes, i un somriure als llavis. No és normal, i no seria natural. Una altra cosa és que l'escena ja permeti això. Però bàsicament es basa en un equilibri entre les escenes i el que s'hi «viu».
Personalitat i atractiu
Dit d'una altra manera, l'animació, els personatges, la història han de ser vives. Si no, per molt bona que sigui, no causarà un impacte a l'espectador i aviat l'oblidarà o l'avorrirà.
Això implica que cal construir bons personatges, amb personalitats i aparences sòlides, juntament amb les històries i la trama que viurà.
T'han quedat clars els 12 principis de l'animació? Els segueixes als teus projectes?